viernes, 10 de diciembre de 2010

Recordar los comienzos

Parece que fue ayer cuando comencé a hacer más público mi trabajo musical. En 2001 edité mi disco "Poema Barroco", hasta ahora el único. Para mediados del próximo año estaré celebrando diez años de esa empresa, arriesgada y audaz, muy audaz de mi parte. Este recorte de periódico corresponde a una entrevista que me hizo mi amiga y colega periodista cultural Yasmín Monsalve, en julio de ese año. Ya 2010 está por concluir y vienen los nuevos propósitos para el venidero año nuevo. Espero de corazón que todo se cumpla para todos los lectores de este blog, con mucho optimismo.

martes, 7 de septiembre de 2010

Crónica Minimalista: El fin es sobrevivir

Caracas.- ¡De cuántas maneras se nos presenta la ciudad! Hay una Caracas externa, la que suena, la que grita, la que le arranca las esperanzas a cualquiera, la ciudad amable, la ciudad bonita. La fea, la del caos. Todas son una... y así también es la ciudad de adentro, la que habita en el corazón, la que late, la que enamora y se enamora. La que suena, pero no contamina. Esta ciudad interna se parece a la ciudad de cualquier persona en el mundo: basta compenetrarse con el otro para convivir en la ciudad interna de ambos. Con sigilo, el habitante muda de ciudad. Se va de la de adentro y sale para la externa, a riesgo de que su vida cambie, pero ese es el riesgo. Luego, si sobrevive, retorna a su intimidad. Lo triste es que no se sabe cuál es más violenta, el fin es sobrevivir.

lunes, 21 de junio de 2010

Concierto en Valencia (España)

Hola. No es mi concierto, sino del maestro José Luis Ruiz del Puerto en la localidad de Valencia (España). Debo las reseñas de mis recientes conciertos!!! Pronto las publico. Saludos, Ana María H.

Por lo pronto, reproduzco el mensaje, tal como lo envió el maestro Ruiz del Puerto.

"Estimados/as amigos/as:Quería anunciaros que el próximo sábado día 26 de junio volveré a interpretar, junto a la Orquestra Simfònica S.M.I. “Santa Cecilia” de Cullera bajo la dirección de Salvador Sebastiá, el Concierto para Guitarra y Orquesta Homenaje a Francisco Tárrega: “Somni”, del compositor Vicente Roncero.

El concierto se realizará dentro de la programación del Festival Cinc Segles de Música a L´Eliana, prestigioso festival que se celebra con gran éxito desde hace cinco años en esta localidad valenciana.

Además de esta obra se interpretarán varias piezas de Francisco Tárrega, orquestadas por el propio Vicente Roncero, y la Vª Sinfonía de L. V. Beethoven.

El concierto tendrá lugar en el Centro Socio Cultural de L’Eliana a las 20 horas.
El precio de la entrada es de 5 euros (tarifa normal) y 2’5 euros (tarifa reducida: niños y pensionistas).

Me gustaría contar con vuestra presencia.
Aprovecho para enviaros un cordial saludo.

www.ruizdelpuerto.com
www.jornadasdeguitarra.com

José Luis Ruiz del PuertoC/Castellonet 3- 346025 Valencia (España)Tfno: +34963466563Tfno. móvil: 610437706www.ruizdelpuerto.com"

Este domingo, Lorenzo Camejo


El guitarrista venezolano Lorenzo Camejo me envió esta información, incluso, eran cuatro conciertos que comenzaron el 5 de junio (Flavio Sala), 12 de junio (Cuarteto de Guitarras de Caracas) y el pasado sábado 19 de junio, con Onkora. Ahora, el próximo concierto es:


DOMINGO 27 de junio/ 5pm

LORENZO CAMEJO, en el marco de su gira "La Guitarra toma Miranda"

Acompañado por la Orquesta Sinfónica Juvenil de San Antonio de Los Altos en su "IV Aniversario"

Lugar: Complejo Cultural y Deportivo San Antonio de los Altos, Av. Perimetral Francisco Salias, San Antonio de los Altos.
Concierto No.1 en Re mayorOp. 99 Castelnuovo-TedescoLorenzo.

Camejo Destacado artista venezolano y uno de los guitarristas más completos y representativo de la escena musical venezolana. Liderizando la conducción del prestigioso Trío “Raúl Borges”, fundado en 1942 por el Maestro Antonio Lauro, ha llevado a cabo diversas giras internacionales y la grabación de tres excelentes producciones discográficas. Es miembro fundador de la Asociación Venezolana de Amigos de la Guitarra (AVAGUI), de cuya directiva actual es su Presidente. Desde el año 2001 preside la Comisión Artística que organiza el Concurso Internacional de Guitarra “Alirio Díaz”.

Ecos de España en Bangkok con la guitarra de Miguel Trápaga

Por Gaspar Ruiz-Canela / Agencia española de noticias EFE

Bangkok, 20 jun (EFE).- El guitarrista cántabro Miguel Trápaga, acompañado por la Orquesta Filarmónica de Tailandia, trasladó anoche a un extasiado público en Bangkok al corazón de la música española con obras de Joaquín Rodrigo y Crisóstomo Arriaga.

El guitarrista santanderino actúa este fin de semana en el auditorio de la Universidad de Mahidol en dos conciertos organizados por la Embajada de España en Tailandia.

"Me sorprende la afición de los asiáticos por la música occidental y la guitarra española, que es algo totalmente ajeno a sus culturas", indicó a Efe Trápaga, nacido en 1967.

El músico se ganó a los tailandeses y extranjeros presentes en la sala con una magistral interpretación de los "Esclavos felices", de Arriaga, y el "Concierto de Aranjuez", de Rodrigo.

La mayoría del público seguía como hipnotizado los ágiles punteos del maestro santanderino, mientras que otros preferían cerrar los ojos, que sólo volvían a abrir para aplaudir con brío y vitorear concluida la obra.

"La guitarra tiene algo especial, el fuego, el misterio o el misterio antiguo de España, no sé cómo definirla", exclamó una joven tailandesa del público a la salida.

En la segunda parte del concierto, sin la presencia de Trápaga, la orquesta tailandesa sorprendió gratamente al auditorio con "El amor brujo", la ópera de reminiscencias andaluzas de Manuel de Falla.

Aunque en su mayoría aficionados a la música clásica, pocos locales conocían al compositor que figuró durante décadas en los antiguos billetes de cien pesetas y disfrutaron mucho.

"Hemos elegido un repertorio más amplio para mostrar la música española del siglo XX, representada por Falla y Rodrigo, y el siglo XIX, con una obertura de un compositor vasco poco difundido, Arriaga", explicó el guitarrista.

Arriaga, nacido en 1806, fue conocido como el "Mozart español" por su virtuosismo musical desde una edad temprana y porque murió joven, a los 19 años, a causa de la tuberculosis.

"El estilo de Arriaga también se parece a Mozart, aunque con una cadencia más andaluza. El "Concierto de Aranjuez" es una pieza de neoclásica, aunque los matices españoles siempre están presentes", aseveró.

Trápaga, que previamente actuó en Nueva Zelanda, aprovechó su estancia en Bangkok para impartir unas clases magistrales a los alumnos del conservatorio de música de la Universidad de Mahidol.

"La guitarra española ejerce una fascinación especial en Asia y, según he podido comprobar yo mismo, en los guitarristas tailandeses también participan de esa afición", señaló el santanderino.

"Es difícil evaluar el nivel global en Tailandia. Aunque en la Universidad de Mahidol he visto un talento extraordinario para la edad y el nivel de estudios que tienen, tienen que trabajar mucho para alcanzar un nivel internacional", manifestó Trápaga.

"Los alumnos -añadió- tocaron piezas de Joaquín Rodrigo, Vicente Asensio y Fernando Sor. Rodrigo es un compositor muy conocido y cualquier guitarrista siempre incluye algunas de sus obras en su repertorio".

Los asiáticos encuentran tan exótica la guitarra española como los europeos o americanos puedan considerar la música de Tailandia, China o Japón.

La música tradicional occidental utiliza la escala de siete tonos, mientras que la asiática, así como otras culturas en África y América, utilizan la escala pentatónica o de cinco tonos por octava.

A principios del siglo XX, autores europeos como Claude Debussi y Maurice Ravel se quedaron fascinados con las escalas de cinco tonos de las melodías asiáticas y la incorporaron a su obra.

El propio Trápaga estrenó hace tres meses "Los cinco amantes de Drupadi" en Segovia, una pieza basada en esta escala escrita por el compositor indonesio Ananda Sukarlan, afincado en España.

El guitarrista, que también ha colaborado con el célebre músico cubano Leo Brouwer, tiene previsto tocar el próximo septiembre en Indonesia y Japón. EFE

miércoles, 16 de junio de 2010

Crónica Minimalista: La Silla de Caracas

Caracas.- La Cota Mil es como la cintura erótica de la Odalisca rendida a los pies del Sultán enamorado. Lo que nadie sabe es que esa montaña tiene su diosa Gea particular. Basta mirar desde La Urbina, Terrazas del Ávila, desde la Universidad Santa María por la vía de Fila de Mariches, para cerciorarse de que no hay pezón más erecto, no hay seno más túrgido y bello, el que me enardece de envidia por su perfección que el que muestra sin pudor el Pico Oriental de la Silla de Caracas.

jueves, 27 de mayo de 2010

Dos festivales de guitarra sonarán en Caracas y Choroní

Duo Zema-Lencses

Javier García Moreno
Las guitarras sonarán la próxima semana en el marco de dos festivales guitarrísticos: el V Festival Internacional de Guitarra y Academia Solistas del Mundo y el V Festival Internacional de Guitarra Choroní 2010; con la presencia de invitados internacionales, como el mexicano Daniel Olmos, ganador del XV Concurso Alirio Díaz; los italianos Maurizio Di Fulvio y Salvatore Zema; el español Javier García Moreno; la húngara Eszter Lencses y los venezolanos Enrique Bravo, Luis Quintero y Ana María Hernández.
Adicionalmente, habrá clases magistrales en la Escuela de Música José Ángel Lamas de Santa Capilla.
El evento Solistas del Mundo tendrá como sede el auditorio de la Corporación Andina de Fomento (CAF), y comienza el martes 1 de junio, con el recital barroco español de Ana María Hernández, y luego, en la segunda parte, el laureado Luis Quintero.
Para el miércoles, en la mañana habrá una clase magistral a cargo de Javier García Moreno, de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. en Santa Capilla, y luego a las 7:00 p.m. el concierto del dúo conformado por Salvatore Zema y Eszter Lencses, y el mexicano Daniel Olmos.
De nuevo el jueves habrá clases magistrales, esta vez a cargo del dúo Zema-Lencses, en el mismo lugar y horario, mientras en la noche se llevará a cargo el concierto de Maurizio Di Fulvio y Javier García Moreno.
La participación en las clases magistrales la coordinan los maestros Leopoldo Igarza y José Luis Presa, en el citado centro académico, cuenta con entrada libre, y quienes deseen pueden asistir en calidad de oyentes.
Para el fin de semana se llevará el Festival de Choroní, con dos conciertos, el primero será el sábado 5 de junio a las 8:00 p.m. en el Hostal El Portete, con la participación de García Moreno, Di Fulvio y el dúo Zema-Lencses; y finaliza el domingo a las 11:00 a.m. en el Hostal Piapoco con Enrique Bravo, Luis Quintero y Daniel Olmos.
Ambos festivales cuentan con el apoyo de las embajadas de Italia, España y México y todos los conciertos y clases magistrales son gratuitos.

jueves, 20 de mayo de 2010

La fascinación por las guitarras del pasado

Esta es la nota de prensa que estoy enviando para los medios venezolanos, a fin de que me den una manito con lo del concierto en El Hatillo. Gracias!!!

Obras del Renacimiento y del Barroco Español conforman el repertorio del concierto que brindará Ana María Hernández el próximo sábado 29 de mayo, a las 6:00 p.m. en Teatrex (Piso 5 del Centro Comercial Paseo El Hatillo).
Hernández, quien también es periodista cultural del diario El Universal, ofrece un recital en el cual va conduciendo a los oyentes a través de la música de sus guitarras. En la primera parte del concierto, utilizando una guitarra renacentista o guitarrilla, de cuatro órdenes o cuerdas, tocará obras de los franceses Adrian Le Roy, Guillaume Morlaye y Gregoire Brayssing, el aria Amarilli mia bella del italiano Giulio Caccini y una obra del español Alonso de Mudarra; al tiempo que el público podrá apreciar los usos de este instrumento durante el siglo XVI.
Luego de un breve intermedio, Hernández cambiará de instrumento: una hermosa guitarra barroca, o guitarra española del siglo XVII, de cinco órdenes o cuerdas, hará sonar la música de los compositores españoles Gaspar Sanz y José Marín, y se entremezclarán tanto la música instrumental como las cantadas; y en estas últimas se podrá apreciar el estilo picaresco tan propio de esa época.
Sin duda será una velada musical que transportará al oyente a otras épocas.

Ficha:
Recital de guitarras renacentista y barroca
Intérprete: Ana María Hernández
Obras: Adrian Le Roy, Guillaume Morlaye, Gregoire Brayssing, Alonso de Mudarra, Giulio Caccini, Gaspar Sanz y José Marín.
Lugar: Teatrex. Centro Comercial Paseo El Hatillo, piso 5.
Fecha: sábado 29 de mayo de 2010.
Hora: 6:00 p.m.
Entrada: Bs. 70.

miércoles, 19 de mayo de 2010

Bolivia postula al charango como patrimonio de la humanidad

La Paz, 19 may (EFE).- El Gobierno boliviano formalizó ante la UNESCO la postulación del charango, un instrumento de cuerda andino, y la música que produce como "Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad", informó hoy el ministerio de Culturas boliviano.
La ministra del sector y cantante Zulma Yugar se reunió el martes en París con la subdirectora del Fondo de las Naciones Unidas para la Educación, Ciencia y Culturas (UNESCO), Françoise Rivière, para formalizar la candidatura, según un comunicado.
El charango es un instrumento parecido a una pequeña guitarra de cinco cuerdas dobles, cuya caja de resonancia se suele construir en Bolivia con el caparazón de un armadillo.
Según el Gobierno boliviano, el charango nació en el siglo XVI en Potosí, cuando esta ciudad era una de las más pobladas del mundo gracias a su riqueza de plata y que, tras la colonia española, pasó en 1825 a formar parte de la naciente república de Bolivia.
Junto a Yugar viajó a Francia el charanguista Ernesto Cavour que ha realizado estudios sobre el origen del instrumento y dirigirá un comité para atender los requerimientos de la UNESCO para analizar la petición de Bolivia.
El Congreso declaró en marzo de 2006 al charango como Patrimonio Cultural de origen boliviano, lo mismo que hizo Perú un año después al considerar el instrumento como propio de ese país.
Además de las dos naciones vecinas, Chile también reclamó en su momento la paternidad del charango.
El año pasado, Bolivia entró al Libro Guinness de los Récords gracias al concierto que celebró en octubre de su "Orquesta de los Mil Charangos", que fue considerada la más grande del mundo de su especialidad. EFE

viernes, 23 de abril de 2010

Los Romero en Venezuela

Por primera vez están los integrantes de la familia Romero en Venezuela, y ofrecerán un único concierto este domingo 25 de abril.
Si pinchan el título, podrán ver un trabajo que publicamos en El Universal a propósito de esta visita. Incluso, en la pestaña indicada con "video", hay un pequeño documental al respecto.
Al verlos ensayar con la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, me sentí muy emocionada, pues sé de su fama y de su valía. Además, como bien se nota en el audiovisual, son personas muy sencillas.

martes, 30 de marzo de 2010

Noticias de José Luis Lara

El guitarrista venezolano José Luis Lara ya está en Brasil, donde no solamente realizará conciertos sino que también tendrá oportunidad de impartir una clase magistral sobre la obra de Antonio Lauro.
Su recital será el 4 de abril, en el marco del Festival Vital Medeiros que se realiza en Susano (Sao Paulo), y luego hará la clase sobre Lauro.
Del 6 al 18 de abril, Lara irá a México para presentarse en dos festivales. Primero irá al Festival Internacional de Guitarra de Morelia, y luego, a partir del día 12, la Universidad de Ixtalhuapa lo recibirá en el marco de su festival para brindar un concierto de guitarra y cuatro.

jueves, 25 de marzo de 2010

Crónica Minimalista: Sabor de Esperanza

Caracas.- Esto se parece a la guarida de los 40 ladrones -sin Alí Babá y sin los tesoros, obviamente-. Apretadísimos, codo en ombligo, morral contra tórax, los comensales engullen arepas a juro, so pena de que antes de la deglución se pierda el ritmo del comensal de al lado. Amarillo, blanco, salchichas con huevos, ensalada de ¿gallina?, morcillas, mollejas, atún con cebolla, pollito, caraotas, dominó... cada día varía la oferta, entre cuatro o cinco opciones. De pie, nada sentados, los 40 ladrones se mueven en escasos 4 metros cuadrados, en un localcito entre Manduca y Puente Yánez. Sin embargo, ese apretujón le da a la mañana un especial sabor de esperanza.

martes, 9 de marzo de 2010

El músico cubano Leo Brouwer, premio Tomás Luis de Victoria



Madrid.- (AFP)El compositor cubano Leo Brouwer ganó el X premio Tomás Luis de Victoria, concedido por la Sociedad General de Autores de España (SGAE) y dotado con 60.000 euros, indicó este martes esa entidad en un comunicado.
Leo Brouwer, de 71 años, fue elegido entre un total de 53 compositores de 16 países iberoamericanos para este galardón, que es "el mayor reconocimiento para autores vivos en el ámbito hispanoamericano y lusófono, tanto por la categoría del jurado como por su dotación económica", según la SGAE.
El jurado destacó "su relevante carrera internacional como compositor, guitarrista, director de orquesta y profesor" y "su brillante dominio de múltiples técnicas y géneros que lo definen como músico integral".
Asimismo premió "su aportación al repertorio y técnica de la guitarra basada en la síntesis entre la danza autóctona y las corrientes estéticas más renovadoras del presente, que ha proyectado la música iberoamericana hasta una dimensión universal".
Brouwer ha sido director general de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba y de la Orquesta de Córdoba (España), donde también dirigió el Festival Internacional de la Guitarra.
Desde 1981 es director general de la Filarmónica Nacional cubana y durante su carrera ha dirigido a más de 80 orquestas en todo el mundo. Compuso la música de la película "Como agua para chocolate", dirigida por Alfonso Arau.
Fue nombrado músico UNESCO 2001 y posee un centenar de premios, como el Manuel de Falla (España, 1998) y el cubano Premio Nacional de la Música 1999.
Tomás Luis de Victoria fue un compositor renacentista español de los siglos XVI y XVII.
Anteriormente han ganado este premio el compositor argentino Gerardo Gandini, el cubano Harold Gramatges, el peruano Celso Garrido-Lecca, el venezolano Alfredo del Mónaco, el brasileño Marlos Nobre (2005) y los españoles Antón García Abril y Luis de Pablo, entre otros.
(Foto de Alejandro Van Shermbeek, realizada en 1997, en el marco del Festival Internacional de Agosto, una de las nostalgias que tenemos los amantes de la guitarra).

lunes, 8 de marzo de 2010

Bailan las gitanas

Miguel de Cervantes y Saavedra, además de autor de El Quijote, escribió el siguiente poema:

Bailan las gitanas,
míralas el Rey,
la reina, con celos;
mándalas prender.

Por Pascua de Reyes
hicieron al Rey
un baile gitano
Belica e Inés.

Turbada Belica,
cayó junto al Rey
y el Rey la levanta
de puro cortés.

Mas como es Belilla
de tan linda tez,
la reyna, celosa,
mándalas prender.

Y me imagino a Cervantes bailando, pero al son de La Seraphine, una bellísima canción renacentista, original o recopilada por Guillaume Morlaye y que suena espectacular en la guitarrilla. Por cierto, para esta pieza hay que variar la afinación de la guitarra renacentista: el cuarto orden hay que bajarlo un tono, y así quedará "al temple viejo" o "acorde avallée".

jueves, 28 de enero de 2010

La viola profonda o el sueño realizado de Gerardo Yáñez


Por Ana María Hernández G.

Hacer sus sueños realidad ha sido el empeño del compositor y director boliviano Gerardo Yáñez: nacido hace 56 años en La Paz, Yáñez culminó sus estudios musicales en su ciudad natal, y luego se especializó en composición en la Universidad de Berlín. Entre los sueños concretados está el haber ampliado el registro sonoro de instrumentos autóctonos como el charango, la zampoña y la kena. Sin embargo, el instrumento que ahora presenta y que hizo su debut mundial con concierto propio es la viola profonda, el tenor de los violines, el pasado 14 de enero en la sede de la Filarmónica de Berlín, con la actuación del venezolano Juan Manuel González en la ejecución de este cordófono.
-¿Desde cuándo se viene gestando la idea de un instrumento tenor dentro de las cuerdas frotadas? ¿hay antecedentes de esto en la historia de la música, dentro de las violas da gamba,da braccio, violone, barytone...?
-Es sabido que en la época del barroco tenían las cuatro principales violas de gambas, soprano, contralto, tenor y bajo. Pero estas son de afinación temperada y con trastes como la guitarra, y además de una tesitura bastante más reducida en comparación a los posteriores como el violón, la viola y el cello. Lógicamente han existido bastantes variaciones de violas: viola bastarda, viola de amore, viola pomposa que no se lograron establecer por muchos aspectos, y que van desde el sonoro hasta la forma de concepción musical de las diferentes épocas.
Podemos citar al arpeggione que es en realidad como la guitarra pero en forma de gamba, que quedó casi olvidada por su poca aplicación y el poco repertorio del mismo.
-¿Cómo imaginó el sonido de la viola profonda? a la vez ¿el sonido del instrumento es tal como usted lo había imaginado?
-El sonido no me lo imaginé sino que internamente lo escuché, y después de un análisis recién nace la argumentación teórica primeramente, y la confirmación después de hacer un analisis de "El arte de la fuga"de J.S Bach; y se concreta la falta de existencia del tenor en el actual cuarteto de cuerdas.
-¿Por qué le puso como nombre al instrumento viola profonda?
-En relidad quería ponerle viola profunda en castellano, pero como el italiano es una norma internacional de tradición para el lenguaje musical decidí darle el de “profonda”. Esto significa personalmente para mi “viola del corazón”, es decir, del sentir cálido y profundo del instrumento.
-¿Hay posibilidad de que las orquestas "adopten" la viola profonda en sus secciones de cuerdas y qué partes tocarían entonces? ¿ameritarán las obras orquestales de arreglos especiales o sencillamente se les ubicaría en las segundas filas de los violines o de las violas?
-Logicamente es sin duda posible su aplicación en la orquesta, con ventaja a la viola ya que la Viola profonda cubre toda la tesitura del tenor y la viola, que está solo una quinta debajo del violín. Debe y es su misión llenar la región del contralto. La viola sufrió bastante su posición ya que por su cuerpo y su tesitura tiene que tocar una región que no es la natural ni apropiada. La nueva orquesta del futuro, a mi criterio, tendría que ser conformada por violín, viola, viola profonda y cello. El segundo violín es innecesario pues su color es de soprano y le dió la historia la función de contralto… que no es tampoco su misión y no suena con la plenitud de una viola en región del contralto (segunda voz). El repertorio se podría trasponer, pero en realidad esta conformación tendría que ser ya para obras nuevas, es decir de hoy adelante.
-¿Ameritará alguna técnica de ejecución adicional o basta saber tocar violín o viola para acceder a la viola profonda?
-Lógicamente que necesita tener una carrera independiente, así como el violín tiene la suya y también la viola. La viola profonda tiene propia su tensión de cuerda, su arco, todo de acuerdo y tan independiente como los otros de su familia. Un método al respecto ya se está estructurando.
-¿Qué tipo de cuerdas y de arco usa? ¿igual a la viola o al violín?
-Tiene sus propias cuerdas preparadas y fabicas especialmente para su cuerpo y voz.
-¿Qué otras posibilidades estéticas musicales tiene este nuevo instrumento? por ejemplo para integrar conjuntos de cámara, ensambles de jazz, música contemporánea, neofolclore, etc....
-Todas las posibilidades igual que los otros.
-¿Cuántos intérpretes hay actualmente?
-Hay un par de músicos europeos que ya interpretaron a nivel prueba el instrumento, pero el único solista que está trabjando profundamente la viola profonda es el venezolano Juan Manuel González Hernández.
-¿Cuántos instrumentos hay elaborados?
-Hasta el momento dos.
-¿Quién construye estos instrumentos en el mundo?
-El único constructor es el que me fabricó las dos únicas existentes y radica en la Argentina. Yo no soy constructor, soy compositor y esta necesidad sonora me llevó años a investigar más de ocho años, y es de acuerdo a mis cálculos y medidas que se patentó y que se realizaron las dos primeras violas profondas.
Para su información, le comento que no es el primer instrumento que evolucionó y patentó. Son más de 30 años que llevo, y existen anteriores como por ejemplo la zampoña cromática, la kena cromática, el charango sonko de 13 cuerdas, el piano natural y varias nuevas formas de guitarras. Todos estos anteriores intrumentos me han servido de experiencia para poder aplicar años después los conocimientos para la realización de la viola profonda.
-¿Qué maderas se usan? ¿barnices? ¿hay posibilidad de hacer una especie de viola profonda Stradivari?
-Existen variadas maderas que se pueden utilizar y de principio todas las posibilidades que tiene el violín y en barnices lo mismo. Una viola profonda al estilo Stradivari no es posible, debido que para la adaptación del cuerpo y su relación de de medidas. La V.P tiene su propia estructura básica de medidas y principios acústicos aplicados a su tesitura.
-Hasta llegar al modelo conocido actualmente, ¿cuántos prototipos tuvo que hacer para llegar al tamaño adecuado que se ajustará a sus requerimientos sonoros? ¿cuánto invirtió?
-La verdad en un principio experimenté en cajas sonoras, con las cuales quería primeramente determinar la potencialidad de volumen y tensión de cuerdas.Luego lo hice con dos violas diferentes donde pude determinar la necesidad de tener una caja con más capacidad debido a la necesidad sonora de los bajos. Ya lo hice con otros instrumentos, pues tengo ya unos doce innovados, como las kenas cromáticas, zampoñas cromáticas, guitarrones, guitarra contrabajo, charangos nuevos y otros que algunos estan ya tambien patentados, inclusive un piano nuevo para su toque con afinación natural. Digo todo esto ya que allí y durante muchos años aprendí por la experiencia a calcular la potencialidad de un instrmlento y su aplicación sonora por medio de cuerdas, que me sirvió enormemente para la viola profonda. Es después de los cálculos, por medio del corte de Oro (medida áurea), su proporcionalidad y adaptación al cuerpo del instrumenstista, llegué a la conclusíon de las actuales medidas que en principio parten de la posibilidad física del intérprete y luego recién su adaptación matemática para sus medidas. Debía ser un instrumento tocable, realista que pueda vencer esa barrera que no pudo franquear la viola da gamba, el arpeggioni, la viola pomposa, la viola bastarda, la viola de amor, el cello piccolo o cello de espalda y otras que quedaron postergadas, debido a que su sonoridad y aplicación junto a los otros de la familia del cuarteto clásico no pudieron integrarse, por muchos factores. Pronto los interesados del campo tendrán en nuestra página web (http://www.violaprofonda.com/) una detallada información y tabla comparativa de las diferentes violas y así exactamente ver su diferencia y los pro que trae la viola profonda.Los costos , como compositor independiente, fueron enormes y los he financiado solo con la ayuda de mi familia y mis hijos que radican tambien en Berlín. Sin ninguna ayuda externa y es otro de los factores por los cuales demoró bastante. Solo la fase de adaptación de cuerdas y la fabricación exclusiva para el instrumento me costó mucho. Ya pueden imaginarse aquí en Alemania las fábricas de cuerdas: han tenido que parar a veces su producción para la fabricación de nuevas cuerdas, pues su tensión y los diferentes materiales a probar tomaron tiempo y costos para calibrar sus máquinas para este pedido, aparte de la medición física de las mismas. Ni qué decir lograr hacer construir el prototipo. Con mi familia estamos todavía comprometidos a esto derogues económicos.
-¿Piensa liberar los planos del instrumento para que otros luthieres construyan la viola profonda?
-Todo ahora es cuestión de un poco de tiempo para terminar de recibir algunas resoluciones globales y ver cuál va a ser y dónde la posibilidad de empezar su fabricación. Por el momento estamos en la fase de hacer conocer su color y su indefectible aplicación como tenor para la futura orquesta, es decir, esto está y va a causar una revolución en la misma, ya que primeramente se devolverá a la viola su verdadero lugar de contralto, y la viola profonda establecserse como tenor oficial. Logicamente para nuevas obras y para una nueva propuesta sonora. Una vez pasada esta fase daré las licencias del caso para su fabricación. Y para terminar, digo que negar este sonido sería ser sordo musicalmente. Es inconfundible e incontestable su presencia en su tesitura; y así ya me lo hicieron saber destacados músicos, intérpretes, profesores y entendidos musicólogos, ni que decir el público en general. Especialmente despues del concierto en la sede de la Filarmónica de Berlín.
-Hay quienes consideran que los géneros sinfónicos, para gran orquesta tienen su días contados, ¿está de acuerdo con eso?
-Realmente hay un declinar en la cultura Europea debido y honestamente a que en los últimos 200 años ha aportado enormemente a la industrialización, y lógicamente también en el arte musical. Y me atrevería a decir que están agotados como culturas y son ahora otras las que van a tomar las riendas del latir mundial de la música. En este caso, Latinoamérica se prepara para esta misión, y es la más adecuada por ser el cáliz materno donde se genera una nueva forma de conjugar la multiculturalidad emocional y la diversidad de mezclas que se dan y se dieron en América Latina, como resumen genético y espiritual de los arquetópos del mundo. Ya existen muchas orquestas que siguen siempre repitiendo lo mismo decenas de años, y han creado una ética de museo. A mi criterio, se puede ir al museo una, dos, hasta tres veces al año, pero no todo el año. Creo que los días de compartir la música sinfónica como hasta ahora está llegando a su fin para dar una nueva alternativa a la mayoría, que es el tercer mundo, pulmón cultural de la humanidad. América Latina busca otra más justa y equitativa forma de compartir la vida y un verdaro replanteamiento de la política en todo sus quehaceres.
Mi opinión es que Venezuela, con Gustavo Dudamel y el trabajo de 30 años con las escuelas de allí, han comprobado que se puede llegar al nivel de las orquestas europeas. ¿Y después? ¿Seguiremos repitiendo el modelo? Veo y sé que no es necesario. Debemos ahora nosotros buscar nuevos derroteros para el mundo musical, sin olvidar las bases culturales de cada pueblo y su multiculturalidad.
(En la fotografía superior, el ejecutante venezolano Juan Manuel González interpreta la viola profonda. En la fotografía inferior, el maestro Gerardo Yáñez)

lunes, 11 de enero de 2010

Savall denuncia con "El Reino Olvidado" el genocidio de los cátaros




Crónica de Javier Alonso (Agencia EFE)

Carcasona (Francia), 11 ene (EFE).- La brutal represión contra los cátaros hace ocho siglos en lo que ahora es el sur de Francia, inspira la denuncia de ese "genocidio espiritual" en la obra "El Reino Olvidado", que el músico Jordi Savall interpreta hoy de nuevo.
Savall calificó así la matanza de miles de personas, enviadas a la hoguera, en el territorio conocido como Occitania, un suceso histórico prácticamente olvidado para el gran público y que recupera en una obra que interpretó el pasado sábado en Carcasona y hoy en Blagnac, cerca de Toulouse (sur de Francia).
"Fue una exterminación brutal de una sociedad que pensaba el cristianismo de otra forma, fue un genocidio espiritual", explicó a EFE Savall (Igualada, 1941) después de un exitoso estreno en territorio francés (Carcasona) de "El Reino Olvidado. La tragedia cátara. La cruzada contra los albigenses".
La de Blagnac es la segunda interpretación en Francia de la obra, que cuenta con la intervención de Montserrat Figueras, el contratenor Pascal Bertin, el tenor Lluís Vilamajó, el barítono Furio Zanasi y los componentes del conjunto vocal La Capella Reial de Catalunya y los instrumentistas de Hesperion XXI.
"Lo que hemos hecho es explicar lo que fue este 'reino olvidado' hoy en día, una cultura muy avanzada para la época de un medioevo oscuro", aseguró Savall sobre esta obra, que tuvo su estreno mundial en Barcelona el 16 de diciembre y que llegará a París (Cité de la Musique) en 2011.
Savall y Figueras quisieron aprovechar que en 2009 se cumplían 800 años de la cruzada contra los cátaros -una corriente herética dentro del cristianismo que encontró la frontal oposición del papado y de reyes de la Corona francesa y catalano-aragonesa- para redescubrir episodios apenas contados.
"En esa epoca la Occitania era un punto de luz, porque tenía un concepto tolerante de la vida y de la cultura", comentó Savall, quien recordó cómo los nobles se hacían representar con una espada en una mano y una viola o un laúd en la otra para demostrar su compromiso con la música.
"Para nosotros también es una ocasión de recordar la capacidad de amnesia que tiene el ser humano, porque lo que pasó se ha repetido en toda la historia", afirmó Savall.
Aquel fue un suceso que se descubre constantemente, la utilización de la excusa de la "cruzada" para someter a poblaciones enteras, como ocurrió con la España de Franco y su "cruzada" contra el comunismo, la de los nazis en Checoslovaquia con la invasión de los Sudetes, o "después con Vietnam y con Irak, a propósito de las armas de destrucción masiva", contó Savall.
Desde el punto de vista de la reconstrucción histórico-musical, "El Reino Olvidado" plantea un reto, y de importancia, porque "las músicas que existen de esta época y que se conservan no son más que 10 por ciento del total de las 2.500 canciones de trovadores".
Se trata de unas 250 melodías y por ello, para construir una historia como la de Savall y Figueras, se ha debido acudir a otras para poner música a textos que están incluidos en la narración de los trágicos sucesos de la Cruzada contra los Albigenses (1209).
Savall explicó que cada interpretación de la obra -editada en forma de disco-libro con tres discos y una duración de cuatro horas- será diferente en cada caso, porque la improvisación resulta clave, lo que ocurrió también durante la grabación.
Y ello tiene que ver con la época en la que se compusieron aquellas canciones, "en la que el cantante y el músico tienen mucha libertad porque la melodía está escrita en un sistema como el del canto gregoriano, donde el ritmo no está fijado de una manera absoluta".
"La palabra es la que da el sentido del ritmo", agregó Savall, quien destacó que "esto es lo que daba a esta música este aspecto moderno (...) Es una música antigua pero que, al mismo tiempo, se ha creado en el momento, lo que le da una frescura y modernidad".
Y con estos dos conciertos en Francia, Savall reconoció que vive un momento emotivo: "Lo es poder hacerlo en el corazón de lo que fue la Occitania (...) y en una región que ha sido cultural y socialmente olvidada también, porque aquí nadie se ha preocupado de decir nada" sobre aquellos trágicos sucesos.
"El Reino Olvidado" reivindica tanto a los cátaros como la lengua occitana -empleada en la obra-, emparentada con el catalán y hablada por unos dos millones de persona, en una situación "muy mala", dijo el músico en relación con su falta de reconocimiento como "lengua esencial". EFE

domingo, 3 de enero de 2010

Con Alirio Díaz, el más emblemático

El reciente Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz, en su XV edición dio como ganador al italiano Ricardo Calogiuri (en la foto con el maestro), quien compartió el primer lugar con el mexicano Daniel Olmos. En el tercer premio, el venezolano José Luis Lara fue quien se alzó con la presea.
Como la encuesta sobre quién es el guitarrista más emblemático de Venezuela se cerró, y dio como resultado al maestro Díaz, con 55% de aceptación, vale la pena rendirle un pequeño homenaje al primer músico en la historia del país que le dio un tinte universal al país: con su guitarra y el repertorio venezolano por delante, dio a conocer la riqueza musical venezolana por los más exigentes escenarios del mundo. Algo que hoy en día causaría extrañeza, ya que los jóvenes del Sistema de Orquestas liderado por el maestro José Antonio Abreu han colocado al país en el tope de la fama en cuanto a música se refiere. Pero pensemos que en los años 60, 70, 80 y buena parte de los 90, fueron el compositor Antonio Lauro y el maestro Díaz. Así que tiene merecido el lugar que los asiduos a este blog le han adjudicado a Alirio Díaz como el más emblemático de los guitarristas venezolanos.