sábado, 14 de noviembre de 2009

Eduardo Serrano: "A la música popular, todo mi corazón"


Por Ana María Hernández G.
05-12-1985

La voz nasal cortaba el ambiente al compás de sus palabras, matizando el diálogo con regulares alzamientos de sus gruesas cejas.
"Me inicié en los estudios musicales a los nueve años de edad, bajo la conducción de José Bustamante, Vicente Emilio Sojo, Gabriel Montero y Pedro Biava, en la que llamaban Academia de Música y Declamación".
Eduardo Serrano. Caraqueño, nacido el 14 de febrero de 1912. Fue violinista, saxofonista y baterista.
-¿Cuál es el género musical que ha cultivado más?
-La música popular venezolana. Además el único que he cultivado. Cuento con más de 250 composiciones, de las cuales el público no alcanza a conocer más del 25%.
Un afiche aquí, otro allá. Una pintura al óleo del año 1969. Austera. Modesta su oficina localizada en el décimo piso del edificio de la Biblioteca Central de la Universidad Central de Venezuela.
-¿Se ha dedicado a la actividad docente?
-Sí, por supuesto. Llevo doce años en esto, dictando anualmente mi curso preparatorio de música. Está dirigido a los alumnos de esta casa de estudios. Por cierto, que el próximo, en enero (de 1986) será el último. Así completaré mis sesenta años dedicado profesionalmente a la música.
-En muchas partes del país no se le conoce. Incluso, en el medio caraqueño se le tiene, digamos, como marginado.
-Eso se llama falta de cultura por parte de esas personas. Lo que sucede es que nuestro pueblo es extremista: o es amante de la música académica, o sino, del rock y lo comercial. Fíjate que de lo popular, nada.
-Sin embargo, maestro, ahora con la reactivación del decreto uno por uno ¿no creee que eso beneficia al creador popular?
Su rostro se tornó grave, tras unos instantes de sonrisas fugaces:
-Estoy en contra de eso, porque es como someter al pueblo. Nos radian el Himno Nacional tres veces por día, y hay muchos por allí que ni saben quién fue el autor. Entonces, habría que implantar luego el dos por uno, el tres por uno, hasta que oigamos más música nacional que extranjera, aunque no la condeno ni la censuro. Quiero decir, que sólo censuro la actitud de quienes conducen los medios de difusión de lo musical.
Unas tosecillas tensaron más el clima.
Entra una dama. Saluda al maestro. Se va.
-Tengo más de veinte años que no compongo nada -confiesa-. Si lo hiciera, sería masoquista. Porque si hago algo es para que la gente lo disfrute y lo deguste.
El autor de Barlovento, Barlovento tierra ardiente y del tambor... se arrellanó en su silla.
-Maestro, ¿cómo es eso de que en Higuerote hay una avenida que lleva su nombre?
Y una amplia sonrisa opacó la tensión.
-Eso fue muy casual. No me acuerdo en qué año. La avenida principal llevaba por nombre Rotival, que corresponde a un famoso arquitecto francés. Como en la región no se le conocía, el Concejo Municipal del Distrito Brión consideró pertinente colocarle el nombre de algún venezolano. Y el elegido fui yo.
-¿A qué lo atribuye?
-Será por Barlovento.
Después de una respuesta tan parca, se le comentó:
-Casi todas sus composiciones, al menos las más conocidas, tienen que ver con lo negro, siendo usted tan catire. ¿Tiene algún sentimiento que lo una a esa región?
-No es nada en especial. Sucede que, musicalmente hablando, el tiempo binario es mejor en sentido rítmico que las piezas en tiempo ternario. Es decir, en realidad, el merengue (binario) es más pegajoso que un vals (ternario); por tanto, la gente lo disfruta más, sin restarle mérito al vals. En resumen, es cuestión simple de gusto por el ritmo.
El maestro Serrano disfruta la conversación. Le gusta hablar de música. Tanto, que podría decirse que en vez de llevar glóbulos en la sangre lleva notitas musicales.
-¿Y su incursión por el cine?
-No creas que actué. Sólo hice la música para varias películas, tales como La balandra Isabel llegó esta tarde, El demonio era un ángel, Amanecer a la vida y otras tres o cuatro. También hice música para cortometrajes científicos. Trabajé un tiempo con Bolívar Films.
Se define modesto, sencillo. Odia el vedetismo. Adora la intimidad familiar, las bellas letras y la buena música.
-A propósito de su jubilación el próximo año, ¿a qué actividad se dedicará?
-Creo que a recopilar y ordenar todas mis obras. Como para dejar constancia de mi paso por este mundo fugaz.
Claro. Y lo más probable es que dentro de algunos cincuenta años, se le harán homenajes y recordatorios póstumos a este digno músico del pueblo venezolano. Más que compositor de Barlovento, Arpa, Choroní, Frente al mar, San Juan to'lo tiene, es el maestro Eduardo Serrano.
"Sólo espero que algún día se acuerden, no de mi, sino de todos los autores y cantantes de nuestra verdadera identidad musical".

miércoles, 28 de octubre de 2009

Con Billo y Memo Morales

Esta foto, tomada por mi compañero de trabajo Cheo Pacheo, se hizo el día martes 27 en Monte Sacro, Bello Monte. Allí se realizó el ensayo de la revista musical Billo, que será presentada este fin de semana, como homenaje a Billo Frómeta, en el Teatro Teresa Carreño. Por supuesto, quien me acompaña en la foto es el cantante Memo Morales, el maracucho gitano.
Es emocionante aparecer con este maestro y quiero recordar una anécdota personalísima, íntima, pues. Cuando era niña (no tanto!!), acababa de cumplir 12 años de edad, era la navidad de 1974 y le pedí al Niño Jesús (sí, todavía lo era...) dos cassettes de Billo, el de 1974 y el de 1975. Y, como el Niño Jesús siempre ha sido una nota, me los trajo...
Por aquellos años, los discos de Billo salían de a uno y a veces de a dos por año. Recuerdo que había, por ejemplo, el 74 1/2, y así...
Nada, quería compartir este dato, y lo importante para mi haber sido retratada junto a Memo Morales, cuya voz aprecio desde que era una chiquilla!!!

domingo, 25 de octubre de 2009

Exploraciones de Sting


Sting explora nuevas posibilidades en su próximo disco. Es el mismo Sting que ha transitado estéticas, como la interpretación del laúd y la teorba (que es el instrumento con el que aparece en esta foto).
A continuación un cable de la agencia española EFE, que trae una interesante información sobre este artista.

Madrid, 25 oct (EFE).- Sting se define como "una persona de invierno" porque es, dice, "la estación de la imaginación y de los fantasmas", un momento "lleno de magia" y que parece estar perdiendo ahora su intensidad. Por eso ha explorado este periodo en un nuevo disco, "If on a winter night...", que se publica la próxima semana. "Los inviernos del siglo XXI parecen acabar apenas empiezan, las nevadas son raras y, cuando ocurren, duran poco", se lamenta Sting en las notas de presentación de este nuevo álbum, un trabajo que reúne desde nanas y canciones tradicionales, a poemas del siglo XVI y que tiene inspiraciones en el mundo clásico de Johann Sebastian Bach o Robert Schubert o en el folk de su Newcasttle natal. Con este nuevo disco, que edita el sello Deutsche Grammophon, el ex "The Police" sigue acercándose al mundo clásico, un camino que ya tomara en 2006 con su último disco, "Songs from the Labyrinth"(2006), en el que interpretaba música renacentista del compositor John Dowland (1563-1626) y que también le ha llevado a encarnar recientemente al compositor romántico Schumann en un DVD. Ahora, Sting, de 58 años, ha querido llevar "la magia y el misterio" del invierno, su estación favorita, a esta nueva colección de canciones que ha grabado en una casa situada en una colina de la Toscana italiana, que ha sido su "hogar" y su "retiro" durante la última década y en la que ha vivido implacables inviernos. Allí reunió en febrero pasado, para "celebrar y explorar la música del invierno", a siete "variopintos músicos": Kathryn Tickell y Julian Sutton, dos músicos tradicionales de Newcastle; la harpista escocesa Mary Macmaster; el chelista Vincent Ségal, el trompetista libanés Ibrahim Maalouf, la violinista Daniel Hope y el guitarrista Dominic Miller, a quien define como su "mano derecha e izquierda durante casi dos décadas". "Hay algo del invierno que es fundamental, misterioso, completamente irreemplazable, algo a la vez deprimente y profundamente hermoso, algo esencial para este mito de nosotros mismos, para la historia de la humanidad", explica Sting. Es "como si de alguna forma necesitáramos la oscuridad de los meses de invierno para reponer nuestro espíritu interior, tanto como necesitamos la luz, la energía y la calidez del verano", agrega. Algo que, en su opinión, parece estar en peligro: "el calentamiento global, si es lo que esta reduciendo nuestra anual estación de invierno, está probablemente tomando su peaje en la psique humana, tal y como parece estar alterando el ritmo de las estaciones en el planeta", apunta el cantante y compositor. Por eso, ha querido atrapar en este disco el espíritu de una estación que en su niñez le permitía dibujar con la uña sobre los cristales cubiertos de hielo, le obligaba a vestirse "debajo de las sábanas" y a pasar largas horas de oscuridad junto al calor y los destellos de la estufa de carbón: "allí era libre de imaginar espíritus inquietantes". Canciones tradicionales como "Gabriel's message" o "Cherry tree carol", junto a melodías de Henry Purcell convertidas en temas como "Cold Song" o "Now winter comes slowly"; de Bach en "You only cross my mind" o de Franz Schubert en "Hurdy gurdy man", se unen a temas creados por Sting como "Lullaby for an anxious child" y a cantos populares de Halloween como "Soul Cake". Además de "The burning babe", un poema del siglo XVI del jesuita inglés Robert Southwel, Sting ha musicalizado el poema de Robert Louis Stevenson "Christmas at sea", para abordar un evento "central y definitivo" del invierto, las Navidades, porque, a pesar de su "personal agnosticismo" el simbolismo religioso "ejerce una poderosa influencia sobre mí". "Si tuviera una espiritualidad sería la música, toco y escucho como si realmente tocara mi alma, mi eterna existencia", confiesa Sting, mientras aconseja a quienes escuchen su nuevo disco tratar "calmada y civilizadamente" con los fantasmas del invierno "antes de que la nieva se derrita". EFE

miércoles, 14 de octubre de 2009

El sonido del arpa







"El arpa en Venezuela" de Fernando Guerrero Briceño (edición de la Alcaldía de Caracas, 2008).
Hace varios días, concretamente el martes 29 de septiembre, entrevisté al maestro Fernando Guerrero Briceño, arpista e investigador musicológico, además de abogado y consultor jurídico del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela.

Resultó ser una conversación muy interesante debido a los datos que aporta, y si bien es cierto el arpa y la guitarra no se asemejan en cuanto a su forma, comparten muchas cosas. Entre ellas, el halo de misterio en torno al harpista llamado Ludovico, el mismo aludido por Alonso de Mudarra en su Fantasía que "contrahaze a la manera de Ludovico".



A continuación, parte de esa extensa entrevista, que incluyó demostraciones musicales!!!

-Esta arpa llanera viene de la española...
-Esa es una historia interesantísima, hay un constructor en canarias, Pedro Llopis Areny. Él se ha dedicado a reconstruir las antiguas arpas españolas, de las cuales hay unas cuantas fotografías en el libro, y son idéntcas a las arpas criollas, es sorprendente. El arpa viene de España, y Pedro se planteaba esto: ¿dónde está el eslabón perdido de las arpas venezolanas? Porque él encontró en Paraguay una arpita pequeña muy antigua, por la cuestión de los Jesuítas que conservaron esa arpita. Él dice que en Venezuela no se consigue ese famoso eslabón perdido en los llanos, pero esa arpa que está más cerca de Elorza y de San Cristóbal que de los pueblos de Colombia apareció con las propias características de las arpas llaneras antiguas. Porque el arpa llanera que conocemos hoy en día es torrealbera, que es la que se toca hoy en día en todos los llanos, por Juan Vicente Torrealba, que es el formato Banco Largo (el nombre de la hacienda donde se crió Torrealba). Él estandarizó el tamaño del arpa llanera, y esa arpa de topa obedece al tamaño de las arpas anteriores al arpa de Torrealba. El arpa de Torrealba es un arpa grande, y las llaneras son pequeñitas, porque como te dice el libro, los tipos se montaban el arpa en un burro y cargaban con el arpa para el joropo. Esa es la razón por la cual era más chiquita. Un arpa de unas treinta cuerdas. Carlos Orozco, el metralleta, el arpista famosísimo, utiliza un arpa pequeña. Es bien inteligente el tipo, porque cargar con estos parapetos... Él utiliza un arpa como las que seguramente eran las arpas llanera de mucho antes.
-¿Por qué Torrealba estandarizó el arpa llanera?
-Por una razón de estética. Por cierto, ni Torrealba ni Hugo Blanco tienen el Premio Nacional de Música -introduce este comentario para resaltar la importancia de ambos músicos y sus aportes a la cultura nacional-. Somos conocidos más en el exterior por ellos, y no lo tienen. Hay una plaza en Veracruz (México) y otra en Asunción que se llama Torrealba. La cuestion de Torrealba, es que es el hijo de un hacendado. La hacienda Banco Largo limitaba con tres estados, y él se crió en un buen ambiente, aunque nació fortuitamente en Caracas. Se fue al llano y comenzó a tocar arpa tardíamente, primero la guitarra y después el arpa. Como era una persona de otros niveles no le gustaban las arpas que se tocaban en el llano en su tiempo. Él, junto con un constructor de apellido Cabrera, decidieron homogeneizar, estandarizar el tamaño del arpa. Torrealba es un tipo fornido, y adaptó el arpa llanera a su contextura personal; y su arpa es un "arpón", y le agrega unas cuerdas más. Las arpitas tenían unas treinta cuerdas y él le agrega unas seis más. Las arpas criollas se mueven entre 32 y 36 cuerdas. La central, de 34 cuerdas, la torrealbera 36. Esa arpa, con el éxito que tuvo aquí, se volvió estándar y todo el mundo quería tener una torrealbera. Por esa razón se unificaron los tamaños, a tal punto que desde Elorza hasta Caracas las arpas llaneras son torrealberas. Eso ha sido un tributo tremendo.
-¿Persiste el uso de la pequeña?
-Orozoco usa una. Se consigue, sí. Mira esta arpa (muestra una llanera torrealbera): el copete es torrealbero, la morfología del instrumento es de él. Esa misma cabeza la consigues en las españolas. Esa voluta, a lo mejor obedece a alguna razón, las centrales son chatas.
-¿Razones organológicas?
-Sí, y en función de que las arpas sean suaves, con cuerdas largas.


El maestro Guerrero se pone de pie. Todo lo anterior lo venía conversando desde un cómodo chinchorro. Mientras tanto comenta: "vengo de ser el presidente del jurado del Concurso Ludovico -exacto, el mismo que menciono más arriba-, y allí se toca su fantasía, es una de las obras obligatorias (se refiere a la décima de Mudarra)".
Entonces prosigue, ahora detallando aspectos del libro:
"Este libro... (el musicólogo José) Peñín lo ponía a uno a escribir. Comenzó en sus clases. Yo fui de la primera promoción, y cuando nos dice "ahora tienen que escribir de algo que les interese, y de lo que estén haciendo",me pregunto "¿de qué voy a escribir?... de arpa". Y este libro comenzó por la parte de atrás. El Seis por derecho fue mi primer trabajo, no sólo la parte de escritura, sino que hice el arreglo y lo grabé. El material fue creciendo, se fue ampliando y el primer paso fue un encuentro latinoamericano de arpa, realizado en México. Allá lo llevé, luego en el 99 salió la primera edición y se completó".
-¿Qué tiene esta segunda edición que la primera no tenía?
-Siempre me quejé mentalmente de la base histórica. Los guitarristas tienen suerte. Tienen a (Alejandro) Bruzual, el historiador, que se ha fajado con eso. Siempre me quejé de la primera edición y lo he comentando con Juan Francisco Sans (de Artes y de Musicología en la UCV). A uno se le pegan las cosas, y en estos 10 años mucha gente se me iba acercando, y fueron aportando. Conocí a Carmen Manzano, quien tiene toda una biblioteca sobre arpa, y me mandó 10 kilos de libros, una literatura espectacular. Se ha fajado. Aquí está la organología del arpa y de otros instrumentos antiguos. Esto es impresionante. Me topé con ella y la amistad fue inmediata, porque hay una aportación histórica.
-¿A Filipinas también llegó el arpa? ¿por qué fueron unos países tan puntuales?
-Sí, llegó. Acá vino a Perú, Paraguay, México, Venezuela. En los demás países latinoamericanos sí existía pero se efumó. El libro de Marcelita Méndez, por ejemplo, es la historia de la desaparición del arpa en Argentina. En cambio los argentinos tuvieron mucha arpa de pedales, porque en el siglo XIX fueron miles de arpas las que llevaron a la Argentina, pero esa tradición desapareció. El arpa en Venezuela queda en los llanos porque aquello era un reducto, ¿cuándo se viene a integrar el llano a Venezuela? ¿en los años 50 (del siglo XX)?
-¿Y el arpa tuyera?
-Esa tiene otra razón. El arpa llanera es misional, fue fomentada por los monjes capuchinos, los curas que colonizaron y evangelizaron el llano. Una de las características que diferencian el arpa llanera de la central, es que tiene acompañamiento de cuatro. El arpa central (tuyera) no tiene cuatro. El arpa llanera se tocaba con otros instrumentos, se tocaba como instrumento religioso y como instrumento popular. En cambio, el arpa central es colonial; y probablemente deriva de mano esclava; y una de las razones que orienta esa opinión es que el arpa central tiene cuerdas de metal, que era una especie de imitación a los claves; y los claves sí existieron aquí en Venezuela, y hay evidencias; y arpas también. Dentro de los materiales expuestos en el libro y en los trabajos de Mariantonia Palacios (en Artes y en Musicología de la UCV), ella ha hecho un trabajo fantástico. Las dos arpas son diferentes, la música es diferente. Eso por los orígenes del instrumento: uno es misional, más cercano, más afin, con cierta manera de ejecutar la música del sur de España. Y la otra es como barroca, sorprendente. El sonido, incluso la Revuelta en esas partes es casi una suite.
-Hubo un momento en la historia de la música en Venezuela en el que esos sonidos dieron la base para nuestras músicas populares...
-Y adquirir personalidad propia. Incluiso, una suerte. El Corrido, el Romance desapareció en España, ¡pero el Romance está aquí! Pon que se haga en Colombia o en México, pero no lo hacen con arpa. Los paraguayos tocan música de autor, pero el corrido es un romance, y hay que mantener la idea de que Venezuela es una especie de repositorio de técnicas arpísticas: la de tres dedos, que era la que se utilizaba en la España medieval. Esa manera de tocar en tres dedos, un arpista central también la tienen, y así tocaban los españoles del siglo XVI. Una de las inquietudes que yo tengo, es que de pronto se venga un pelotón de esos musicólogos españoles. ¡Déjense de buscar allá. No van a encontrar nada! Cuando quieras ver cómo funcionaba la música española del siglo XVI para arpa, vente para acá, para el llano o para los valles del Tuy, de Aragua. No hay duda, la técnica es medieval.
-Como la forma de acompañar con el cuatro venezolano, la antigua guitarrilla o guitarra renacentista, que era con tres acordes...
-Claro. El contrapunto galante, el golpe Bermudo. Estaba revisando el libro de Cook sobre el cuatro, y tiene todas esas antigüedades, y tú te das cuenta de la suerte de este país.
-Es extraño que una investigación de este tipo sobre el arpa no se haya hecho antes...
-Una de las razones es que la música de arpa es demasiado popular. Sí. Torrealba me lo corroboró, es demasiado popular. Lo que pasa es que si es así, los realmente estudiosos no le prestaron interés. Es una queja que cada vez que puedo lo digo. Era un instrumento demasiado popular para ponerle atención y no lo hicieron, igual a lo que pasó con el cuatro, idéntico. Los escritores no hablan del arpa. Calcaño transcribe que se celebra una fiesta en Blandín con arpa francesa, ¿y el arpa popular? ¿Por qué no la mencionan? En cambio los italianos, los franceses, los americanos, los ingleses que vinieron aquí, los húngaros, todo el mundo se fija en el arpa venezolana, y señalan que acá cantan y tocan una música con un ritmo dificilísimo en arpa. Carpentier lo dice en Los pasos perdidos, pero los venezolanos con el mismo e idéntico desdén que tenemos por la cosa propia, es casi como una vergüenza que tenemos por las cosas nuestras.
Hace un siglo o dos estábamos idénticos.

Guerrero retoma el hilo del rescate que tienen en Europa por el arpa antigua, y las diatribas en torno al uso de las uñas largas o cortas, según el sonido que se produce es más brillante o redondo.
"Ellos tocaban con uña. En Francia tratan de rescatar la música céltica en arpa, los ingleses con la galesa, y los irlandeses. Rescatar el fenómeno del arpa desde el arpa de pedal me parece un error. El arpa de pedal se toca sin uña..."
-Los musicólogos no intentan otra vía...
-Quiero decir esto sin ofensas, pero otro de los problemas es que el arpa está en mano de muejres...
-¿Por qué? A la guitarra le pasa lo contrario, son pocas las mujeres ejecutantes...
-Nunca entendí… Realmente es un fenómeno inverso a la guitarra, y no tengo una explicación para el asunto, siendo el arpa de pedal un instrumento de tanta tensión. Además, cada vez que bajas un pedal son 4 kilos, medido. Tú dirás que es el encanto femenino, pero las manos se extienden mucho, toman mucha fuerza.

(Continuará)

Salterio español supera expectativas en Nueva York y se vende por 27.500 dólares


Nueva York, 13 oct (EFE).- Un salterio del siglo XVIII, obra del español Salvador Bofill, superó hoy todas las expectativas en una venta de instrumentos de Christie's de Nueva York al adjudicarse por 27.500 dólares, informó hoy la casa de subastas. Ese instrumento de percusión de cuerda, que Christie's había valorado inicialmente entre 4.000 y 6.000 dólares, data de 1760 y pertenecía a la colección privada del coleccionista de Los Ángeles Erich Lachmann. Esta pieza única salió a la venta en una subasta que también incluía una guitarra del artesano español José Ramírez, fabricada en Madrid en 1901, y que obtuvo un precio de martillo de 8.750 dólares, superando con creces los 7.000 dólares en que se preveía vender. Otro de los objetos destacados de la subasta, en la que hubo guitarras, flautas, violoncelos y diversos instrumentos clásicos, fue un violín fabricado por el italiano Ferdinando Gagliano, que finalmente se adjudicó por 170.500 dólares. El precio estimado de esa pieza de 1750 oscilaba entre los 100.000 y los 120.000 dólares. Otra de las sorpresas de la velada fue una guitarra del francés Robert Bouchet, que superó los 40.000 dólares en que se había valorado y alcanzó un precio final de 122.500 dólares. Entre los instrumentos de viento que se adjudicaron destacó una flauta de platino del fabricante estadounidense Verne Powell, valorada entre 30.000 y 50.000 dólares, que obtuvo una puja máxima de 37.500 dólares. La subasta recaudó un total de 2,2 millones de dólares, según la casa de subastas. EFE

(Foto EFE)

domingo, 4 de octubre de 2009

Los tratadistas del barroco (I)

Joan Carles Amat

A partir de este momento, comenzaré otra serie. La primera era sobre los hijos de la guitarrilla o de la guitarra renacentista.
Ahora hablaremos sobre los diferentes tratadistas del barroco, es decir, aquellos que escribieron sobre la guitarra de cinco órdenes, guitarra barroca, o, como se le llamaba en aquellos tiempos, la guitarra española.
Para comenzar, está el músico y médico catalán Joan Carles Amat. Este autor escribió un pequeño libro titulado "Guitarra española y vandola", y en él se refiere a cómo se afina el instrumento, cómo se debe tocar, incluso los acordes o puntos, como se les llamaba en la época... (seguiremos editando...)

jueves, 17 de septiembre de 2009

Los hijos de la guitarrilla (y VII) El Ukelele o Ukulele


Finalmente llegamos al último de los hijos de la guitarrilla, el ukulele o ukelele. Este cordófono vendría siendo, mejor, un "nieto" de la guitarra renacentista, ya que su predecesor, el cavaquinho, llegó a las islas de Hawaii a bordo de los barcos brasileños. Otra teoría señala que llegó a esas islas a bordo de los barcos portugueses... hay que agregar que en Portugal también había la afición de tocar la guitarrilla... En todo caso, el cordófono que da origen al ukelele llega hacia el último tercio del siglo XIX, después de 1870, según las fuentes consultadas.
En Hawaii adoptó la forma y afinaciones con las que se conoce. Lo digo en plural porque hay varios tamaños de ukeleles, y según lo grave o agudo de su sonoridad, así tendrá su afinación. Por cierto, la que se le parece a la de la guitarrilla (sol-do-mi-la) es la del llamado ukelele tenor.
Este instrumento goza actualmente de gran popularidad, porque de alguna forma los músicos tanto hawaianos como los norteamericanos (en general) lo han ido incorporando a sus composiciones. Por internet es posible conseguir tablas de acordes, y, sin duda, YouTube nos provee de una fuente inmensa para ver y escuchar a sus intérpretes.
Lo interesante del ukelele es que mayormente es un instrumento que se utiliza como acompañante, de allí lo importante del conocimiento de los acordes. La mano derecha rasguea y de esa forma el instrumento se comporta como ayudante de la rítmica, muchas veces hasta es percusivo. Por supuesto también es posible puntear y lograr notables efectos de melodía y armonías yuxtapuestas. Ya eso es tema de cada intérprete.

martes, 18 de agosto de 2009

El Ukelele en Londres

Aun me falta publicar el último capítulo de la serie "Los hijos de la guitarrilla", y mientras recabo información para ello, les dejo este cable de EFE:

R.UNIDO-MÚSICA
El ukelele y el público toman el "templo" londinense del Royal Albert Hall

Londres, 18 ago (EFE).- El Royal Albert Hall londinense, que estos días acoge a famosas orquestas de todo el mundo igual que hizo en su día con Frank Sinatra o los Beatles, será hoy escenario de un singular concierto de ukeleles en el que el público mostrará sus dotes con el instrumento hawaiano y participará en el espectáculo.
El concierto forma parte de los "Proms" organizados anualmente por la BBC desde mediados de julio a mediados de septiembre, cita que reúne a algunos de los conjuntos y solistas de música clásica más importantes de varios continentes.
La Orquesta de Ukelele del Reino Unido, nacida en 1985, debuta esta noche en las "Proms", y para ello ha pedido al público que acuda con uno de estos instrumentos bajo el brazo para acompañarla de forma activa durante la actuación.
El concierto de hoy promete ser original, ya que en el programa se mezclan estilos que van desde el rock hasta la música clásica, o lo que es lo mismo, desde The Who y Sex Pistols hasta Beethoven y Wagner.
El ukelele es un instrumento popularizado gracias al archipiélago estadounidense de Hawai, que mantiene un estrecho parecido con la guitarra pero que normalmente tiene menor tamaño y cuya presencia en orquestas de nivel es casi inexistente, lo que dota de un mayor interés si cabe a la actuación de hoy.
Por el momento casi un millar de personas se ha apuntado a la idea de tocar el ukelele esta noche junto a los ocho músicos que conforman la orquesta.
El único requisito era tener una entrada para el concierto y registrarse por internet para poder participar en él. La orquesta también ha preparado siete vídeos en los que, a través de la red, da a los principiantes unas lecciones básicas sobre cómo tocar este instrumento.
El momento de estos aprendices llegará con "La Oda a la Alegría", de Beethoven, que interpretarán conjuntamente los músicos y los espontáneos dotados de ese instrumento.
"Las BBC Proms son una oportunidad genial para hacer la música más accesible. El ukelele es barato y fácil de transportar. Por eso creemos que la participación de la audiencia es una idea fantástica", subrayó el director del conjunto británico, George Hinchcliffe.
Éste aseguró que en los conciertos que ofrecieron en Japón y Suecia tuvieron "a más de 200 personas" tocando el ukelele junto a los músicos de la orquesta, y se mostró convencido de que se superará dicha cifra durante el concierto de esta noche. EFE

Partituras inéditas de Heitor Villa-Lobos

A continuación, una información proveniente de la agencia cablegráfica española EFE:

BRASIL-MÚSICA
Encuentran unas partituras inéditas de Villa-Lobos en Río de Janeiro

Río de Janeiro, 17 ago (EFE).- Partituras inéditas del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (1887-1959), el más destacado de la historia de la música clásica del país suramericano, fueron encontradas en los archivos de la biblioteca de la Escuela de Música de Río de Janeiro, informaron hoy fuentes de la entidad.
El director de la escuela, André Cardoso, explicó este lunes a periodistas que las partituras corresponden a la orquestación de cuatro melodías del compositor francés Guy Ropartz (1864-1955).
Las partituras, catalogadas por Cardoso como "obras preciosas" y "en perfecto estado de conservación", fueron encontradas por tres becarios encargados de hacer el inventario del área de manuscritos.
Brasil conmemora este año el medio siglo del fallecimiento de su más destacado compositor de música clásica y para muchos el responsable de "acercar" a los principales autores de la historia musical europa con el país suramericano a través de la combinación de melodías eruditas con algunas del folclor brasileño.
La biblioteca existe desde 1848 y forma parte de la estructura de la Universidad Federal de Río de Janeiro (UFRJ). EFE

lunes, 17 de agosto de 2009

XV Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz


De nuevo se llevará a cabo el Concurso Alirio Díaz, esta vez se trata de la 15° edición, toda una institución. Para muchos guitarristas, especialmente los jóvenes, constituye una gran oportunidad en este lado del mundo, para probar sus destrezas y legitimarse ante grandes maestros.
Del 24 al 31 de octubre tendrá lugar el certamen, y he sabido que en ese marco también se dan cita numerosas personas, guitarristas, otros músicos, así como aficionados, y seguramente se darán eventos y otras actividades conexas.

jueves, 13 de agosto de 2009

Temporada de festivales




En estos últimos días ha habido (y hay) varios festivales nacionales de guitarra. De alguna manera es interesante que ocurra, porque desde hace unos años había decaído el movimiento guitarrístico en Venezuela.
Gracias al impulso que han dado los mismos jóvenes intérpretes, amén de agrupaciones en las que la guitarra cobra un rol preponderante (como Kapicúa, con Álvaro Paiva Bimbo en la guitarra), desde hace un tiempo se viene dando un resurgir. Claro, hay festivales como el de Angostura, que tiene once años ininterrumpidos, lo cual quiere decir que ellos han mantenido viva la llama, o el sonido!!!
El Festival de Angostura, como lo reseñé en anteriores posts, tuvo invitados nacionales e internacionales, y sobre eso ya no ahondaré.
Pero la semana pasada, del 3 al 8 de agosto se llevó a cabo el Festival de Guitarra del Estado Miranda. Allí partició un joven trío guitarrístico, el Trío Leopoldo Igarza, integrado por Daniel Ortega, Rafael Hernández y Silvio Mencías. Vale la pena visitar su sitio: http://triodeguitarras.com.
Por otra parte, Nelly Carvajal Producciones junto a la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (Celarg) viene presentando un ciclo de conciertos en homenaje a Antonio Lauro. La primera cita se realizó ayer miércoles 12, con la intervención de Luis Zea, Rafael Ortega (cuatro), Jesús Gerdel (como invitado especial), Luiguí González y Gerardo Hernández. El próximo miércoles 19, a las 8:00 p.m. en el mismo Celarg, tocarán Arnaldo Moncada, Mélida Palacios, Hugo Zuleta, Daniel Acosta (invitado especial) y el Trío Leopoldo Igarza. Por último, el miércoles26 de agosto será el turno para el dúo conformado por Rómulo Lazarde y Dariela García, el cuatrista Sir Augusto Ramírez, Lorenzo Camejo, luego la actuación en conjunto del dúo Sir Augusto Ramírez-Lorenzo Camejo, y, para culminar, el dúo de Gerardo Hernández y Marisabel Sánchez.

lunes, 10 de agosto de 2009

Guitarristas de FIGA juntos!!!


Esta foto nos la tomaron la noche del sábado 1 de agosto, en el hotel La Cumbre, donde tocó el dúo Mandrágora de Brasil. Atrás, de izquierda a derecha: Jorge Brasil y Daniel Sarkis (Mandrágora), Douglas Estévez y Luz María Bobadilla, y a mi lado Marina Parilli.

En el XI Festival Internacional de Guitarra de Angostura



El pasado sábado 1 de agosto, en el Museo Soto de Ciudad Bolívar, intervine en el XI Festival Internacional de Guitarra de Angostura. Allí estrené el programa de la guitarra barroca, conformado por obras de Santiago de Murcia, Gaspar Sanz, José Marín y la "Marizápalos" del Códice de Zuola. Fueron unos días inolvidables, tanto por la hospitalidad de los anfitriones: los maestros Douglas Estévez y José Luis Lara, organizadores del FIGA; Anabell Valero, la señora Lourdes y el señor Alfredo Inaty del Museo Jesús Soto; como por lo grato de Ciudad Bolívar.

Tuve el privilegio de hospedarme en el apartamento del maestro Soto, en el mismísimo Museo. Si se considera que el Museo fue diseñado arquitectónicamente por Carlos Raúl Villanueva, y estuve rodeada por obras originales de Soto, y, de paso, haciendo música para guitarra (Soto era guitarrista!!!) puedo decir que pasé unos días absolutamente sumergida en ARTE... nada puede compararse al privilegio de estar frente a uno de los penetrables más grandes y hermosos, y acceder a la magia plástica de la obra, ver los volúmenes y hasta al mismísimo río Orinoco fluyendo, y de paso, intuir la sinfonía musical que contiene todas las obras de Soto.

La otra parte fue escuchar los conciertos de los colegas guitarristas: la paraguaya Luz María Bobadilla, la venezolana Marina Parilli y los brasileños del dúo Mandrágora. Luz María se trajo en su guitarra toda la fuerza y energía de la música de su país, incluyendo al gran Mangoré, mientras que Parilli nos deleitó con música latinoamericana, e incluyó sus favoritas: obras del Indio Figueredo, y como ella nos comentó que ama el arpa llanera, pues de sus dedos fluyó la música de su guitarra como si fuera la misma arpa. De verdad fue magistral. Los brasileños por su parte nos brindaron música brasileña, pero con armonías más pop, gracias a sus guitarras electroacústicas, que ofrecen otras posibilidades sonoras, igualmente interesantes. Fue un privilegio tomarnos las fotografías de rigor en grupo... bajo un cielo maravilloso en Ciudad Bolívar.





viernes, 19 de junio de 2009

Costa Rica apuesta a un festival sin fronteras

Y aquí un cable de la agencia española EFE:

San José, 19 jun (EFE).- Catorce músicos de América Latina actuarán en el II Festival de Guitarras sin Frontera de Costa Rica, que tendrá lugar del 1 al 5 de julio, informaron hoy los organizadores.
El director del festival, David Coto, indicó hoy en conferencia de prensa que en el evento "habrá músicos que están en la elite mundial", como el argentino Carlos Moscardini, "seguramente el mejor guitarrista de folclore" de su país, o el cubano Jorge Luis Zamora, ganador del Gran Premio del concurso internacional de guitarra de Radio France, "uno de los más importantes del mundo".
Además, el evento contará con la presencia de la música clásica de Mario Ulloa, costarricense radicado en Brasil, y de los artistas nacionales Nicolás Alvarado y Alonso Torres (de estilo clásico latinoamericano), el Dúo Antú (latín jazz contemporáneo), Santos y Zurdo (electrofusión), Camilo Poltronieri (rock jazz fusión) y el Cuarteto de Guitarras de Costa Rica (clásico).
"La idea es que no haya fronteras entre los estilos, que se mezcle la música clásica y la moderna, para que venga público de todas las edades", señaló Coto.
Natalia Rodríguez, codirectora de Red Cultura, empresa promotora del festival, informó de que el evento contará con cinco conciertos, en los que intervendrán dos artistas en cada uno.
"El día de la clausura compartirán escenario los catorce músicos del Festival, además de tres artistas costarricenses invitados", detalló Rodríguez.
Agregó que todos los conciertos se realizarán en el Auditorio de la Universidad Véritas, en San José, e irán acompañados de proyecciones de cortometrajes para "fusionar la música con la imagen, al tiempo que se da a conocer los artistas jóvenes costarricenses, independientemente (de) cuál sea su disciplina".
Jorge Luis Zamora se mostró satisfecho de poder participar en este evento musical y anunció que realizará la inauguración, para lo que está "ensayando duramente".
Para Zamora, estos conciertos dan la posibilidad de que los artistas jóvenes se sienten al lado de otros de elite "y aprendan de ellos".
En la edición de 2008 fueron unas 150 personas por concierto y se espera que este año acudan más de 250 por espectáculo, indicaron los organizadores.

XXIX Festival de la Guitarra de Córdoba


He aquí una información emanada de la agencia alemana DPA:



Berlín, 19 jun (dpa) - El Ayuntamiento de Córdoba, en colaboración con el Instituto Cervantes y la embajada de España, presentaron hoy en Berlín el Festival de la Guitarra de Córdoba, cuya vigésimonovena edición tendrá lugar del 1 al 11 de julio.
"Berlín es una referencia internacional importantísima de la música, por lo que es el sitio perfecto para la presentación del festival", explicó el teniente de alcalde del ayuntamiento de Córdoba, Rafael Blanco.
El evento consistirá en 25 grandes espectáculos sobre cuatro escenarios de la ciudad cordobesa y contará con estrellas de la guitarra como Manolo Sanlúcar, Tomatito, Diego "El cigala", Niño de Pura y Manolo Franco, aparte de David Russell, John Fogerty y The Pretenders, entre otros muchos.
Además de las grandes actuaciones se impartirán 15 cursos del programa formativo, se homenajeará a artistas como los compositores españoles Isaac Albéniz y Joaquin Rodrigo, el bailaor cordobés Mario Maya y el compositor cubano Leo Brouwer. También habrá concursos para guitarristas jóvenes.
Una novedad de esta edición del festival será la exposición "Guitarras", en la que 25 artistas plásticos cordobeses mostrarán obras que tratan de diferente modo la guitarra.
Con el festival musical, considerado uno de los mejores del mundo, Córdoba aspira a unir la imagen de la guitarra a su ciudad. Para eso lleva apostando ya 29 años por la calidad y la diversidad de estilos.
Blanco espera que el gran evento musical sea una carta de presentación para Córdoba, dado que la ciudad española, que ya fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, se postula como candidata a Ciudad Europea 2016.
La presentación en la capital alemana tuvo lugar en la sede del Instituto Cervantes y estuvo acompañada de un pequeño concierto de los guitarristas Paco Serrano, de España, y Wulfin Lieske, austríaco.
dpa cv/ib lr 191157 GMT Jun 09 nnnn 

domingo, 26 de abril de 2009

Emboscada musical

El domingo pasado, hace 8 días, en plena guardia en El Universal, me tendieron una emboscada musical: el fotógrafo Oswer Díaz, quien es el que siempre me fotografía con mis instrumentos antiguos, me dice que fuera al laboratorio de fotografía para probar el sonido de una de sus guitarras. Nada, cuando llego, tenía montado todo un escenario, y yo sin haberme preparado para nada!!!! Ni modo, agarré la guitarra, una electroacústica de cuerdas de metal, y me puse a rasguear y cantar algunas cosillas por ahí. Fue un momento muy rico y especial...

lunes, 20 de abril de 2009

“La guitarra en Venezuela está sufriendo”




Por Ana María Hernández G.

El guitarrista italiano Flavio Sala acaba de editar un hermoso y emblemático disco: "Mi alma llanera", una compilación con la que rinde un lindo homenaje a la música de nuestro país. Sala fue ganador del Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz, en 2006, certamen en el cual también obtuvo el premio especial como mejor intérprete de música venezolana.
"Mi alma llanera" ya está en los anaqueles mundiales, y en Venezuela estará disponible a partir de mayo.
-¿Cómo surge el disco "Mi alma llanera"?
-Con este disco quiere ser un homenaje personal a Venezuela y a la música venezolana. Aprendí a tocar musica venezolana desde niño, cuando yo tenía apenasnueve o diez años, ya tocaba los valses de Antonio Lauro y otras piezas. Me enamoré de Venezuela sin conocerla, solamente escuchando y tocando su música. Después de ganarme el Primer Premio del Concurso Alirio Díaz sentí la necesidad de dejar a la historia algo de este periodo tan maravilloso vivido en Venezuela, ¡y allí está el disco!
-¿Cómo fue la escogencia del repertorio?
-La música venezolana está llena de ese sentimiento popular que la caracteriza y que no tiene otra música en el mundo. Además suena demasiado bien en la guitarra porque muchas obras nacieron en la guitarra, estuvieron escritas e inspiradas por la guitarra y entonces no hay otro instrumento académico mejor que la guitarra para tocar la música venezolana. Queriendo grabar un disco, me puse a buscar todas las piezas que mejor representen y transmitan ese mismo sentimiento popular para acercarme a la gente.
-¿Cómo ves tu disco al lado del de John Williams ("El diablo suelto")?
-Hay dos cosas: algunas piezas se encuentran en los dos discos (Los Caujaritos, El Marabino, Como llora una estrella, etc...) y la presencia del compositor venezolano Alfonso Montes, el mismo que acompaña con el cuatro a John Williams. Cuando yo le comenté que estaba pensando en grabar un disco enteramente dedicado a la música venezolana, me regaló un maravilloso arreglo de Caballo Viejo del maestro Simón Díaz, creo que la primera versión para guitarra solista, y eso fue un orgullo para mi. Luego, desde el punto de vista musical, que sean los mismos venezolanos que me dejen saber qué piensan de los dos discos :-)
-¿Algún compositor venezolano te ha dedicado alguna obra?
-Ningún compositor venezolano me ha dedicado una obra ni yo lo he pedido en mi vida hasta ahora. Pero, si pudiera comisionar una obra, me encantaría que fuera un concierto para guitarra y orquesta sinfónica, totalmente en estilo popular y virtuosístico, grandioso, como si fuera para guitarra solista, porque eso sonaría demasiado bello.
-¿Cómo ves el movimiento guitarrístico actual en Venezuela?
-Estoy de acuerdo con los maestros Sir Simon Rattle y Claudio Abbado cuando dicen que algo particular está pasando en la música en Venezuela, y no lo hay en otro país del mundo, es verdad. Sin embargo la guitarra en Venezuela, a pesar de los grandes ejemplos como Raúl Borges, Alirio Díaz, Antonio Lauro que todo el mundo conoce, denota una falta de fuertes personalidades que puedan salir del país y competir con los demás y mantener una carrera internacional. Seguro hay mucho talento, pero todavía está debajo de las piedras. Necesita ser descubierto, así como hizo el maestrp José Antonio Abreu (con las orquestas juveniles) y necesita nuevo público. Yo creo que a la guitarra en Venezuela le falta la presencia de muy buenos profesores. El cuatro y los otros instrumentos están mucho mejor. La guitarra está sufriendo.

miércoles, 14 de enero de 2009

A mis maestros

En este comienzo de año 2009, hago un pequeño alto en mis actividades para recordar a los maestros, esas maravillosas personas que dieron buena parte de sí y de quienes he tomado, y aún tomo, para crecer como persona.
(1) La hermana María Teresa, la señorita Crucita Gil, la hermana Rebeca, la hermana Raquel... maestras en el Colegio San José de Tarbes (El Paraíso) y en la música. No solamente lidiaron conmigo en lo que a mi aprendizaje se refiere, sino también me enseñaron los primeros rudimentos en la guitarra. Con ellas aprendí a tocar el instrumento para cantar a Dios durante las misas.
(2) El profesor Laureano Herrera. Cuando yo tenía como 12 o 13 años, mis padres contrataron a Laureano, a quien recuerdo como un personaje especial. Él era profesor de mi primo Alberto Andrade y de mi tía Olga, y luego me entusiasmé y lo contrataron para mi. Nos enseñó a afinar la guitarra y a puntear algunas cosas en el instrumento. Aún yo no sabía leer música, pero ya sabía cómo leer las tablaturas y los tonos, y Laureano empleaba ese sistema para enseñarnos. Aprendimos muchísimas canciones, y sobre todo cómo acompañar con el instrumento.
(3) Luis Alfredo Pérez me dio clases en Musiyama, una de las escuelas de Yamaha, ubicada en el Centro Comercial San Martín. Contaba yo como con 16 años, más o menos. Ya Luis Alfredo me empezó a instruir en la lectura musical, algunas cosas de solfeo, y con ello se me despertó un interés inconmensurable e indetenible por saber más y más sobre la guitarra. Ya para esa época había tenido mis primeros contactos con la música barroca: descubrí a Bach y simultáneamente descubrí que Bach se podía hacer en la guitarra, gracias a un maravilloso disco que mis padres me regalaron, el de Alirio Díaz ejecutando obras de Bach.
Gracias a Pérez, fui como a dos o tres -no recuerdo cuántos fueron- festivales organizados por Yamaha de Venezuela, en el cual participamos estudiantes de todas las escuelas Musiyama de Caracas; tanto en el Teatro Las Palmas como en el Don Bosco de Altamira. En el marco de esos eventos conocí al maestro José Peñín, eminente musicólogo fallecido en agosto de 2008. Una de las frases de Peñín que han marcado mucho de mi quehacer musical es: "la mejor música es la que uno hace".
(4) Lourdes (Lula) Becerra. Luis Alfredo se fue y entró a trabajar Lula, una muchacha que me introdujo más de lleno en la disciplina del estudio de la guitarra. Con ella conocí el método de Julio Sagregas, y el solfeo a través de "Solfeo de los Solfeos" volumen 1-A. Ella me dio clases durante un año más o menos, al cabo de lo cual, dejó la escuela, y me contrataron a mi!!! Fue mi primer trabajo en toda mi vida, corría el año 1981, y trabajé con la señora Lilian Vale y su esposo, durante dos años.
(5) El maestro Aldo Lagrutta. En 1983 dejé los estudios de Estadística en la Universidad Central de Venezuela. Para ese momento decidí que mi verdadera vocación era la música, pero lamentablemente pertenezco a una generación para la cual los padres de uno pegaban el grito en el cielo cuando uno manifestaba que quería ser músico... o artista. Así que me puse a estudiar Comunicación Social en enero de 1984, pero ya en octubre del 83 me había inscrito en la Escuela de Música Pablo Castellanos de Macuto, para cursar Guitarra como Dios manda... bajo la dirección de Aldo. Con él estudié hasta 1987, año cuando él decidió irse del país. Actualmente vive en Alemania y desarrolla una importantísima carrera como concertista, con una técnica estupenda y depurada.
(6) El maestro Leopoldo Igarza, me "adoptó" cuando Aldo se fue. Con él estudié hasta 1989, y luego esporádicamente en el 91, 93, 95, 98... la irregularidad se debe a que me gradué en Comunicación Social, y consecuentemente me puse a trabajar. La vida se complica, y el estudio de la guitarra comenzó a compartirse con otras actividades... eventualmente comencé a dar alguno que otro concierto, en 2001 grabé "Poema Barroco", particié en algunos festivales.
(7) El maestro Bartolomé Díaz es actualmente mi maestro. En diciembre de 2006 decidí adquirir la guitarrilla y en 2007 comencé formalmente a estudiar el instrumento, con el cual hacia el último tercio de ese año mostré el trabajo realizado. Aún sigo con Barto, actualmente trabajo en paralelo la guitarrilla con la guitarra barroca, y mis pretensiones son continuar con esta propuesta...
De verdad, a mis maestros todo mi agradecimiento. Qué Dios les dé salud, oportunidades de éxito y que sigan guiando los pasos de muchos estudiantes. Ojalá toda la gente se decidiera a estudiar guitarra o música... sería este un mundo más feliz y mejor.

jueves, 1 de enero de 2009

Décimo aniversario de la muerte de Joaquín Rodrigo

Reproduzco a continuación el texto de una información vía cable:

ESPAÑA-MÚSICA (crónica)
Por Almudena González
Madrid, 1 ene (EFE).- El décimo aniversario de la muerte de Joaquín Rodrigo se cumple en 2009, una ocasión para descubrir la extensa obra del autor de "El concierto de Aranjuez", el compositor español más programado en el extranjero y que escribía en braille sus partituras antes de dictarlas al copista, nota a nota.
"En este aniversario, mi deseo sería que se tocaran obras de mi padre que apenas se han interpretado en España; hay muchas casi por estrenar y me gustaría que entraran en repertorio porque serían descubrimientos y otros estudiosos extranjeros están en ello", dijo a Efe Cecilia Rodrigo en la sede de la Fundación Victoria y Joaquín Rodrigo, ubicada en la casa familiar, que conserva intacta.
Entre infinidad de fotografías y recuerdos, parece sentirse la presencia del matrimonio, Victoria y Joaquín, en esta vivienda de Madrid, donde se encuentra, en la misma sala del piano, la máquina braille con la que el compositor, ciego desde los tres años por una epidemia de difteria, escribía sus partituras.
Posteriormente se las dictaba a un copista, nota a nota, instrumento por instrumento, con sus respectivas variaciones. Después, Victoria y Rodrigo corregían al piano la copia, antes de enviarla a la edición, que también revisaban antes de su publicación definitiva.
"¡Formaban un equipo bárbaro!; ella era su verdadero agente", explica Cecilia Rodrigo, quien no oculta la emoción que sintió el 12 de diciembre pasado cuando la Orquesta Nacional de España y la soprano Ainhoa Arteta, dirigidos por Vasily Petrenko, dieron el pistoletazo de salida a este aniversario.
"Fue una interpretación magistral; fue muy bonito, pasé unos momentos muy emocionantes", recuerda la hija del compositor, al que volverá la Orquesta Nacional en mayo para tocar "El concierto de Aranjuez".
Sobre esta obra, Cecilia Rodrigo puntualiza: "'El concierto de Aranjuez' es un fenómeno excepcional. Mi padre solía decir: si yo supiera qué tiene, habría encontrado la piedra filosofal". De hecho, se toca en todo el mundo y recibe "innumerables" peticiones para versionarla: desde Il Divo, a Andrea Boccelli y, la última, desde Rusia.
"Mi padre lo entendió muy tarde pero al final reconoció que las versiones para el pop dan popularidad a la obra", prosigue la hija del autor, quien insiste en resaltar el resto de piezas del compositor, por ejemplo, sus conciertos para piano o sus muchas piezas sinfónicas.
Y, sobre todo, el repertorio vocal, el que más le gustaba y para el que más escribió, recogiendo la tradición literaria española, desde Alfonso X El Sabio a Juan Ramón Jiménez.
"Pocos compositores han gozado de la popularidad en vida, del reconocimiento y del cariño de la gente como mi padre, que recibió todos los premios; sería muy ingrato no decirlo", recalca la responsable de la fundación, aunque lamenta que "en España no se valora lo nuestro", pues en el resto del mundo Joaquín Rodrigo es mucho más programado que en su país natal.
Cecilia Rodrigo explicó que viajará en febrero próximo a Estados Unidos para participar en un homenaje a su padre en la Universidad de El Paso, cinco días dedicados al autor. EFE