jueves, 28 de enero de 2010

La viola profonda o el sueño realizado de Gerardo Yáñez


Por Ana María Hernández G.

Hacer sus sueños realidad ha sido el empeño del compositor y director boliviano Gerardo Yáñez: nacido hace 56 años en La Paz, Yáñez culminó sus estudios musicales en su ciudad natal, y luego se especializó en composición en la Universidad de Berlín. Entre los sueños concretados está el haber ampliado el registro sonoro de instrumentos autóctonos como el charango, la zampoña y la kena. Sin embargo, el instrumento que ahora presenta y que hizo su debut mundial con concierto propio es la viola profonda, el tenor de los violines, el pasado 14 de enero en la sede de la Filarmónica de Berlín, con la actuación del venezolano Juan Manuel González en la ejecución de este cordófono.
-¿Desde cuándo se viene gestando la idea de un instrumento tenor dentro de las cuerdas frotadas? ¿hay antecedentes de esto en la historia de la música, dentro de las violas da gamba,da braccio, violone, barytone...?
-Es sabido que en la época del barroco tenían las cuatro principales violas de gambas, soprano, contralto, tenor y bajo. Pero estas son de afinación temperada y con trastes como la guitarra, y además de una tesitura bastante más reducida en comparación a los posteriores como el violón, la viola y el cello. Lógicamente han existido bastantes variaciones de violas: viola bastarda, viola de amore, viola pomposa que no se lograron establecer por muchos aspectos, y que van desde el sonoro hasta la forma de concepción musical de las diferentes épocas.
Podemos citar al arpeggione que es en realidad como la guitarra pero en forma de gamba, que quedó casi olvidada por su poca aplicación y el poco repertorio del mismo.
-¿Cómo imaginó el sonido de la viola profonda? a la vez ¿el sonido del instrumento es tal como usted lo había imaginado?
-El sonido no me lo imaginé sino que internamente lo escuché, y después de un análisis recién nace la argumentación teórica primeramente, y la confirmación después de hacer un analisis de "El arte de la fuga"de J.S Bach; y se concreta la falta de existencia del tenor en el actual cuarteto de cuerdas.
-¿Por qué le puso como nombre al instrumento viola profonda?
-En relidad quería ponerle viola profunda en castellano, pero como el italiano es una norma internacional de tradición para el lenguaje musical decidí darle el de “profonda”. Esto significa personalmente para mi “viola del corazón”, es decir, del sentir cálido y profundo del instrumento.
-¿Hay posibilidad de que las orquestas "adopten" la viola profonda en sus secciones de cuerdas y qué partes tocarían entonces? ¿ameritarán las obras orquestales de arreglos especiales o sencillamente se les ubicaría en las segundas filas de los violines o de las violas?
-Logicamente es sin duda posible su aplicación en la orquesta, con ventaja a la viola ya que la Viola profonda cubre toda la tesitura del tenor y la viola, que está solo una quinta debajo del violín. Debe y es su misión llenar la región del contralto. La viola sufrió bastante su posición ya que por su cuerpo y su tesitura tiene que tocar una región que no es la natural ni apropiada. La nueva orquesta del futuro, a mi criterio, tendría que ser conformada por violín, viola, viola profonda y cello. El segundo violín es innecesario pues su color es de soprano y le dió la historia la función de contralto… que no es tampoco su misión y no suena con la plenitud de una viola en región del contralto (segunda voz). El repertorio se podría trasponer, pero en realidad esta conformación tendría que ser ya para obras nuevas, es decir de hoy adelante.
-¿Ameritará alguna técnica de ejecución adicional o basta saber tocar violín o viola para acceder a la viola profonda?
-Lógicamente que necesita tener una carrera independiente, así como el violín tiene la suya y también la viola. La viola profonda tiene propia su tensión de cuerda, su arco, todo de acuerdo y tan independiente como los otros de su familia. Un método al respecto ya se está estructurando.
-¿Qué tipo de cuerdas y de arco usa? ¿igual a la viola o al violín?
-Tiene sus propias cuerdas preparadas y fabicas especialmente para su cuerpo y voz.
-¿Qué otras posibilidades estéticas musicales tiene este nuevo instrumento? por ejemplo para integrar conjuntos de cámara, ensambles de jazz, música contemporánea, neofolclore, etc....
-Todas las posibilidades igual que los otros.
-¿Cuántos intérpretes hay actualmente?
-Hay un par de músicos europeos que ya interpretaron a nivel prueba el instrumento, pero el único solista que está trabjando profundamente la viola profonda es el venezolano Juan Manuel González Hernández.
-¿Cuántos instrumentos hay elaborados?
-Hasta el momento dos.
-¿Quién construye estos instrumentos en el mundo?
-El único constructor es el que me fabricó las dos únicas existentes y radica en la Argentina. Yo no soy constructor, soy compositor y esta necesidad sonora me llevó años a investigar más de ocho años, y es de acuerdo a mis cálculos y medidas que se patentó y que se realizaron las dos primeras violas profondas.
Para su información, le comento que no es el primer instrumento que evolucionó y patentó. Son más de 30 años que llevo, y existen anteriores como por ejemplo la zampoña cromática, la kena cromática, el charango sonko de 13 cuerdas, el piano natural y varias nuevas formas de guitarras. Todos estos anteriores intrumentos me han servido de experiencia para poder aplicar años después los conocimientos para la realización de la viola profonda.
-¿Qué maderas se usan? ¿barnices? ¿hay posibilidad de hacer una especie de viola profonda Stradivari?
-Existen variadas maderas que se pueden utilizar y de principio todas las posibilidades que tiene el violín y en barnices lo mismo. Una viola profonda al estilo Stradivari no es posible, debido que para la adaptación del cuerpo y su relación de de medidas. La V.P tiene su propia estructura básica de medidas y principios acústicos aplicados a su tesitura.
-Hasta llegar al modelo conocido actualmente, ¿cuántos prototipos tuvo que hacer para llegar al tamaño adecuado que se ajustará a sus requerimientos sonoros? ¿cuánto invirtió?
-La verdad en un principio experimenté en cajas sonoras, con las cuales quería primeramente determinar la potencialidad de volumen y tensión de cuerdas.Luego lo hice con dos violas diferentes donde pude determinar la necesidad de tener una caja con más capacidad debido a la necesidad sonora de los bajos. Ya lo hice con otros instrumentos, pues tengo ya unos doce innovados, como las kenas cromáticas, zampoñas cromáticas, guitarrones, guitarra contrabajo, charangos nuevos y otros que algunos estan ya tambien patentados, inclusive un piano nuevo para su toque con afinación natural. Digo todo esto ya que allí y durante muchos años aprendí por la experiencia a calcular la potencialidad de un instrmlento y su aplicación sonora por medio de cuerdas, que me sirvió enormemente para la viola profonda. Es después de los cálculos, por medio del corte de Oro (medida áurea), su proporcionalidad y adaptación al cuerpo del instrumenstista, llegué a la conclusíon de las actuales medidas que en principio parten de la posibilidad física del intérprete y luego recién su adaptación matemática para sus medidas. Debía ser un instrumento tocable, realista que pueda vencer esa barrera que no pudo franquear la viola da gamba, el arpeggioni, la viola pomposa, la viola bastarda, la viola de amor, el cello piccolo o cello de espalda y otras que quedaron postergadas, debido a que su sonoridad y aplicación junto a los otros de la familia del cuarteto clásico no pudieron integrarse, por muchos factores. Pronto los interesados del campo tendrán en nuestra página web (http://www.violaprofonda.com/) una detallada información y tabla comparativa de las diferentes violas y así exactamente ver su diferencia y los pro que trae la viola profonda.Los costos , como compositor independiente, fueron enormes y los he financiado solo con la ayuda de mi familia y mis hijos que radican tambien en Berlín. Sin ninguna ayuda externa y es otro de los factores por los cuales demoró bastante. Solo la fase de adaptación de cuerdas y la fabricación exclusiva para el instrumento me costó mucho. Ya pueden imaginarse aquí en Alemania las fábricas de cuerdas: han tenido que parar a veces su producción para la fabricación de nuevas cuerdas, pues su tensión y los diferentes materiales a probar tomaron tiempo y costos para calibrar sus máquinas para este pedido, aparte de la medición física de las mismas. Ni qué decir lograr hacer construir el prototipo. Con mi familia estamos todavía comprometidos a esto derogues económicos.
-¿Piensa liberar los planos del instrumento para que otros luthieres construyan la viola profonda?
-Todo ahora es cuestión de un poco de tiempo para terminar de recibir algunas resoluciones globales y ver cuál va a ser y dónde la posibilidad de empezar su fabricación. Por el momento estamos en la fase de hacer conocer su color y su indefectible aplicación como tenor para la futura orquesta, es decir, esto está y va a causar una revolución en la misma, ya que primeramente se devolverá a la viola su verdadero lugar de contralto, y la viola profonda establecserse como tenor oficial. Logicamente para nuevas obras y para una nueva propuesta sonora. Una vez pasada esta fase daré las licencias del caso para su fabricación. Y para terminar, digo que negar este sonido sería ser sordo musicalmente. Es inconfundible e incontestable su presencia en su tesitura; y así ya me lo hicieron saber destacados músicos, intérpretes, profesores y entendidos musicólogos, ni que decir el público en general. Especialmente despues del concierto en la sede de la Filarmónica de Berlín.
-Hay quienes consideran que los géneros sinfónicos, para gran orquesta tienen su días contados, ¿está de acuerdo con eso?
-Realmente hay un declinar en la cultura Europea debido y honestamente a que en los últimos 200 años ha aportado enormemente a la industrialización, y lógicamente también en el arte musical. Y me atrevería a decir que están agotados como culturas y son ahora otras las que van a tomar las riendas del latir mundial de la música. En este caso, Latinoamérica se prepara para esta misión, y es la más adecuada por ser el cáliz materno donde se genera una nueva forma de conjugar la multiculturalidad emocional y la diversidad de mezclas que se dan y se dieron en América Latina, como resumen genético y espiritual de los arquetópos del mundo. Ya existen muchas orquestas que siguen siempre repitiendo lo mismo decenas de años, y han creado una ética de museo. A mi criterio, se puede ir al museo una, dos, hasta tres veces al año, pero no todo el año. Creo que los días de compartir la música sinfónica como hasta ahora está llegando a su fin para dar una nueva alternativa a la mayoría, que es el tercer mundo, pulmón cultural de la humanidad. América Latina busca otra más justa y equitativa forma de compartir la vida y un verdaro replanteamiento de la política en todo sus quehaceres.
Mi opinión es que Venezuela, con Gustavo Dudamel y el trabajo de 30 años con las escuelas de allí, han comprobado que se puede llegar al nivel de las orquestas europeas. ¿Y después? ¿Seguiremos repitiendo el modelo? Veo y sé que no es necesario. Debemos ahora nosotros buscar nuevos derroteros para el mundo musical, sin olvidar las bases culturales de cada pueblo y su multiculturalidad.
(En la fotografía superior, el ejecutante venezolano Juan Manuel González interpreta la viola profonda. En la fotografía inferior, el maestro Gerardo Yáñez)

lunes, 11 de enero de 2010

Savall denuncia con "El Reino Olvidado" el genocidio de los cátaros




Crónica de Javier Alonso (Agencia EFE)

Carcasona (Francia), 11 ene (EFE).- La brutal represión contra los cátaros hace ocho siglos en lo que ahora es el sur de Francia, inspira la denuncia de ese "genocidio espiritual" en la obra "El Reino Olvidado", que el músico Jordi Savall interpreta hoy de nuevo.
Savall calificó así la matanza de miles de personas, enviadas a la hoguera, en el territorio conocido como Occitania, un suceso histórico prácticamente olvidado para el gran público y que recupera en una obra que interpretó el pasado sábado en Carcasona y hoy en Blagnac, cerca de Toulouse (sur de Francia).
"Fue una exterminación brutal de una sociedad que pensaba el cristianismo de otra forma, fue un genocidio espiritual", explicó a EFE Savall (Igualada, 1941) después de un exitoso estreno en territorio francés (Carcasona) de "El Reino Olvidado. La tragedia cátara. La cruzada contra los albigenses".
La de Blagnac es la segunda interpretación en Francia de la obra, que cuenta con la intervención de Montserrat Figueras, el contratenor Pascal Bertin, el tenor Lluís Vilamajó, el barítono Furio Zanasi y los componentes del conjunto vocal La Capella Reial de Catalunya y los instrumentistas de Hesperion XXI.
"Lo que hemos hecho es explicar lo que fue este 'reino olvidado' hoy en día, una cultura muy avanzada para la época de un medioevo oscuro", aseguró Savall sobre esta obra, que tuvo su estreno mundial en Barcelona el 16 de diciembre y que llegará a París (Cité de la Musique) en 2011.
Savall y Figueras quisieron aprovechar que en 2009 se cumplían 800 años de la cruzada contra los cátaros -una corriente herética dentro del cristianismo que encontró la frontal oposición del papado y de reyes de la Corona francesa y catalano-aragonesa- para redescubrir episodios apenas contados.
"En esa epoca la Occitania era un punto de luz, porque tenía un concepto tolerante de la vida y de la cultura", comentó Savall, quien recordó cómo los nobles se hacían representar con una espada en una mano y una viola o un laúd en la otra para demostrar su compromiso con la música.
"Para nosotros también es una ocasión de recordar la capacidad de amnesia que tiene el ser humano, porque lo que pasó se ha repetido en toda la historia", afirmó Savall.
Aquel fue un suceso que se descubre constantemente, la utilización de la excusa de la "cruzada" para someter a poblaciones enteras, como ocurrió con la España de Franco y su "cruzada" contra el comunismo, la de los nazis en Checoslovaquia con la invasión de los Sudetes, o "después con Vietnam y con Irak, a propósito de las armas de destrucción masiva", contó Savall.
Desde el punto de vista de la reconstrucción histórico-musical, "El Reino Olvidado" plantea un reto, y de importancia, porque "las músicas que existen de esta época y que se conservan no son más que 10 por ciento del total de las 2.500 canciones de trovadores".
Se trata de unas 250 melodías y por ello, para construir una historia como la de Savall y Figueras, se ha debido acudir a otras para poner música a textos que están incluidos en la narración de los trágicos sucesos de la Cruzada contra los Albigenses (1209).
Savall explicó que cada interpretación de la obra -editada en forma de disco-libro con tres discos y una duración de cuatro horas- será diferente en cada caso, porque la improvisación resulta clave, lo que ocurrió también durante la grabación.
Y ello tiene que ver con la época en la que se compusieron aquellas canciones, "en la que el cantante y el músico tienen mucha libertad porque la melodía está escrita en un sistema como el del canto gregoriano, donde el ritmo no está fijado de una manera absoluta".
"La palabra es la que da el sentido del ritmo", agregó Savall, quien destacó que "esto es lo que daba a esta música este aspecto moderno (...) Es una música antigua pero que, al mismo tiempo, se ha creado en el momento, lo que le da una frescura y modernidad".
Y con estos dos conciertos en Francia, Savall reconoció que vive un momento emotivo: "Lo es poder hacerlo en el corazón de lo que fue la Occitania (...) y en una región que ha sido cultural y socialmente olvidada también, porque aquí nadie se ha preocupado de decir nada" sobre aquellos trágicos sucesos.
"El Reino Olvidado" reivindica tanto a los cátaros como la lengua occitana -empleada en la obra-, emparentada con el catalán y hablada por unos dos millones de persona, en una situación "muy mala", dijo el músico en relación con su falta de reconocimiento como "lengua esencial". EFE

domingo, 3 de enero de 2010

Con Alirio Díaz, el más emblemático

El reciente Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz, en su XV edición dio como ganador al italiano Ricardo Calogiuri (en la foto con el maestro), quien compartió el primer lugar con el mexicano Daniel Olmos. En el tercer premio, el venezolano José Luis Lara fue quien se alzó con la presea.
Como la encuesta sobre quién es el guitarrista más emblemático de Venezuela se cerró, y dio como resultado al maestro Díaz, con 55% de aceptación, vale la pena rendirle un pequeño homenaje al primer músico en la historia del país que le dio un tinte universal al país: con su guitarra y el repertorio venezolano por delante, dio a conocer la riqueza musical venezolana por los más exigentes escenarios del mundo. Algo que hoy en día causaría extrañeza, ya que los jóvenes del Sistema de Orquestas liderado por el maestro José Antonio Abreu han colocado al país en el tope de la fama en cuanto a música se refiere. Pero pensemos que en los años 60, 70, 80 y buena parte de los 90, fueron el compositor Antonio Lauro y el maestro Díaz. Así que tiene merecido el lugar que los asiduos a este blog le han adjudicado a Alirio Díaz como el más emblemático de los guitarristas venezolanos.