jueves, 31 de diciembre de 2015

Un 2016 renacentista


Este año 2015 fue para mi muy agitado. No solamente porque la situación de Venezuela es muy complicada, y más para un músico, y más -peor- para quien se dedica a la música antigua.
Sin embargo, también fue un año de muchos aprendizajes. Realicé un curso de Redes Sociales, avancé en la escritura de mis proyectos literarios, y lo mejor y lo más importante, realicé y completé la grabación de un disco de música renacentista, gracias a la propuesta de Justo Morao y su esposa Isabel Camacho.
Para 2016 me propongo ampliar mis proyectos musicales, literarios y periodísticos.
Mientras, con mi guitarra, les deseo todo lo mejor para el año venidero, mucha salud y todo mi agradecimiento por venir a mi blog a leer. Gracias y feliz año nuevo!!!

martes, 13 de octubre de 2015

Proyectos Renacentistas


Sirva la fotografía que me tomó amablemente mi querido amigo Oswer Díaz, prácticamente mi fotógrafo oficial, para comentar sobre mis proyectos renacentistas.
Recientemente culminé la grabación de un disco con obras del siglo XVI, gracias a la iniciativa y excelente producción de Justo Morao, su esposa Isabel Camacho y el ingeniero de sonido Alexander Vanlawren. Actualmente, el disco está en proceso de postproducción, mezcla, etc., y próximamente iniciaremos todo lo que será el proceso de edición y publicación de este disco.
Mientras, los invito cordialmente para el próximo viernes 6 de noviembre de 2015, a las 12:30 p.m. en el Auditorio de la Facultad de Humanidades y Educación de la Universidad Central de Venezuela, en donde tendré el honor de brindarles ese bello repertorio... incluso, algunas cosas apócrifas que espero sean del agrado de todos.

miércoles, 6 de mayo de 2015

Restos de Mangoré regresarán a Paraguay

La agencia EFE editó la siguiente información, de interés para todos los que admiramos la obra de Mangoré:



Asunción.- El Congreso de Paraguay acordó hoy que pedirá formalmente a las autoridades salvadoreñas la repatriación de los restos del gigante paraguayo de la guitarra Agustín Barrios "Mangoré", que se encuentran enterrados en El Salvador, país donde el músico y compositor falleció en 1944.

La petición se formalizó durante un acto con motivo del 130 aniversario del nacimiento del músico, al que asistió el presidente del Congreso, Blas Llano, y familiares de "Mangoré".

Los familiares, representados por Carmen Francisca Barrios, nieta de "Mangoré", y Marcelo Enrique Barrios, sobrino de esta y bisnieto del guitarrista, suscribieron un pedido formal que acompaña a la petición del Congreso paraguayo a las autoridades de El Salvador para la repatriación de los restos.

"Queremos que él descanse acá en su tierra porque es lo que le corresponde, para que ya esté tranquilo y pueda descansar en paz", declaró a Efe Carmen Francisca Barrios.

La nieta del músico señaló, además, que "Mangoré" debería ser enterrado en la sureña localidad de San Juan Bautista de Misiones, donde nació en 1885.

"Él estaría más contento allá donde nació", dijo.

Marcelo Enrique Barrios también compartió esta postura y agregó que "el objetivo principal es que los restos de "Mangoré" descansen en un panteón adecuado en el cementerio de San Juan Bautista".

"Esa fue su cuna, donde él vivió toda su infancia, y quizá fue el motor para que fuera lo que llegó a ser", dijo.

Barrios admitió que las gestiones para la repatriación de los restos del músico con el Gobierno de El Salvador están "un poco frenadas", debido a que Paraguay "habría recibido negativas" de las autoridades salvadoreñas o "no se habría conseguido un acuerdo".

Confió en que la colaboración de la familia del músico sea "un paso importante" para el retorno de los restos del guitarrista a su tierra natal.

Agustín Pío Barrios, más conocido por su sobrenombre guaraní de Nitsuga Mangoré, está considerado el más grande guitarrista de Paraguay.

"Mangoré" llevó su música por países como Venezuela, México, Argentina, Uruguay o Cuba, hasta que falleció en El Salvador en 1944.


Desde entonces está enterrado en la ciudad de San Salvador, donde su tumba fue declarada monumento nacional en 1950. EFE 

martes, 7 de abril de 2015

Recuerdos de La Alhambra

Nostalgia del murmullo
un lamento rompe la armonía del agua
que corre intrépida por las acequias
en los muros de azulejos
convergen geométricos los versículos y los poemas,
y el nombre santo se multiplica
en las muescas labradas de las yeserías

el sultán solitario desgrana recuerdos en su fortaleza nazarí
tensas las cuerdas piensan
sonidos de otros tiempos
otros lamentos se cuentan
y el pulgar desciende por los bordones
marcando un ritmo cardíaco
de pesadumbre

al otro lado del río
la doncella se lamenta con un canto
de trémolos en modo menor
su cabellera ensortijada
canta y murmura por su espalda
sus caderas de madera
dulce piel de la armonía

el eco de armónicos
se pierde en el horizonte andalusí
de suaves lomas
olores de olivo y canela
aceites, fragancias
murmura el agua infinita

canta serena bajo la sombra rojiza del atardecer

(Del libro inédito "Discografía selecta" de Ana María Hernández G.)

lunes, 6 de abril de 2015

Bartolomé Díaz: "Mis proyectos nacen enmantillados"


Por: Ana María Hernández G.

Bartolomé Díaz es un músico incansable. Conocido más como guitarrista, especialista en la interpretación histórica, también es director musical, productor y actualmente director de Cultura de la Universidad Metropolitana (Unimet). Actualmente, su trabajo está centrado en el repertorio del siglo XIX_venezolano y en trabajos dirigidos al público infantil.

–¿Qué proyectos tiene actualmente?
–Estoy trabajando muy intensamente en la pre-producción del nuevo portal de El Taller de los Juglares, el cual estará dedicado a la colección de cánones para uso escolar y lúdico de Andrés Barrios. Un trabajo de gran envergadura artística y pedagógica que lleva por nombre ¡Uno para todos! Comenzaremos a grabar en el mes de mayo y para septiembre esperamos que el proyecto traiga un aire totalmente nuevo a la enseñanza de la música y el canto al niño venezolano en edad escolar.

–También estoy concluyendo el segundo volumen de la gran antología de aguinaldos que produjo Décimo Nónico (la agrupación que conforma junto a Andrés Barrios y Luis Felipe Santos) el diciembre pasado. Ya están en red 20 aguinaldos y la colección llegará a tener 41 al sumar los que se añadirán este año. El portal ha tenido una demanda tremenda en Venezuela y en muchos países extranjeros. Nuestra meta es hacer disponible la referencia más importante y fidedigna sobre el aguinaldo tradicional venezolano que exista.

–Estoy disfrutando muchísimo el dirigir a Musicum, el ensamble de estudiantes de excelencia de la Universidad Metropolitana. Los chicos tocarán importantes recitales el 17, 18 y 19 de abril, con un programa avasallante de canciones patrióticas de tiempos de la independencia que llamamos La Marsellesa Venezolana. Mi sensación es que Musicum va a redefinir lo que un grupo musical universitario es capaz de llevar a cabo, artísticamente hablando.

–¿Cómo sigue el repertorio del siglo XIX, qué novedades hay?
La Graciosa Sandunga, proyecto que hicimos para la Fundación Bigott en 2012-2013 fue maravilloso y revelador. El álbum nos enorgullece muchísimo y ha tenido una calidísima acogida. Los espectáculos en vivo que se llevaron a cabo en torno a esa producción discográfica también han sido muy motivadores para el conjunto. 2014 y 2015 (como epílogo a un buen número de años de investigación y estudio) han estado dedicados a nuestra gran antología de aguinaldos, Divino y Humano, parte de la cual ya está disponible en portaldeaguinaldos.com

–¿Cuántos discos lleva el proyecto del siglo XIX?
–Tomando en cuenta nuestro actual portal (el cual es un disco de acceso libre en red) son tres, Pasión, porte y picardía, Canciones y danzas de Europa y América, La Graciosa Sandunga, obras del manuscrito de Pablo Hilario Giménez y Divino y Humano, fervor y fiesta en el aguinaldo tradicional venezolano.

–¿Cómo ha sido la reacción del público ante el repertorio de Décimo Nónico?
–Nos ha ido estupendamente, gracias a Dios, en buena parte porque el grupo acomete sus interpretaciones con gran honestidad artística, cosa que la gente capta (en vivo, en disco, en espectáculo teatral/musical) de inmediato. Tenemos la suerte de que la gente escuche nuestras interpretaciones históricas con gran apertura y calidez, por lo visto no les suenan a música vieja o acartonada. Tener a Andrés Barrios como frontman hace que lo de generar buena conexión con el público sea tan elemental como afinar los instrumentos y comenzar a tocar. Él es, sencillamente, un as bajo la manga, un músico genial, y lo digo con absoluta responsabilidad. Por su lado, Luis Felipe Santos se ha convertido en un luthier estupendo, la guitarra Terz fabricada por él que toco actualmente compite favorablemente con cualquier guitarra romántica histórica, independientemente del país donde haya sido construída.

–¿Qué opina de la integración de instrumentos antiguos con los modernos en una misma propuesta artística?
–Yo, que he tocado guitarra barroca en álbumes pop tan disímiles como Sin otro sentido de Lasso e Inmensa minoría de Guillermo Carrasco no debería quejarme. Sin embargo prefiero “a cada oveja con su pareja”. Si una banda (tenga el renombre que tenga su director o sus ejecutantes) fabrican esa sonoridad para hacerse más “comerciales”... para mi se acaba la magia. En un caso en que impere la absoluta pureza artística, ciertamente, el fin justificaría los medios.

–¿Qué balance tiene como músico, desde la Camerata de Caracas, de Syntagma, El Taller de los Juglares, E-ón, y ahora Décimo Nónico?
–El Taller de los Juglares y Décimo Nónico son mi vida, y creo que me reflejan artísticamente con bastante exactitud. De las cosas del pasado, extraño mucho a Julio Timaure y las portentosas grabaciones que dejó con E-ón (un artista irrepetible). Su fallecimiento es algo que nunca he logrado superar del todo. La experiencia de militar durante años en la escena de la interpretación histórica en Venezuela la puedo volcar, hoy, en mis muchachos de Musicum. Me encanta ver cómo ellos ponen la misma cara de asombro que puse yo (a los 21 años) cuando escuché  música colonial venezolana por primera vez.

–¿Ha retomado alguno de esos proyectos anteriores?
–El Taller de los Juglares nunca ha parado de existir y nuestro álbum Cantando entre líneas Chamario (musicalización del Chamario de Eugenio Montejo) es, de eso no tengo la menor duda, nuestro mejor álbum y uno de los mejores álbumes de música infantil de todos los tiempos, ojalá la sinceridad no suene a falta de modestia.

–¿Y proyectos personales suyos, en solitario?
–Con Andrés Barrios y Araís Vigil (una bailarina extraordinaria de danza contemporánea) hemos hecho una musicalización/coreografía de poesía del maravilloso poeta español contemporáneo Francisco José Cruz, una obra de gran envergadura que se llama Con nuestras voces muy juntas. Una vez hayamos terminado de encaminar el proyecto de los cánones vamos a estar concentrados en presentar ese nuevo trabajo. Para mi es una obra maestra de música de cámara, con un lenguaje muy particular y una fuerza expresiva casi indómita. No se si se entienda lo que voy a decir, pero es una obra que celebra la vida con la muerte. Una de las experiencias musicales más notables que he tenido a lo largo de mi trayectoria profesional.

–¿Qué huella está dejando en la Unimet?
–La diferencia es que he tenido la suerte de ver nacer el programa de becas de excelencia en la Unimet y eso ha hecho de nuestra casa de estudios algo totalmente diferente a lo que era. Para mi ha implicado un reto artístico enorme, el cual cambia de manera exponencial año a año. Me considero muy afortunado de ejercer como artista y gestor cultural en la Universidad Metropolitana, considero que Unimet está pasando por un momento que, a pesar de las complejidades sociales y políticas que agobian al país, es particularmente luminoso.

–¿Cómo ve el panorama actual del país, sobre todo para la música no comercial, no mediática?
–Muy complicado, ciertamente. Creo que es un momento para uno aferrarse a su vocación, más que a su profesión. Sin embargo, estos tiempos duros me han hecho, al menos a mi, valorar más la inspiración que da esta tierra, este clima, esta historia cultural tan particular de Venezuela.

–¿Qué dificultades tienen los músicos actualmente, sobre todo si la producción depende de usted?
–La mayor es el patrocinio, indudablemente. Tocar la puerta correcta no suele ser nada fácil. Sin embargo, de todos nuestros proyectos, ¡Uno para todos!, que es el más reciente, fue el que obtuvo patrocinio de manera más expedita, mis proyectos, en general, han tenido muy buena fortuna, han nacido enmantillados.

–¿Quién lo apoya actualmente?

–Mi vida y la de mis colegas serían totalmente diferente sin la fe y el apoyo de León Armitano, hijo del gran Ernesto Armitano, el editor. Fundación Bigott ha sido un patrocinador extraordinario (y de verdadero criterio, cosa que los artistas agradecemos muchísimo), Hacienda La Trinidad es una casa fuera de casa, Fran Cruz y Chari Acal desde Carmona (Sevilla) son una fuente inagotable de inspiración y optimismo, Aymara y Emilio Montejo son mi puente a la obra y el sentir de Eugenio Montejo, el artista más perfecto que he conocido. La oficina Promet, de la Universidad Metropolitana, ha sido fundamental en la consolidación de ¡Uno para todos!, el Coro del Colegio Luz de Caracas ha sido uno de los hallazgos más extraordinarios que he hecho en los últimos tiempos y será maravilloso atesorar sus voces en los cánones de Andrés Barrios.

martes, 10 de marzo de 2015

El "Alma Llanera" sonará en el Festival Casals 2015


San Juan.- El guitarrista español Pablo Villegas actuará mañana en el Festival Casals 2015 de Puerto Rico para interpretar obras de músicos latinoamericanos como el brasileño Heitor Villa-Lobos y el venezolano Pedro Elías Gutiérrez.

Según los organizadores del festival, Villegas ha actuado a lo largo de su carrera en más de 30 países y con reconocidas orquestas y es un referente de la guitarra sinfónica acústica desde su debut con la Filarmónica de Nueva York, bajo la batuta del español Rafael Frühbeck de Burgos, publica un despacho de la agencia española EFE.

El guitarrista, quien además interpretará obras de los españoles Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo y el paraguayo Agustín Barrios, ha ofrecido numerosos estrenos mundiales, entre ellos, la primera obra escrita para guitarra por el compositor de bandas sonoras y ganador de cinco premios Oscar, John Williams.

El festival continuará el viernes con la participación del clarinetista puertorriqueño Ricardo Morales y la pianista china Natalie Zhu, quienes interpretarán obras de BrahmsDebussyWidor y Weber.

El cierre del festival, que tendrá lugar el sábado, correrá a cargo del chelista chino Yo-Yo Ma, que se presentará junto a la Orquesta Sinfónica puertorriqueña, bajo la dirección de Maximiano Valdés.

Yo-Yo Ma, quien ha grabado 90 discos y ha ganado 17 premios Grammy, interpretará el Concierto para violonchelo, Op. 85 de Edward Elgar.

El Festival Casals está apoyado por instituciones locales, como CulturArte, Pro Arte musical y la Corporación de las Artes, y fue impulsado por Pau Casals, nacido en El Vendrell (España) en 1876.

Llegó a San Juan en 1955, año que marcó el inicio de la transformación del ámbito musical de Puerto Rico. El músico español tuvo un papel fundamental en la creación de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico en 1958 y el Conservatorio de Música en 1959.

miércoles, 25 de febrero de 2015

El danzón es de Arturo Márquez

(Foto Gustavo Bandres)

Por Ana María Hernández Guerra

El compositor mexicano Arturo Márquez estuvo a principios de febrero en el país, dictando un taller de composición para los jóvenes alumnos de la cátedra de Blas Emilio Atehortúa, como parte de las actividades con las que el Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela celebra sus 40 años de fundación.

La actividad en la sala anfiteátrica del cuarto piso del Centro Nacional de Acción Social para la Música es febril. Los músicos están atentos a las observaciones de Márquez. Se analizan las obras de los participantes, y todos hacen comentarios, críticas, puntualizaciones. Así las obras nacen y se enriquecen. Así, en algún momento esas piezas formarán parte del repertorio sinfónico.

Al culminar la actividad, Márquez accede a conversar, mientras dos guitarristas le hacen comentarios, y en algún momento, también se acerca el maestro Pedro Andrés Pérez, para intercambiar impresiones sobre las orquestas de guitarra y la posibilidad de incluir los danzones de Márquez a esa formación instrumental.

Finalmente la sala queda sola, y Márquez se dispone a responder, a pesar de que también la fatiga se siente.

-Ud. ha venido varias veces a Venezuela, ¿cómo observa el desarrollo de los compositores aquí?
-Debo decir con mucho agrado que el gran maestro, Blas Emilio Atehortúa –quien conduce la Cátedra Latinoamericana de Composición en el Sistema-, está formando de una manera maravillosa a los jóvenes, tiene todo un equipo en su cátedra; son bastantes participantes; y yo siento que es como algo que le estaba faltando al Sistema, el estudio de la composición, dedicarle un espacio especial para la creatividad. Los compositores en Latinoamérica tienen actualmente un papel muy importante, hacer nuestra música y expresarnos a través de nuestros sonidos, y Venezuela tiene una capacidad enorme para la interpretación; por medio del Sistema, de otras orquestas, otros solistas. Justamente en estos días estoy aprendiendo, se me está abriendo la ventana, los oídos, lo que están haciendo los jóvenes actualmente, y lo estoy haciendo con mucho cariño. Venezuela es un país muy cercano a mi y a mi música.

-¿Los danzones son a Arturo Márquez lo que las Bachianas Brasileiras a Villa-Lobos?
-Ojalá. Es una forma que decidí explorar justamente por la riqueza que tiene en la parte melódica y rítmica, sobre todo de actitud, qué tanto puedo hacer de una manera personal. Cada danzón siento que tiene su propia voz, está diciendo cosas distintas, y eso bueno. Es lo que decidí hacer en más de diez años, de 1992 hasta 2004 prácticamente. Cada uno de ellos está hablando de un momento especial en las vivencias, en mi vida, qué es lo que estaba pasando en México y conmigo en ese momento.

-¿A qué obedece que el danzón tenga ese sentido trágico?
-Normalmente, en la tradición, el danzón es una danza, un baile. Pero cuando lo transportamos a la música de concierto, se puede transformar en tantas cosas, y efectivamente en tragedia, en amor o en esperanza. Y no digo que no lo tenga la forma popular, pero siento que en la música de concierto como que podemos explorar más ese tipo de valores, de sentimientos.
El “Danzón No.1” tiene que ver con un encuentro. Ni sabía yo que era un danzón, no creo que sea un danzón en sentido tradicional, pero sí de actitud. Un homenaje a la tradición popular. El “No. 2” con un sentimiento muy fuerte hacia dos cosas: hacia el salón, la tradición en el salón de baile, y a la lucha que había en ese momento, en enero del 94, por el alzamiento zapatista. Esa esperanza, esa lucha. El “Danzón No. 3” es lo contrario, es la desesperanza, no ver los caminos claros. Un poco la tragedia, el coraje.
El “Danzón No. 4”, la exploración formal. Está hecho sobre un cuento que hizo mi hija. Cada individuo encuentra su camino por medio de una melodía. El “No. 5” son los portales de Veracruz, mi tierra, es una especie de juego contrapuntístico. El “No. 6” es muy triste, tiene que ver con la tristeza, es para saxo soprano y cuerdas. El “No. 7” vuelve a la cuestión nostálgica, explora la forma del danzón tradicional, busca otros caminos. El octavo, el último, tiene que ver con un homenaje que le hago al “Bolero” de Ravel, se llama “Homenaje a Maurice”, y está dedicado al maestro Abreu. Ese lo acabamos de hacer hace poco.

-¿Hay algún artista mexicano al que le dedicaría un danzón?
-Bueno, el 2 está dedicado a mi hija. El 1 a dos personas muy queridas: Andrés Fonseca, un colombiano, gran conocedor y bailador de danzón y su mujer, Irene Martínez, ellos me introdujeron al danzón. El 3 a los intérpretes que lo estrenaron. El 4 a mi hermana…
En fin, hay una cosa con los danzones: cuando se están bailando, se acostrumbraba mucho decir “Danzón dedicado a”, y de alguna manera he seguido esa manera.

-Sobre los hechos de los estudiantes desaparecidos en México, ¿tiene Ud. alguna visión musical?
-De mi parte y de muchos. Sí, hay una obra que estrené, bastante reciente, en diciembre, que es para barítono y grupo instrumental. Los poemas de Efraín Huerta, poeta mexicano, “¡Mi país, oh mi país!”, donde trata todas estas injusticias, hasta crímenes de Estados. En el 57 vivían los ferrocarrileros campesinos, y hago ese poema justamente como en son de protesta por estos acontecimientos. Parece que ese poema se ubica en cualquier época donde se comenten estos crímenes, estas injusticias. Es la barbarie en pleno y es muy triste que lo tenga que decir, como mexicano, muy lastimado por estos 43 estudiantes desaparecidos, y los miles que han desaparecido en los últimos años, y no nos dan solución.

-¿Se considera un compositor comprometido con alguna causa social?
-Creo que con todas las causas que tengan que ver contra la injusticia. Por supuesto que sí, son cerca de 30 años haciéndolo. La primera obra que recuerdo, siguiendo este camino, es una obra para dos pianos y sintetizador, “Mutismo”, una manera de poner la mano sobre la boca. Son muchas obras, el “Danzón No. 2”, el 3, una cantata que se llama “Sueños”, y cada movimiento tiene que ver con personaje como Martin Luther King, los aforismos de Ghandi o el documento del indio Seattle, o la “Leyenda de Emiliano Zapata”, “Las marchas de duelo y de ira”; en el 68 mataron a miles de estudiantes, y hay muchas obras que tienen que ver con el dolor y la injusticia social.
  
-El gran público está distante del llamado mundo académico, hay un abismo, precisamente por el consumo de la música más comercial o más difundida, más mediática. ¿Cómo hacer llegar su mensaje, de qué recursos se vale?
-Ojalá que la música pudiera realmente transformar. La música, el arte en sí siempre ha estado acompañando a toda causa justa. Frecuentemente no es tan fácil llegar al gran público para que se entienda le mensaje, pero siempre vamos a estar allí. Cada vez que escucho el Danzón No. 2 recuerdo la época en la que estaban luchando los zapatistas, en enero del 94, y ese grado por ejemplo de aceptación que tiene el público con esa obra es justamente porque yo lo estuve viviendo y lo estoy expresando. Lo que está diciendo el Danzón No. 2 es que tenemos esperanza. No solamente es el ritmo, la sensualidad, que también están. Es en sí la obra como un conjunto. Es una obra que da esperanza, y lo puedo decir como autor, porque es lo que estaba buscando y siento que se logró eso que quería.

-¿Qué tal el coctel arte/política?
-Ahorita tenemos un grave conflicto con los políticos. Creo que estamos en una constante búsqueda de líderes que sean realmente los que nos sepan llevar, representar que no solamente sean los que actualmente conocemos. Cuando decimos “ese es un político”, le ponemos una muralla; cuando la política debería ser uno de los grandes valores que tenemos como sociedad. Entonces estamos en esa búsqueda. Me duele decir que en general no lo hemos encontrado. Imagínese que los líderes fueran como José Antonio Abreu lo que lograríamos. No digo que todos los líderes sean políticos, pero cuando los políticos piensen que son parte de esta sociedad y bienestar, las cosas van a empezar a cambiar.

-Su catálogo musical es extenso, sin embargo solo el Danzón No. 2 es lo más popular. ¿Qué opina de ello? ¿Cuál otra composición suya le gustaría que fuese tan popular?
-En principio, realmente no sé por qué, ni siquiera busqué que el No. 2 fuera popular, o tuviese esa popularidad. Hay muchas cosas que cada obra está diciendo, hay muchas con gran mensaje como el de la Leyenda de Emiliano o Los Sueños. Hay una obra que se está tocando, “Alas (a Malala)”, esta niña maravillosa Nobel de la Paz, mucho antes de eso le hice esta obra, que es para niños, para jóvenes. Es para coro y orquesta y tiene que ver con el derecho a la educación; y está siendo una especie de himno en Fomento Musical de las Orquestas, que es allá en México como el Sistema. Esa es una obra que la están abrazando niños y jóvenes.

-¿Hay posibilidad de que se escuche acá en Venezuela?
-Está propuesta para julio de este año, y “Alas”, también “Tengo un sueño, de Martin Luther”, los “Aforismos de Ghandi”, el “Lamento del indio Sealtle”, lo de Zapata me encantaría, las “Marchas de oro y de ira”, todo un concierto que tiene que ver justamente con esta lucha por tener una justicia verdadera. Todas son obras sinfónico corales, menos la “Leyenda de Emiliano” y “Marchas de oro y de ira”, que son con orquesta nada más.

-¿Han sido coreografiados sus danzones?
-Han sido coreografiados de tantas maneras de muchas maneras, por el Ballet de Rusia, los solista del Bolshoi, cantidad de ballets contemporáneos con danzoneros tradicionales, han sido muy bailados.
(Vea aquí a Arturo Márquez dirigiendo la Filarmónica de Jalisco en el Congreso del Danzón, celebrado en Guadalajara, 2011 https://www.youtube.com/watch?v=wuy1iS1qhA8)


- A veces la popularidad de una obra sinfónica se debe a que los mismos músicos ya la saben y les cuesta montar obras nuevas, con estética más compleja. ¿Cómo trabajar para incrementar el repertorio de las orquestas?
-Ese es un trabajo de los intérpretes, de los directores directamente. Los directores tienen que volverse muy cómplices de los compositores, y es así como la composición va a crecer. Ahora que hay tantos valores dentro de la interpretación musical. Aquí en Venezuela, que es un lugar donde pudieran crecer en ese rubro. Es cierto, luego de hacer una obra nueva que no tenga el lenguaje al cual están acostumbrados es difícil, pero el compositor en sí pues no puede traicionarse a sí mismo. Estoy totalmente convencido de que los compositores latinoamericanos deben tener un sello, una huella digital que tiene que ver totalmente con nuestra tierra. Pero esa es mi posición, y la posición de cada compositor, de cada artista es particular y es lo que ha hecho que el arte avance. Lo que sí es que estoy seguro de que el arte en la música ha cambiado muchísimo en los últimos 30 años. Antes hablar de que una obra de concierto tuviera algún vestigio folclórico, tradicional era mal visto, ahora es distinto.

-Sin caer en el nacionalismo.
-Eso ya pasó, yo siento que es más una cuestión natural, que no un naturalismo. Es natural, cómo nos sentimos nosotros. Esta tierra me es natural, Piazzolla no es nacionalista, es argentino y podemos escuchar el tango argentino totalmente y no se habla de nacionalismo allí.

-¿Se siente usted libre como creador? ¿Compone lo que quiere o está sujeto a encargos, a directrices? ¿Qué opina de la imposición de ideas, directrices, puntos de vista?
-Tengo muchos encargos, pero afortunadamente yo pongo las reglas de lo que quiero hacer, en ese sentido soy totalmente libre. Si se me encarga una obra sobre un aspecto en especial lo tengo que hacer a mi manera.

-Como el caso del Danzón No. 3, que se le pidieron con guitarra y flauta.
-Sí, si son los guitarristas o flautistas que me lo están encargando… pero lo estético, ideologista de lo que sea, eso es mío.

-En ese caso ¿se sintió como Mozart cuando le encargaron el concierto para flauta y arpa?
-Un tanto, sí. En realidad, con la primera versión para flauta y guitarra nunca he estado conforme, la he modificado un poco y ha quedado mejor. Le hice una versión para que le quiten la flauta, para un ensamble, para hacer una transcripción y no había flauta, y quedó bastante bien.

-¿Cómo atraer al gran público a las salas, vista la competencia de YouTube, las descargas de música por Internet, la difusión de la discografía?
-En primer lugar ponerlas en repertorio es el primer gran paso. Las nuevas obras tienen que estar en el repertorio de las programaciones de las orquestas, de los solistas, de los grupos de cámara. Yo creo que uno de los grandes sueños que hemos tenido los compositores es que en cada concierto se incluya una obra de un compositor del país, o del continente, o una obra nueva, que no todo sea puro Schubert, o puro Beethoven,  Debussy sino que camine en ese sentido, se han logrado muchas cosas, pero todavía falta muchísimo.

-¿El compositor en los siglos XX- XXI se encuentra disminuido ante la mediatización de la música? El repertorio centroeuropeo todavía domina, ¿qué hacer frente a eso?
-Convencer a los intérpretes, y eso lo va a hacer la música, los compositores. Tenemos verdaderamente que estar muy preparados. Tenemos el derecho más bien de expresarnos como queremos, pero tenemos que ser francos. Tenemos que prepararnos, porque si la gran música está en el repertorio es por algo. Es una gran música, no solamente está expresando de manera elocuente sino que está muy bien hecha. Como principio el compositor debe tener una formación, una preparación muy buena.

-¿El Arturo Márquez del futuro hará tex-mex sinfónico, reguetón sinfónico, narcocorridos sinfónicos?
-Pues eso es difícil de contestar, porque yo creo que de alguna manera ha habido tantos compositores que han dedicado a ciertas danzas o géneros, como por ejemplo las rapsodias húngaras, es una especie de danza. Los huapangos, tantos que andan por ahí, valses. Finalmente el valse es una forma muy popular, lo que sí creo es que sí: hoy hay o habrá compositores jóvenes que retomen géneros populares que hay hoy en día, y ya lo están haciendo.

-Y es que en la actualidad no hay diferencia entre lo popular y lo académico, hay como más libertad.
-Eso ayuda, y eso pasa sobre todo aquí en Venezuela, en Latinoamérica bastante, lo que pasa es que nuestra música folclórica es muy rica. Tocar un joropo, un merengue, un son huasteco, cuando los toma un músico que tiene la técnica y el amor por esta música, las cosas vuelan, se transforman, se funden y están pasando tantas novedades con la fusión entre la música folclórica tradicional, popular con los músicos formados. Nos hacía falta.

(Vea aquí el cortometraje realizado sobre el Danzón No. 2 por la Universidad Iberoameriana, Ciudad de México. https://www.youtube.com/watch?v=zTO_tllxCYw)

(Nota: esta entrevista fue publicada en versión más reducida, en el diario El Universal, Caracas, el domingo 22 de febrero de 2015)

sábado, 31 de enero de 2015

Concierto y clínicas de Aquiles Báez en Maracay



El guitarrista Aquiles Báez continúa apoyando las iniciativas musicales en Venezuela. En esta oportunidad se trata de una serie de clínicas y un concierto profonodos camino al XIX Encuentro Guitarrístico de Choroní 2015.

Estas actividades se llevarán a cabo del 6 al 8 de febrero, en las instalaciones del Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu (MACMA) ubicado en Maracay.

"Para la gente de Maracay y zonas aledañas, voy a estar dando talleres y un concierto solo el día 6 de febrero y los talleres el 7 y 8. Esta actividad es profondos del Encuentro Guitarristico de Aragua que se realiza en Choroni desde hace una buena cantidad de años y está dirigido por mi amigo Efrain Silva. Los esperamos por allá", escribió Báez en su perfil de Facebook.

En efecto, el próximo viernes 6 de febrero, a las 7:00 p.m. en el MACMA, se realizará el concierto. Luego, el sábado 7 habrá doble jornada de clínicas, una de 9:00 a.m. a 1:00 p.m., y luego otra de 2:00 p.m. a 6:00 p.m. El domingo, se llevará a cabo la tercera clínica, de 9:00 a.m. a 1:00 p.m. Cada actividad, incluyendo el concierto tiene un costo de Bs. 300 por persona. 

Los interesados en las clínicas pueden asistir a las tres y cancelar Bs. 900, con lo que se entregará un certificado de participación. Otra opción es asistir individualmente a cada clínica, y solamente pagar Bs. 300 por sesión.

Para más información, escribir al correo encuentroguitarristicochoroni@gmail.com, o a integra2ca@gmail.com, o también visitar el perfil de Facebook Encuentro Guitarrístico Choroní/Integrados o llamar a los teléfonos (0416) 8043668 y (0414) 4745305.

viernes, 30 de enero de 2015

Guitarristas venezolanos a su primer censo


Los guitarristas venezolanos pueden ahora inscribirse y participar en el primer Censo Nacional de Guitarristas.
Resulta que Edwin Arellano envió un correo electrónico en el cual invita "A todo aquel que le pueda interesar!", para que se dirijan a la siguiente dirección https://docs.google.com/forms/d/1Xz_Q9AaK4J0k_8kflXwM0f4-XnH9ilZ-5xmt43odatk/viewform y rellenen los datos que se pidan. Esa información "nos permitirá tener una mejor perspectiva del movimiento guitarrístico en el país", prosigue Arellano, y agregó que "deseamos que esta nueva herramienta pueda ser difundida entre sus contactos, para lograr así un mejor alcance y obtener mejores resultados".
Igualmente, la Comunidad Guitarrística Venezolana cuenta con esta página www.comunidadguitarristica.com donde se puede ampliar la información.

Por Ana María Hernández G.