Ana María Hernández Guerra. Guitarrista

Capricho Arpeado de Gaspar Sanz

2011-12-18T10:58:00.000-04:30

La Música en el Periodismo o el Periodismo Sonoro

2011-10-28T14:33:00.001-04:30

(Ponencia presentada el viernes 28 de octubre de 2011, en el evento III Musicando con los Maestros, organizado por la Universidad Pedagógica Experimental Libertador, Instituto Pedagógico de Miranda Siso Martínez)

Por Ana María Hernández G.

Las noticias musicales en nuestro país tienen larga data. Vale la pena introducir esta intervención citando dos estupendos libros que registran cómo nuestra Tierra de Gracia, Venezuela, ya era un escenario de eventos musicales: el de la profesora Mariantonia Palacios, Noticias musicales en los cronistas de la Venezuela de los siglos XVI-XVIII. Una coedición de la Fundación Vicente Emilio Sojo y el Fondo Editorial de Humanidades y Educación de la Universidad Central de Venezuela; y la tesis de grado de Vince de Benedittis, Presencia de la música en los relatos de viajeros del siglo XIX, editado por el Fondo Editorial de Humanidades y Educación.

El periodismo del siglo XIX registra una amplísima actividad musical en nuestro país, no solo con la presencia casi omnipresente del piano en las casas, sino también con representaciones, soirées, visitas de músicos e intérpretes de importancia. Así lo han registrado valiosos periódicos como El Zancudo, El Cojo Ilustrado, El Federalista, y muchas publicaciones más.

Ya en el siglo XX, con la presencia de importantes escenarios como el Teatro Municipal, el Nacional, los teatros regionales se registra una actividad también, nada desdeñable, y así lo demuestra la prensa de entonces.

Viendo hacia atrás todo ese vasto, vastísimo panorama, uno queda como sin aliento cuando asume la tarea de cubrir periodísticamente los eventos musicales, especialmente cuando en los diarios del siglo XX hay una abundante información y tradición al respecto: columnistas como Alejo Carpentier, Rhazés Hernández López, José Antonio Calcaño, Israel Peña, Daniel Salas, Gustavo Tambascio, Javier Sansón, María Isabel Brito Stelling, entre muchos otros dejaron su impronta, sus comentarios, sus críticas. Periodistas como Lorenzo Batallán, Mara Comerlatti, Zayira Arenas, Chefi Borzacchini, Jaime Bello León, José Pulido, Efraín Corona, Moraima Guanipa, Carlos Mollejas, Ángel Méndez, Lil Rodríguez, Germán Alirio Luna Chacón, Omar Khan, Milvia Piazza, y otra legión más, entre quienes me incluyo, hemos pasado revista al amplísimo acontecer musical de nuestro país, en los últimos sesenta años.

Y es que la actividad musical en nuestro país siempre ha estado a la altura de las circunstancias. Mencioné el siglo XIX y su pianismo; y la prensa de ese entonces reflejó el buen gusto de los venezolanos de entonces, quienes aunque estaban sumidos en una vorágine sociopolítica violenta, con la guerra federal y las guerras intestinas; siempre demostraron mucho interés por la música: gracias a las versiones para piano a cuatro manos divulgadas por la prensa de entonces, los venezolanos tuvieron acceso al repertorio universal.

En el siglo XX, la actividad musical del país creció aun más. Venezuela entra de lleno en el concierto de las naciones, bien por su renta petrolera o la fama de su café y cacao. En 1930, Vicente Emilio Sojo funda la Orquesta Sinfónica Venezuela y el Orfeón Lamas. Se inicia igualmente con el maestro Sojo y sus colegas una sólida estirpe de músicos que le darán brillo a la música en el país. Por otra parte, los esfuerzos de los etnomusicólogos le dan al país un enorme acopio de información sobre géneros, formas, ritmos, tradiciones que solamente estaba en posesión de sus cultores. Todos estos eventos fueron ampliamente reseñados en la prensa de entonces, con detalle y prolijidad.

Para los años setenta, aparece la Orquesta Juvenil de Venezuela bajo la batuta de José Antonio Abreu, y de esos años a la actualidad, la historia es conocida. Mucho centimetraje en prensa se le ha dedicado, incluso desde distintos frentes: a favor o en contra del movimiento, ya que desde su aparición siempre fue controversial. Hoy en día la controversia entre los músicos se ha atenuado, no digo que haya desaparecido. Se ha atenuado, quizá debido a que más del 80 por ciento de los músicos activos de la actualidad se formó en el movimiento orquestal del maestro Abreu. Tampoco se puede desdeñar los esfuerzos del fundador del sistema por llevar su proyecto a un sitial prácticamente por encima del bien y del mal, y los resultados están a la vista.

En lo que a mi modesta experiencia se refiere, no puedo decirles que ante todo este panorama anteriormente descrito, la cuestión haya sido fácil… Las personas suelen pensar que cubrir cualquiera de las fuentes culturales es fácil. Suelen verlas como la parte light, rosa, divertida de la vida. Es más divertido ir a cubrir un concierto sinfónico o un recital de música de cámara o de música que ahora llaman neofolclórica que ir a cubrir una rueda de prensa de la Mesa de la Unidad Democrática, o más fácil que pagar plantón en el salón del televisor en la Asamblea Nacional esperando una primicia.

Eso es lo que se ve en la superficie. En el fondo, somos los mismos seres humanos generando información y con la expectativa de ser tomados en cuenta por un medio de comunicación que divulgue lo que hacemos, sea o no noticioso.

En el contexto de las noticias, del quehacer diario informativo, en Venezuela nos topamos con una realidad muy, pero muy cruda: desde los años sesenta aproximadamente, se produce mucha más información cultural que de otro tipo. Sin embargo, el espacio que ofrecen los medios de comunicación, tanto impresos como audiovisuales, y ahora, digitales, es mínimo.

Baso mi afirmación en lo siguiente: en los años sesenta, producto de todas las circunstancias que vive el mundo, América Latina, nuestro país Venezuela, se comienza a dar preponderancia a lo cultural. En Venezuela el interés probablemente no haya sido cuestión de política de Estado, sino consecuencia de todo lo que se venía produciendo culturalmente hablando: en el campo de la música, ya hablamos del movimiento de Vicente Emilio Sojo, la difusión enorme de la música latinoamericana y venezolana por parte de la Orquesta Sinfónica Venezuela; los esfuerzos de los amantes y cultores de la música popular por difundir sus creaciones. En el campo de la literatura, la creación del Premio Rómulo Gallegos, la obtención del Premio Seix Barral por parte de Adriano González León con su novela País Portátil. En la cinematografía, la cantidad de producciones de rasgo y signo distintivamente social. En el teatro, la llegada al país de una importante cantidad de dramaturgos y teatreros españoles, argentinos, chilenos, uruguayos, que aportaron su buena dosis de arte. Y en el campo periodístico, la puesta en marcha de un proyecto que sin duda catapultó y motivó a esa efervescencia cultural: las páginas culturales del diario El Nacional, un proyecto personalísimo de su fundador, el escritor Miguel Otero Silva. Hubo esfuerzos en otros diarios que no quisieron quedarse en la retaguardia, y asumieron en pleno el reto de convertirse en la competencia, como El Diario de Caracas, El Universal, y, posteriormente, Economía Hoy, El Globo, así como otros diarios que comenzaron a darle un pequeño espacio a lo cultural, entre los que se encuentran El Nuevo País, 2001, El Mundo, Ultimas Noticias… La prensa regional también supo darle espacio a ese movimiento cultural, y no podemos dejar de mencionar a Panorama, El Carabobeño, El Impulso de Barquisimeto, El Tiempo de Puerto La Cruz, El Siglo de Maracay, y otros más.

Estos hechos, y muchos otros más, le dieron al país el motivo y la base para forjar un movimiento cultural importante, movimiento que ameritó la cobertura periodística. En este punto, no podemos tampoco dejar de mencionar el enorme trabajo que llevó a cabo el periodista Nabor Zambrano y su Formato Libre, el primer periodista de cultura que comunicaba el quehacer artístico a través de la televisión.

En este instante, debo decir que los periodistas de cultura agradecemos siempre la existencia de hechos culturales que debemos comunicar: a veces son los cultores, músicos, artistas, escritores los que nos agradecen, pero el agradecimiento es mayor de esta parte, sencillamente porque sin ellos, los periodistas no tendríamos nada que informar. Y vaya que es difícil escoger con qué abriremos las páginas culturales: es muchísima y abundante la información, y poco, poquísimo, cada vez más escaso el espacio que nos dan para la cobertura. Y esta ecuación tampoco nadie la entiende.

Recalco este punto, el de la ecuación, porque los periodistas de cultura solemos ser el blanco de los reclamos, injustos muchas de las veces: por qué no me entrevistaste, por qué no me reseñaste el concierto, qué pasó que no salió la nota del disco, por qué a Fulano le diste más espacio que a mi, por qué a Perencejo lo has entrevistado más de dos veces y a mi ni me paras. O el tradicional ¿cuándo sale la nota?

Aprovecho mi posición aquí para alegar mi defensa y la de mis colegas periodistas de cultura. El primer punto es el del espacio o el tiempo. Ante la avalancha informativa, la competencia por cuál es la información que debe publicarse es muy grande, y por desgracia termina perdiendo el que menos proyección o menos fama tiene. A veces, incluso, resulta hasta desgraciado para nosotros los periodistas, ver con tristeza cómo una información nacional va a la papelera de la computadora (porque ahora no desperdiciamos papel) por culpa de una información internacional que la mayoría de las veces suele ser escandalosa. La última borrachera de Amy Winehouse, en paz descanse, le cortó espacio a una reseña de un concierto nacional, por ejemplo. O los caprichos de Paris Hilton le restan importancia al reciente disco de una agrupación venezolana. Estos imponderables son el resultado de una errónea política editorial, y hablo de la prensa nacional en general, no de algún medio en particular, política editorial según la cual se publica lo que a la gente le gusta… Este error lo venimos arrastrando desde los inicios de la era industrial: ¿esto se produce, se divulga porque a la gente le gusta? ¿o a la gente le gusta lo que se produce o se divulga por culpa de tanta y tanta repetición?

Pueden ver ustedes que la competencia para los artistas, para los músicos es feroz. Suele haber una necesidad grande para ganarse el favor del periodista, y en ese afán se suele cometer un error garrafal: ofrecerle prebendas al periodista con la creencia de que así sí será beneficiado. Esto, mis queridos y atentos estudiantes, es un craso error. A los periodistas les paga su sueldo el medio de comunicación para el cual trabajan, y en Venezuela, ese pago extra y bajo cuerda, que se llama palangre, es un soborno, un delito a la ética periodística. Así que, sepan, músicos, que si algún periodista los soborna para publicarle la nota, o piensan que deben pagarle al periodista para que les publique, estarán contribuyendo con un delito.

El segundo punto es el tiempo con el que se le envía la información al periodista para su publicación. Cuando se trata de un concierto o un evento puntual, hay que tomar en cuenta la competencia feroz de la que he hablado. Así que cuanta más antelación tenga el envío de la nota, más garantía habrá de que se publique. Tampoco tanta antelación, pero tampoco de un día para otro. Con una semana de antelación es suficiente, para que el periodista considere su importancia y su inclusión en una agenda de actividades, por ejemplo, y hasta considere eventualmente una entrevista.

Otro aspecto interesante es el afán de la entrevista. No se le puede cumplir a todos con esta exigencia o anhelo, porque a veces el motivo de la entrevista no es lo suficientemente sustentable como para justificarla. ¿Qué justifica una entrevista? Lo novedoso, lo impactante. Lo rutinario jamás es motivo de una entrevista, salvo que haya algo que salte a la vista.

Entre conciertos y discos, el concierto muere el día de su presentación, a menos que sea un ciclo, una temporada. El disco no muere, pues al igual que el libro, siempre estará en el anaquel de la tienda dispuesto a ser adquirido por el público. Esta es la razón por la que los periodistas nos guardamos los libros y los discos para reseñarlos con calma y para darles el tratamiento que se merecen.

El periodista suele planificar su trabajo lo mejor que puede. Así, esperamos los periodistas que los músicos nos notifiquen en qué andan, qué están haciendo, qué planean hacer. Cuando ustedes no nos lo comunican, levantamos el teléfono, mandamos un email, los visitamos, rondamos sus páginas web, sus amistades, sus managers para saber qué hacen, en qué andan, cuántos años cumplen, cómo están las cosas. Así producimos el insumo diario para nuestras páginas. Los trabajos rutinarios de los músicos, esto es conciertos, giras, composiciones, discos, proyectos, los reflejamos en notas breves, pequeñas entrevistas, textos cortos o medianos.

El centimetraje suele aumentar cuando el artista obtiene un premio, hace algo extraordinario, o, lamentablemente, muere. Es entonces cuando el artista cuenta con un espacio mayor. A veces también funciona con la insistencia por parte del artista o del manager hacia los jefes de los periodistas. No sabemos si en esas alturas hay o no sobornos, lo cierto es que se dan casos de lobbies que se hacen, invitaciones, convenios, etc., que redundan en beneficios para los artistas con espacios extra en los medios. Ojo, nada para el periodista, lo confirmo.

Otra manera como aumenta el centimetraje hacia los artistas, los músicos, los escritores, es cuando los periodistas nos proponemos un trabajo especial. Es lo que los periodistas llamamos reportaje o trabajo especial. En ese caso, nos planteamos un tema, y luego buscamos la consulta, el análisis, el punto de vista del músico, del artista. Muchas veces, yo diría que la mayoría, los personajes consultados suelen confundir este tipo de trabajo con la entrevista. A veces llamamos a varios músicos, por ejemplo, para hacer un trabajo, supongan, sobre la industria discográfica en Venezuela, y el personaje consultado suele creer que se le ha llamado para hacerle una entrevista exclusiva, y eso no es así. De allí vienen a veces los reclamos y hasta enemistades, porque hay confusión. Cuando nos planteamos ese tipo de trabajo, lo que se persigue es hacer un análisis o un diagnóstico de una situación, poner en claro algún problema o formular una denuncia.

Dejo para la última parte el álgido tema de la crítica. Álgido porque nuestro país adolece de un gravísimo problema: a nadie le gusta la crítica, nadie acá soporta que lo critiquen, con o sin fundamento. Crítica constructiva no existe, esa es una falacia, o, mejor dicho una hipocresía. Claro, en el campo de la música, añoramos los textos críticos de un Rhazés Hernández López, de un Israel Peña, de un Daniel Salas… y ustedes podrán preguntar qué pasa ahora, por qué no se hace crítica musical en la actualidad. Y yo les respondo, porque no se les paga a los colaboradores. La crítica es un trabajo, y vaya que es de los más delicados. El crítico debe comprar su boleto, adquirir su disco, ir por sus propios medios a las presentaciones. No puede esperar y no sería ético de su parte, esperar que el grupo de música, el intérprete o el manager lo invite al concierto. No. Debe escoger qué es lo que va a ir a escuchar y trasladarse por sus medios. De ese modo garantiza que su juicio no tendrá el tamiz del favor, del échame una manito, del hazme el favorcito. Si el medio de comunicación no le paga al crítico por su trabajo, ¿cómo se espera que lo haga? Si el medio de comunicación no le paga el boleto, no le compra el disco, ¿cómo se espera que el crítico produzca un texto?

Si por casualidad todos esos gastos están cubiertos, viene entonces la aceptación de la crítica. Por desgracia, estamos acostumbrados a perdonarnos entre nosotros las faltas. Yo, como músico, sé lo duro que es pararse en ese escenario y ver al público con cara de expectativa, con rostro de dame tu alma a cambio de mi aplauso… y sé lo que es tener los nervios de punta. Sé lo que se siente cuando la música fluye dentro del propio cuerpo y trasciende hacia el auditorio, y uno siente que no es uno mismo sino el vehículo de algo superior, algo majestuoso. Uno se siente portador de un mensaje sublime, y en esa sensación hay una especie de conexión con la divinidad, que justamente culmina con la coda y el aplauso que arranca por parte del público. Entonces, ¿cómo es posible que venga un hijo de vecina cualquiera a quitarle a uno esa gratísima sensación de conexión con lo divino? Bueno, sencillamente porque uno se ha expuesto al público. Exactamente como estoy yo aquí, en este momento ante ustedes. Estadísticamente hablando, la mitad de ustedes están interesados en mi disertación. La otra mitad no, y de esa mitad unos cuantos han migrado, en persona o en ensueños. Es imposible que uno le agrade a la totalidad de la gente, y cuando en los conciertos ustedes ven que eso es lo que ocurre, en realidad lo que pasa es que un fenómeno de histeria colectiva se adueña de los presentes, se conectan de modo chamánico y, lejos de presenciar un concierto, presencian un ritual, un exorcismo. Por eso, la actitud del público ante el concierto de música académica es diferente, es como más intelectual, mientras que ante el concierto de música popular o música mediática es chamánica. Es un problema de para qué yo oigo la música, si para mi deleite personal, para exorcisarme, para olvidar mis penas o para darme un barniz de cultura. Hablar, escribir sobre eso y delatarlo a los ojos de los protagonistas del concierto es duro. Muy duro, y hay que tener estómago y preparación para aceptar la crítica.

Para decirles adiós, mis queridos músicos, estudiantes, amable auditorio, quiero dejarles sembrada una inquietud desde mi modesta posición de periodista cultural: la formación del público. A lo largo de los veinte años que llevo cubriendo la fuente de música, veo con gran preocupación la distancia que existe entre la producción musical y el público. Venezuela es música y así se demuestra a diario. Sin embargo, salga usted ahorita mismo a la calle, párese en la acera y diga "música", y en la mente de quien lo haya escuchado se habrá formado la imagen de un reguetón, mediocre y simplón. En nuestro país no nos hemos preocupado por la formación del público, y no basta con la mera difusión por prensa de lo que ustedes, músicos, hacen. Hace falta algo más. Así que aprovecho que estoy en medio de los profesores de música para exhortarlos a que dediquen buena parte de sus esfuerzos a la formación del público. Sí, no importa que la gente se menee al son del reguetón, vale, pero que también sepa apreciar un buen corrido, un buen joropo oriental, unos cantos de velorio, o un concierto de música académica, una sinfonía, una ópera.

Venta de instrumentos

2011-08-31T10:49:00.000-04:30

Estoy vendiendo estos instrumentos. El primero es un teclado eléctrico, Casio CTK-200. Cuatro octavas, 100 tonos (timbres) distintos, 40 melodías precargadas. No es midi, pero viene con fuente de poder, parales de soporte, estuche acolchado. Todo en Bs. 1000.

El segundo instrumento es una magnífica bandola llanera, de cuatro órdenes simples, ocho trastes, realizada en 1999 por Alejandro Arzola Pariará, de San José de Guaribe (Edo. Guárico). También viene con estuche acolchado, aunque en este caso, es un estuche de guitarra, pero la protege muy bien. Su precio es de Bs. 750.

Los interesados, pueden escribirme a guitarrista62@hotmail.com o llamarme al teléfono 0412 232 32 20. Muchas gracias.

Tratados del barroco hispánico

2011-08-03T11:59:00.000-04:30

Muchos han sido los autores que nos aportan valiosa información sobre la música del pasado hispánico, lo cual redunda positivamente hacia la manera como se hacía la música en el pasado latinoamericano: pasacalles, folías, gallardas, sarabandas, chaconas, batallas, españoletas, canarios, entre otras formas; dejan su delicioso perfume en la génesis de nuestras músicas populares.

Sobre el estado de este tipo de investigaciones en nuestro continente, hay dos noticias (como siempre), una buena y una mala. La buena es que nos hemos dado cuenta de que hay mucho por investigar, que prácticamente todo está virgen, y que hay muchos estudios que están en proceso, algunos concluidos, otros en revisión. Eso es excelente. La mala es que casi no hay fuentes, y que muchas de las investigaciones hay que guiarlas mediante metodologías cualitativas, mediante la hermenéutica histórica; ya que el hallazgo arqueológico, exactamente como tal, no lo tenemos. Por ejemplo: guitarrillas o guitarras renacentistas, lamentablemente no tenemos ninguna original a la mano. Al menos hasta este momento. Nadie -en todo el mundo- ha encontrado alguna, y las que hay, las réplicas que tenemos, han sido construidas por ensayo y error, mirando la iconografía existente, y estudiando a fondo los tratados renacentistas que quedan.

Por los momentos, las investigaciones, como mencioné, continúan dando frutos. Esperemos que en unos 20 años, los estudiantes de este lado del mundo puedan contar con una historia de la música bastante sólida, y que no solamente se circunscriba al estudio de la historia de la música centroeuropea.

Décima de Santiago de Murcia

2011-06-08T11:24:00.000-04:30

Obsesión por encontrar datos, indicios, conexiones documentales entre la música del barroco español y las músicas populares venezolanas. Tengo la nariz metida en los tratados de los autores barrocos, y he aquí un segundo poema. Se trata de una "Décima" escrita por Santiago de Murcia, y contenida en el célebre manuscrito conocido como "Códice Saldívar", fechado cerca de 1732 y hallado en México. He allí, pues:

Décima

Será al mostraros la Ciencia
mi pauta la claridad
la mínima mi humildad
el puntillo mi conciencia
y mi asistencia oportuna
el tiempo sin pausa alguna
y espero pongáis Señor
la clave en vuestro favor
la mudanza en mi fortuna.

Vean cómo Murcia glosa los elementos de la música y los convierte en poesía pura. Una belleza!

La guitarra al lector

2011-06-04T23:52:00.001-04:30

La guitarra al lector es un soneto escrito por el tratadista del barroco español Joan Carles Amat, y que está en su libro Guitarra española, y vandola en dos maneras de guitarra, castellana, y cathalana de cinco Ordenes, la qual enseña de templar, y tañer rasgado, todos los puntos naturales, y b, mollados, con estilo maravilloso (c. 1761).

Yo soy aquella que todo lo canto,
soy reina de los tonos delicados,
soy la que alegro a todos los estados,
y soy la que condena al triste llanto.

Yo tengo cinco hijos, que entre tanto
que van por mis jardines, y mis prados,
concierto juegos tan regocijados,
que al mismo Febo a veces doy espanto.

Si quieres ver (lector) la gallardía
que Carlos me dio estando yo en su guarda
gusta los caldos que da su cuchara.

Verás que soy galana, guarda, guía,
graciosa, gala, gracia, gallarda,
gustosa, general, grata, guitarra.

La herencia del barroco hispánico en la música folklórica venezolana

2011-05-03T11:36:00.000-04:30

A raíz de mis estudios de la maestría en Musicología en la UCV, estoy investigando sobre la conexión entre la música barroca española y nuestros géneros populares. Por los momentos levanto toda la información posible, sobre todo teórica, y luego me iré al campo a reaprender a tocar el cuatro. Toda una experiencia.

"Pasión, porte y picardía": Concierto del Ensemble Décimo Nónico

2011-02-15T08:27:00.000-04:30

El próximo sábado 26 de febrero, a las 3:00 p.m. en el Casco Colonial de Petare, se llevará a cabo el concierto del Ensemble Décimo Nónico, cuya información reproducimos a continuación:

En el marco de las celebraciones en torno al 390 Aniversario de Petare

EL ENSEMBLE DE CÁMARA DÉCIMO NÓNICO
interpreta el recital

PASIÓN, PORTE Y PICARDÍA

Canciones y Danzas de Europa y América en la Capilla de María Magdalena del Casco Histórico de Petare

Con una estupenda selección de obras maestras del Romanticismo Nacionalista venezolano, norteamericano y español se presenta este 26 de febrero el ensamble de cámara DÉCIMO NÓNICO, una agrupación que integra talento, juventud y veteranía en partes iguales y que aspira a redefinir la experiencia de escuchar interpretaciones históricas. El insólito talento de Andrés Barrios, la juventud de Luis Felipe Santos y la veteranía de Bartolomé Díaz se combinan en un trío que, seguramente, retará muchos de los mitos que tradicionalmente se vinculan a la música del pasado y a las ejecuciones históricamente correctas.

Bartolomé Díaz, Director Musical, investigador e intérprete de la Guitarra Romántica en la agrupación comenta: “He estado vinculado a la interpretación de instrumentos históricos durante gran parte de mi vida profesional. Décimo Nónico es, a la vez, un pasaporte al extraordinario repertorio del Romanticismo, tan crucial para nuestra identidad musical, y una propuesta artística que pretende demostrar que la interpretación histórica no tiene porqué ser acartonada, almidonada, apolillada ni estática: nuestra meta es conmover al público con interpretaciones vivas y humanas de obras que poseen hasta dos siglos de historia pero que, a nuestro criterio, están a flor de piel de todo venezolano con sensibilidad.”

El próximo sábado 26 de febrero la agrupación se presentará en la exquisita acústica natural de la Capilla de María Magdalena (El Calvario), ubicada en la Calle Guánchez, en pleno casco colonial de Petare. Para tan especial ocasión la agrupación nos propone el programa Pasión, Porte y Picardía, un maravilloso recorrido a través de canciones y danzas románticas de Venezuela, España y Norteamérica. Destacan particularmente las obras instrumentales y vocales de Federico Vollmer, José Ángel Montero, Dionisio Aguado, Scott Joplin, Luigi Boccherini y Manuel García. Juntas estructuran un programa donde el virtuosismo, la gracia y la elegancia se revisten de maravillosa picardía y auténtica emotividad. El recital, pautado para las 3:00pm, se enmarca en el Bulevar Petare, evento principal de participación cultural en las celebraciones conmemorativas del 390 Aniversario de Petare, desarrollado por la Alcaldía del Municipio Sucre a través de la Fundación José Ángel Lamas y la Dirección de Cultura de la municipalidad, con el apoyo del Museo de Arte Popular de Petare Bárbaro Rivas. La entrada al concierto es libre y gratuita.

DÉCIMO NÓNICO es:

Andrés Barrios / Clarinete, Voz y Castañuelas

Conocido sobretodo por ser miembro del célebre trío Los Hermanos Naturales, Andrés Barrios es uno de los artistas más completos y polivalentes de la actualidad. Su notable desempeño como compositor, clarinetista y cantante tiene una maravillosa contrapartida en sus talentos poéticos, pictóricos, gráficos y actorales.

Luis Felipe Santos / Guitarra Romántica y Voz

Odontólogo de profesión, Luis Felipe Santos se formó como guitarrista bajo la tutela de Bartolomé Díaz. También ha estudiado fabricación de instrumentos pulsados con Gonzalo Pieters e interpreta una Guitarra Romántica construida por sí mismo.

Bartolomé Díaz / Guitarra Romántica, Voz, Versiones y Dirección Musical

Con una larga experiencia internacional como intérprete de instrumentos punteados antiguos y como pedagogo especializado en interpretación histórica, Bartolomé Díaz se desempeña como Director de Cultura de la Universidad Metropolitana. Concibe a Décimo Nónico como un vehículo para investigar repertorios que le atañen profundamente e interpretarlos en muy buena compañía.

Claude Bolling y la guitarra

2011-01-27T13:18:00.001-04:30

Hace muchos años, creo que a principios de los ochenta, descubrimos a Claude Bolling, un autor francés, compositor y pianista de jazz. En aquellos lejanos días, Sabana Grande y Chacaíto albergaban toda suerte de tiendas, entre la polvareda que suponía la construcción de la línea 1 del Metro de Caracas. Entre esas tiendas no podemos dejar de nombrar Musical Magnus, una maravillosa librería y tienda de música en la que se podía encontrar prácticamente de todo. Con Magnus cohabitaron (allí y en otras partes de la ciudad) otras tiendas emblemáticas, como Piña Musical (todavía sobreviviente), Casa Yobers, Musikalia, Mülhbauer... hasta que el régimen cambiario y la desaparición del dólar a 4,30 hicieron que los dueños de esos establecimientos "huyeran" del país (otros quedaron, otros abrieron, como Allegro). Pero esto es tema de otro post en el que se podría destacar que mientras en los 80 florecía el movimiento musical venezolano, en todas sus dimensiones y géneros, las tiendas y librerías musicales iban en franca desaparición.

Pero volvamos a Bolling. Su música resulta interesante porque combina los elementos del jazz con ciertos ingredientes del barroco de Bach, particularmente. La ilustración alude al Concierto para Guitarra y Jazz Piano, una obra en siete movimientos que evoca, sin duda alguna, al Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo. Alexander Lagoya, guitarrista egipcio de padre griego y madre italiana, fallecido hace ya más de una década, fue el primer intérprete de esta obra.

El concierto transmite unas cadencias interesantes, y mezcla compases diversos, como el 10/8, o compases a 7 tiempos, o introduce cambios drásticos en la rítmica, lo cual le da colores y texturas a la música de una complejidad variada. Lamentablemente, a pesar de que el score se consigue con relativa facilidad (¡hoy Amazon o Sheetmusicplus le acercan a uno cualquier cosa!) no es una obra que se toque con frecuencia. De hecho, en Venezuela se ha tocado no más de cinco veces a lo largo de los treinta y tantos años que tiene de compuesta esta suite, y con el auge que el jazz ha tenido en el país.

En cuanto a la parte de la guitarra, Bolling permite que el intérprete se luzca con brillantez y siempre dentro de los parámetros de la interpretación "clásica" o técnica, mientras que el pianistas forzosamente tiene que ser un buen intérprete del jazz, porque de hecho, en la partitura del piano se marcan extensos momentos para la improvisación.

Sin duda una obra que merece la pena escucharse y ejecutarse, y que por algún motivo, cada vez que esta cronista la escucha, evoca aquellos momentos de polvareda entre Sabana Grande y Chacaíto. Sí, ciertamente en esos años no existían el MP3 o el iPod, pero sí había el reproductor a cassette de alta fidelidad, y por ahí anduvimos entre los escombros con los audífonos pegados aprendiendo de memoria una música que cabalga entre los esquemas "clásicos" y el jazz.

¿Evolución?

2011-01-11T15:29:00.001-04:30

En la imagen tenemos a dos de los primeros instrumentos que llegaron a Venezuela por la vía de Nueva Cádiz, en Cubagua, hacia 1529. El de arriba o a la izquierda, es la guitarrilla o guitarra renacentista, también conocida como vihuela vulgar; mientras que el más grande es la vihuela o vihuela de mano (entre los que necesitaban distinguirla de la vihuela de arco).
La guitarrilla tiene cuatro órdenes y es el instrumento que "evolucionó" (como le tengo alergia a este verbo, lo meto entre comillas) hacia la guitarra moderna, la que conocemos hoy en día; mientras que la vihuela dejó de tocarse o entró en desuso hacia finales del siglo XVII. Mucha gente piensa que la vihuela se convirtió después en guitarra, pero eso es un error. Lo que sí ha ocurrido es que el repertorio para la vihuela ha permanecido hasta la actualidad entre los guitarristas, y de hecho, todavía hoy en día, es de estudio obligado y es repertorio obligado hasta en concursos prestigiosos. Las obras de Luis de Narváez, Diego Pisador, Enríquez de Valderrábano, Alonso de Mudarra, Miguel de Fuenllana y Luis Milán continúan viviendo entre los dedos de los ejecutantes modernos.
Sin embargo, es curioso que la música para guitarrilla apenas se conozca entre los ejecutantes actuales, y si eso es así, el arreglo más cómodo que le hacen es doblar el bajo cambiando la afinación de la sexta cuerda hacia el re grave.
La guitarrilla sí llegó a un punto en el cual el ejecutante del siglo XVI avanzado, debido a los cambios ocurridos en el estilo (cosa absolutamente natural y todavía ocurre, gracias al Dios de las Guitarras), necesitó ampliar las posibilidades del instrumento. Primero se agrandó la caja de resonancia y luego, años más tarde, se le agregó la quinta cuerda. A este modelo de guitarra le llamamos en la actualidad "guitarra barroca". De hecho, esta guitarra conserva la proporción de la afinación de la guitarrilla, más un bajo una cuarta justa hacia lo grave.
Lo que me llama la atención es que en la actualidad, en Venezuela, ha habido un resurgir del cuatro. Últimamente hay cada vez más y mejores ejecutantes del instrumento, que llegan a hacer cosas sorprendentes con el instrumento. Y lo más interesante es que he escuchado decir a algunos ejecutantes que ya el instrumento les "queda corto", como si hubiera necesidad de que el cuatro "evolucionara". Habría que ver hasta qué punto sería esa "evolución", y con las modernas técnicas, sería interesante ver hacia dónde llevan los cuatristas tal "evolución". Esto me hace preguntarme si estamos en un punto igual a 1650, cuando los guitarristas le pusieron la quinta cuerda a la guitarra: en 2011 ¿qué le van a poner al cuatro? ¿cuerdas de metal? ¿sistemas de amplificación o distorsión del sonido? ¿otra caja de resonancia diferente? Habría que ver.

Cuestión de conceptos

2011-01-03T17:39:00.000-04:30

Una línea delgada es la que separa la música popular de la llamada "culta", "clásica" o "académica". Lo primero es señalar que llamar popular a la música (o a la expresión artística que sea) resulta relativamente fácil, mientras para lo otro -que entrecomillamos- no lo es tanto, y siempre, siempre hay que dar explicaciones.
Primero, porque lo que es dable y natural es la expresión neta, pura, primaria del arte, es decir, aquello que es expresión natural de la gente. Y allí es donde, normalmente, entra en consideración aquello que llamamos lo popular. En esta categoría entra todo aquello que nos pertenece por legado natural y ancestral, cultural, tradicional (¡entonces es culto lo popular!). Lo que pasa, o pasó y ahora trata de no pasar, es que los siglos XVIII y XIX pesaron muchísimo sobre nuestra visión de lo artístico, y de alguna manera hubo una escisión -que a mi se me antoja artificial- y que no solo hizo muchísimo daño entre los hacedores de la cultura, incluyendo la música, sino entre el público, amante de sus propias expresiones; y también capaz de aceptar todo lo nuevo que venga, elaborado o no.
La guitarra muestra todas estas características, y la música para nuestro instrumento es un claro ejemplo de lo que pasa, pasó, ha pasado y seguirá pasando. Ver la historia de la guitarra es observar una película o una telenovela de amor, en la que la estirpe popular es relegada, ocultada, velada... y solamente es mostrada y exaltada la parte "bonita"... Basta ver, también, cómo los guitarristas del siglo XX se empeñaron duramente por formarse no tanto como músicos, como ejecutantes, como transmisores de un legado musical, sino como virtuosos, acróbatas, maromeros: mientras más rápido se toca, mejor... más importante se es. Todos los que hemos estudiado guitarra hemos pasado por la competencia, primero con el metrónomo (¡no menos de negra igual 90!) y luego con nuestros condiscípulos, a ver quién tocaba más y más rápido, desde los ejercicios técnicos y estudios hasta las piezas de concierto.
El repertorio popular, las serenatas, la música cantada y con acompañamiento para guitarra pasó a ser la vergüenza de los guitarristas "clásicos". De hecho, la música en la cual la guitarra acompaña es anatema entre los guitarristas "de verdad". Un guitarrista "serio" toca solo... y se basta. Cuando un guitarrista expresa su deseo de hacer música de cámara, o de buscar un cantante para hacer Schubert (por ejemplo) o de buscar un violinista para tocar Paganini, más allá de la Sonata Concertata, es muy mal visto... y creo que justamente allí es donde radica la riqueza de la guitarra, en sus infinitas posibilidades para tocar con otros instrumentos, para acompañar, para dejarse acompañar, para dejar de ser la vedette por un momento, para compartir con una buena voz, para serenatear.
En Venezuela, guitarristas como Aquiles Báez o Miguel Delgado Estévez, e incluso Rubén Riera, están dejando un importante legado con el cual demuestran que la guitarra acompaña y puede ser tan virtuosa como cuando se enfrenta a las partituras duras del repertorio guitarrístico. Incluso, en la simple sucesión de acordes sustenta armónicamente la melodía, con agrado, buen gusto. Pienso en Manuel Enrique Pérez Díaz, Raúl Borges o el mismísimo Antonio Lauro y estoy segura de que a ellos no les habría importado para nada compartir ambos mundos: un buen Aranjuez junto a unas deliciosas Serenatas... al oído, mal no le hacen.

Recordar los comienzos

2010-12-10T09:14:00.003-04:30

Parece que fue ayer cuando comencé a hacer más público mi trabajo musical. En 2001 edité mi disco "Poema Barroco", hasta ahora el único. Para mediados del próximo año estaré celebrando diez años de esa empresa, arriesgada y audaz, muy audaz de mi parte. Este recorte de periódico corresponde a una entrevista que me hizo mi amiga y colega periodista cultural Yasmín Monsalve, en julio de ese año. Ya 2010 está por concluir y vienen los nuevos propósitos para el venidero año nuevo. Espero de corazón que todo se cumpla para todos los lectores de este blog, con mucho optimismo.

Concierto en Valencia (España)

2010-06-21T14:55:00.003-04:30

Hola. No es mi concierto, sino del maestro José Luis Ruiz del Puerto en la localidad de Valencia (España). Debo las reseñas de mis recientes conciertos!!! Pronto las publico. Saludos, Ana María H.

Por lo pronto, reproduzco el mensaje, tal como lo envió el maestro Ruiz del Puerto.

"Estimados/as amigos/as:Quería anunciaros que el próximo sábado día 26 de junio volveré a interpretar, junto a la Orquestra Simfònica S.M.I. “Santa Cecilia” de Cullera bajo la dirección de Salvador Sebastiá, el Concierto para Guitarra y Orquesta Homenaje a Francisco Tárrega: “Somni”, del compositor Vicente Roncero.

El concierto se realizará dentro de la programación del Festival Cinc Segles de Música a L´Eliana, prestigioso festival que se celebra con gran éxito desde hace cinco años en esta localidad valenciana.

Además de esta obra se interpretarán varias piezas de Francisco Tárrega, orquestadas por el propio Vicente Roncero, y la Vª Sinfonía de L. V. Beethoven.

El concierto tendrá lugar en el Centro Socio Cultural de L’Eliana a las 20 horas.
El precio de la entrada es de 5 euros (tarifa normal) y 2’5 euros (tarifa reducida: niños y pensionistas).

Me gustaría contar con vuestra presencia.
Aprovecho para enviaros un cordial saludo.

www.ruizdelpuerto.com
www.jornadasdeguitarra.com

José Luis Ruiz del PuertoC/Castellonet 3- 346025 Valencia (España)Tfno: +34963466563Tfno. móvil: 610437706www.ruizdelpuerto.com"

Este domingo, Lorenzo Camejo

2010-06-21T11:54:00.003-04:30

El guitarrista venezolano Lorenzo Camejo me envió esta información, incluso, eran cuatro conciertos que comenzaron el 5 de junio (Flavio Sala), 12 de junio (Cuarteto de Guitarras de Caracas) y el pasado sábado 19 de junio, con Onkora. Ahora, el próximo concierto es:

DOMINGO 27 de junio/ 5pm

LORENZO CAMEJO, en el marco de su gira "La Guitarra toma Miranda"

Acompañado por la Orquesta Sinfónica Juvenil de San Antonio de Los Altos en su "IV Aniversario"

Lugar: Complejo Cultural y Deportivo San Antonio de los Altos, Av. Perimetral Francisco Salias, San Antonio de los Altos.
Concierto No.1 en Re mayorOp. 99 Castelnuovo-TedescoLorenzo.

Camejo Destacado artista venezolano y uno de los guitarristas más completos y representativo de la escena musical venezolana. Liderizando la conducción del prestigioso Trío “Raúl Borges”, fundado en 1942 por el Maestro Antonio Lauro, ha llevado a cabo diversas giras internacionales y la grabación de tres excelentes producciones discográficas. Es miembro fundador de la Asociación Venezolana de Amigos de la Guitarra (AVAGUI), de cuya directiva actual es su Presidente. Desde el año 2001 preside la Comisión Artística que organiza el Concurso Internacional de Guitarra “Alirio Díaz”.

Ecos de España en Bangkok con la guitarra de Miguel Trápaga

2010-06-21T11:51:00.002-04:30

Por Gaspar Ruiz-Canela / Agencia española de noticias EFE

Bangkok, 20 jun (EFE).- El guitarrista cántabro Miguel Trápaga, acompañado por la Orquesta Filarmónica de Tailandia, trasladó anoche a un extasiado público en Bangkok al corazón de la música española con obras de Joaquín Rodrigo y Crisóstomo Arriaga.

El guitarrista santanderino actúa este fin de semana en el auditorio de la Universidad de Mahidol en dos conciertos organizados por la Embajada de España en Tailandia.

"Me sorprende la afición de los asiáticos por la música occidental y la guitarra española, que es algo totalmente ajeno a sus culturas", indicó a Efe Trápaga, nacido en 1967.

El músico se ganó a los tailandeses y extranjeros presentes en la sala con una magistral interpretación de los "Esclavos felices", de Arriaga, y el "Concierto de Aranjuez", de Rodrigo.

La mayoría del público seguía como hipnotizado los ágiles punteos del maestro santanderino, mientras que otros preferían cerrar los ojos, que sólo volvían a abrir para aplaudir con brío y vitorear concluida la obra.

"La guitarra tiene algo especial, el fuego, el misterio o el misterio antiguo de España, no sé cómo definirla", exclamó una joven tailandesa del público a la salida.

En la segunda parte del concierto, sin la presencia de Trápaga, la orquesta tailandesa sorprendió gratamente al auditorio con "El amor brujo", la ópera de reminiscencias andaluzas de Manuel de Falla.

Aunque en su mayoría aficionados a la música clásica, pocos locales conocían al compositor que figuró durante décadas en los antiguos billetes de cien pesetas y disfrutaron mucho.

"Hemos elegido un repertorio más amplio para mostrar la música española del siglo XX, representada por Falla y Rodrigo, y el siglo XIX, con una obertura de un compositor vasco poco difundido, Arriaga", explicó el guitarrista.

Arriaga, nacido en 1806, fue conocido como el "Mozart español" por su virtuosismo musical desde una edad temprana y porque murió joven, a los 19 años, a causa de la tuberculosis.

"El estilo de Arriaga también se parece a Mozart, aunque con una cadencia más andaluza. El "Concierto de Aranjuez" es una pieza de neoclásica, aunque los matices españoles siempre están presentes", aseveró.

Trápaga, que previamente actuó en Nueva Zelanda, aprovechó su estancia en Bangkok para impartir unas clases magistrales a los alumnos del conservatorio de música de la Universidad de Mahidol.

"La guitarra española ejerce una fascinación especial en Asia y, según he podido comprobar yo mismo, en los guitarristas tailandeses también participan de esa afición", señaló el santanderino.

"Es difícil evaluar el nivel global en Tailandia. Aunque en la Universidad de Mahidol he visto un talento extraordinario para la edad y el nivel de estudios que tienen, tienen que trabajar mucho para alcanzar un nivel internacional", manifestó Trápaga.

"Los alumnos -añadió- tocaron piezas de Joaquín Rodrigo, Vicente Asensio y Fernando Sor. Rodrigo es un compositor muy conocido y cualquier guitarrista siempre incluye algunas de sus obras en su repertorio".

Los asiáticos encuentran tan exótica la guitarra española como los europeos o americanos puedan considerar la música de Tailandia, China o Japón.

La música tradicional occidental utiliza la escala de siete tonos, mientras que la asiática, así como otras culturas en África y América, utilizan la escala pentatónica o de cinco tonos por octava.

A principios del siglo XX, autores europeos como Claude Debussi y Maurice Ravel se quedaron fascinados con las escalas de cinco tonos de las melodías asiáticas y la incorporaron a su obra.

El propio Trápaga estrenó hace tres meses "Los cinco amantes de Drupadi" en Segovia, una pieza basada en esta escala escrita por el compositor indonesio Ananda Sukarlan, afincado en España.

El guitarrista, que también ha colaborado con el célebre músico cubano Leo Brouwer, tiene previsto tocar el próximo septiembre en Indonesia y Japón. EFE

Dos festivales de guitarra sonarán en Caracas y Choroní

2010-05-27T11:49:00.003-04:30

Duo Zema-Lencses

Javier García Moreno

Las guitarras sonarán la próxima semana en el marco de dos festivales guitarrísticos: el V Festival Internacional de Guitarra y Academia Solistas del Mundo y el V Festival Internacional de Guitarra Choroní 2010; con la presencia de invitados internacionales, como el mexicano Daniel Olmos, ganador del XV Concurso Alirio Díaz; los italianos Maurizio Di Fulvio y Salvatore Zema; el español Javier García Moreno; la húngara Eszter Lencses y los venezolanos Enrique Bravo, Luis Quintero y Ana María Hernández.
Adicionalmente, habrá clases magistrales en la Escuela de Música José Ángel Lamas de Santa Capilla.
El evento Solistas del Mundo tendrá como sede el auditorio de la Corporación Andina de Fomento (CAF), y comienza el martes 1 de junio, con el recital barroco español de Ana María Hernández, y luego, en la segunda parte, el laureado Luis Quintero.
Para el miércoles, en la mañana habrá una clase magistral a cargo de Javier García Moreno, de 9:00 a.m. a 12:00 p.m. en Santa Capilla, y luego a las 7:00 p.m. el concierto del dúo conformado por Salvatore Zema y Eszter Lencses, y el mexicano Daniel Olmos.
De nuevo el jueves habrá clases magistrales, esta vez a cargo del dúo Zema-Lencses, en el mismo lugar y horario, mientras en la noche se llevará a cargo el concierto de Maurizio Di Fulvio y Javier García Moreno.
La participación en las clases magistrales la coordinan los maestros Leopoldo Igarza y José Luis Presa, en el citado centro académico, cuenta con entrada libre, y quienes deseen pueden asistir en calidad de oyentes.
Para el fin de semana se llevará el Festival de Choroní, con dos conciertos, el primero será el sábado 5 de junio a las 8:00 p.m. en el Hostal El Portete, con la participación de García Moreno, Di Fulvio y el dúo Zema-Lencses; y finaliza el domingo a las 11:00 a.m. en el Hostal Piapoco con Enrique Bravo, Luis Quintero y Daniel Olmos.
Ambos festivales cuentan con el apoyo de las embajadas de Italia, España y México y todos los conciertos y clases magistrales son gratuitos.

La fascinación por las guitarras del pasado

2010-05-20T16:31:00.001-04:30

Esta es la nota de prensa que estoy enviando para los medios venezolanos, a fin de que me den una manito con lo del concierto en El Hatillo. Gracias!!!

Obras del Renacimiento y del Barroco Español conforman el repertorio del concierto que brindará Ana María Hernández el próximo sábado 29 de mayo, a las 6:00 p.m. en Teatrex (Piso 5 del Centro Comercial Paseo El Hatillo).
Hernández, quien también es periodista cultural del diario El Universal, ofrece un recital en el cual va conduciendo a los oyentes a través de la música de sus guitarras. En la primera parte del concierto, utilizando una guitarra renacentista o guitarrilla, de cuatro órdenes o cuerdas, tocará obras de los franceses Adrian Le Roy, Guillaume Morlaye y Gregoire Brayssing, el aria Amarilli mia bella del italiano Giulio Caccini y una obra del español Alonso de Mudarra; al tiempo que el público podrá apreciar los usos de este instrumento durante el siglo XVI.
Luego de un breve intermedio, Hernández cambiará de instrumento: una hermosa guitarra barroca, o guitarra española del siglo XVII, de cinco órdenes o cuerdas, hará sonar la música de los compositores españoles Gaspar Sanz y José Marín, y se entremezclarán tanto la música instrumental como las cantadas; y en estas últimas se podrá apreciar el estilo picaresco tan propio de esa época.
Sin duda será una velada musical que transportará al oyente a otras épocas.

Ficha:
Recital de guitarras renacentista y barroca
Intérprete: Ana María Hernández
Obras: Adrian Le Roy, Guillaume Morlaye, Gregoire Brayssing, Alonso de Mudarra, Giulio Caccini, Gaspar Sanz y José Marín.
Lugar: Teatrex. Centro Comercial Paseo El Hatillo, piso 5.
Fecha: sábado 29 de mayo de 2010.
Hora: 6:00 p.m.
Entrada: Bs. 70.

Bolivia postula al charango como patrimonio de la humanidad

2010-05-19T17:50:00.000-04:30

La Paz, 19 may (EFE).- El Gobierno boliviano formalizó ante la UNESCO la postulación del charango, un instrumento de cuerda andino, y la música que produce como "Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad", informó hoy el ministerio de Culturas boliviano.
La ministra del sector y cantante Zulma Yugar se reunió el martes en París con la subdirectora del Fondo de las Naciones Unidas para la Educación, Ciencia y Culturas (UNESCO), Françoise Rivière, para formalizar la candidatura, según un comunicado.
El charango es un instrumento parecido a una pequeña guitarra de cinco cuerdas dobles, cuya caja de resonancia se suele construir en Bolivia con el caparazón de un armadillo.
Según el Gobierno boliviano, el charango nació en el siglo XVI en Potosí, cuando esta ciudad era una de las más pobladas del mundo gracias a su riqueza de plata y que, tras la colonia española, pasó en 1825 a formar parte de la naciente república de Bolivia.
Junto a Yugar viajó a Francia el charanguista Ernesto Cavour que ha realizado estudios sobre el origen del instrumento y dirigirá un comité para atender los requerimientos de la UNESCO para analizar la petición de Bolivia.
El Congreso declaró en marzo de 2006 al charango como Patrimonio Cultural de origen boliviano, lo mismo que hizo Perú un año después al considerar el instrumento como propio de ese país.
Además de las dos naciones vecinas, Chile también reclamó en su momento la paternidad del charango.
El año pasado, Bolivia entró al Libro Guinness de los Récords gracias al concierto que celebró en octubre de su "Orquesta de los Mil Charangos", que fue considerada la más grande del mundo de su especialidad. EFE

Los Romero en Venezuela

2010-04-23T08:15:00.002-04:30

Por primera vez están los integrantes de la familia Romero en Venezuela, y ofrecerán un único concierto este domingo 25 de abril.
Si pinchan el título, podrán ver un trabajo que publicamos en El Universal a propósito de esta visita. Incluso, en la pestaña indicada con "video", hay un pequeño documental al respecto.
Al verlos ensayar con la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, me sentí muy emocionada, pues sé de su fama y de su valía. Además, como bien se nota en el audiovisual, son personas muy sencillas.

Noticias de José Luis Lara

2010-03-30T22:44:00.002-04:30

El guitarrista venezolano José Luis Lara ya está en Brasil, donde no solamente realizará conciertos sino que también tendrá oportunidad de impartir una clase magistral sobre la obra de Antonio Lauro.
Su recital será el 4 de abril, en el marco del Festival Vital Medeiros que se realiza en Susano (Sao Paulo), y luego hará la clase sobre Lauro.
Del 6 al 18 de abril, Lara irá a México para presentarse en dos festivales. Primero irá al Festival Internacional de Guitarra de Morelia, y luego, a partir del día 12, la Universidad de Ixtalhuapa lo recibirá en el marco de su festival para brindar un concierto de guitarra y cuatro.

El músico cubano Leo Brouwer, premio Tomás Luis de Victoria

2010-03-09T14:55:00.002-04:30

Madrid.- (AFP)El compositor cubano Leo Brouwer ganó el X premio Tomás Luis de Victoria, concedido por la Sociedad General de Autores de España (SGAE) y dotado con 60.000 euros, indicó este martes esa entidad en un comunicado.
Leo Brouwer, de 71 años, fue elegido entre un total de 53 compositores de 16 países iberoamericanos para este galardón, que es "el mayor reconocimiento para autores vivos en el ámbito hispanoamericano y lusófono, tanto por la categoría del jurado como por su dotación económica", según la SGAE.
El jurado destacó "su relevante carrera internacional como compositor, guitarrista, director de orquesta y profesor" y "su brillante dominio de múltiples técnicas y géneros que lo definen como músico integral".
Asimismo premió "su aportación al repertorio y técnica de la guitarra basada en la síntesis entre la danza autóctona y las corrientes estéticas más renovadoras del presente, que ha proyectado la música iberoamericana hasta una dimensión universal".
Brouwer ha sido director general de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba y de la Orquesta de Córdoba (España), donde también dirigió el Festival Internacional de la Guitarra.
Desde 1981 es director general de la Filarmónica Nacional cubana y durante su carrera ha dirigido a más de 80 orquestas en todo el mundo. Compuso la música de la película "Como agua para chocolate", dirigida por Alfonso Arau.
Fue nombrado músico UNESCO 2001 y posee un centenar de premios, como el Manuel de Falla (España, 1998) y el cubano Premio Nacional de la Música 1999.
Tomás Luis de Victoria fue un compositor renacentista español de los siglos XVI y XVII.
Anteriormente han ganado este premio el compositor argentino Gerardo Gandini, el cubano Harold Gramatges, el peruano Celso Garrido-Lecca, el venezolano Alfredo del Mónaco, el brasileño Marlos Nobre (2005) y los españoles Antón García Abril y Luis de Pablo, entre otros.

(Foto de Alejandro Van Shermbeek, realizada en 1997, en el marco del Festival Internacional de Agosto, una de las nostalgias que tenemos los amantes de la guitarra).

Bailan las gitanas

2010-03-08T21:10:00.004-04:30

Miguel de Cervantes y Saavedra, además de autor de El Quijote, escribió el siguiente poema:

Bailan las gitanas,
míralas el Rey,
la reina, con celos;
mándalas prender.

Por Pascua de Reyes
hicieron al Rey
un baile gitano
Belica e Inés.

Turbada Belica,
cayó junto al Rey
y el Rey la levanta
de puro cortés.

Mas como es Belilla
de tan linda tez,
la reyna, celosa,
mándalas prender.

Y me imagino a Cervantes bailando, pero al son de La Seraphine, una bellísima canción renacentista, original o recopilada por Guillaume Morlaye y que suena espectacular en la guitarrilla. Por cierto, para esta pieza hay que variar la afinación de la guitarra renacentista: el cuarto orden hay que bajarlo un tono, y así quedará "al temple viejo" o "acorde avallée".

La viola profonda o el sueño realizado de Gerardo Yáñez

2010-01-28T12:20:00.006-04:30

Por Ana María Hernández G.

Hacer sus sueños realidad ha sido el empeño del compositor y director boliviano Gerardo Yáñez: nacido hace 56 años en La Paz, Yáñez culminó sus estudios musicales en su ciudad natal, y luego se especializó en composición en la Universidad de Berlín. Entre los sueños concretados está el haber ampliado el registro sonoro de instrumentos autóctonos como el charango, la zampoña y la kena. Sin embargo, el instrumento que ahora presenta y que hizo su debut mundial con concierto propio es la viola profonda, el tenor de los violines, el pasado 14 de enero en la sede de la Filarmónica de Berlín, con la actuación del venezolano Juan Manuel González en la ejecución de este cordófono.
-¿Desde cuándo se viene gestando la idea de un instrumento tenor dentro de las cuerdas frotadas? ¿hay antecedentes de esto en la historia de la música, dentro de las violas da gamba,da braccio, violone, barytone...?
-Es sabido que en la época del barroco tenían las cuatro principales violas de gambas, soprano, contralto, tenor y bajo. Pero estas son de afinación temperada y con trastes como la guitarra, y además de una tesitura bastante más reducida en comparación a los posteriores como el violón, la viola y el cello. Lógicamente han existido bastantes variaciones de violas: viola bastarda, viola de amore, viola pomposa que no se lograron establecer por muchos aspectos, y que van desde el sonoro hasta la forma de concepción musical de las diferentes épocas.
Podemos citar al arpeggione que es en realidad como la guitarra pero en forma de gamba, que quedó casi olvidada por su poca aplicación y el poco repertorio del mismo.
-¿Cómo imaginó el sonido de la viola profonda? a la vez ¿el sonido del instrumento es tal como usted lo había imaginado?

-El sonido no me lo imaginé sino que internamente lo escuché, y después de un análisis recién nace la argumentación teórica primeramente, y la confirmación después de hacer un analisis de "El arte de la fuga"de J.S Bach; y se concreta la falta de existencia del tenor en el actual cuarteto de cuerdas.
-¿Por qué le puso como nombre al instrumento viola profonda?

-En relidad quería ponerle viola profunda en castellano, pero como el italiano es una norma internacional de tradición para el lenguaje musical decidí darle el de “profonda”. Esto significa personalmente para mi “viola del corazón”, es decir, del sentir cálido y profundo del instrumento.

-¿Hay posibilidad de que las orquestas "adopten" la viola profonda en sus secciones de cuerdas y qué partes tocarían entonces? ¿ameritarán las obras orquestales de arreglos especiales o sencillamente se les ubicaría en las segundas filas de los violines o de las violas?
-Logicamente es sin duda posible su aplicación en la orquesta, con ventaja a la viola ya que la Viola profonda cubre toda la tesitura del tenor y la viola, que está solo una quinta debajo del violín. Debe y es su misión llenar la región del contralto. La viola sufrió bastante su posición ya que por su cuerpo y su tesitura tiene que tocar una región que no es la natural ni apropiada. La nueva orquesta del futuro, a mi criterio, tendría que ser conformada por violín, viola, viola profonda y cello. El segundo violín es innecesario pues su color es de soprano y le dió la historia la función de contralto… que no es tampoco su misión y no suena con la plenitud de una viola en región del contralto (segunda voz). El repertorio se podría trasponer, pero en realidad esta conformación tendría que ser ya para obras nuevas, es decir de hoy adelante.
-¿Ameritará alguna técnica de ejecución adicional o basta saber tocar violín o viola para acceder a la viola profonda?
-Lógicamente que necesita tener una carrera independiente, así como el violín tiene la suya y también la viola. La viola profonda tiene propia su tensión de cuerda, su arco, todo de acuerdo y tan independiente como los otros de su familia. Un método al respecto ya se está estructurando.
-¿Qué tipo de cuerdas y de arco usa? ¿igual a la viola o al violín?
-Tiene sus propias cuerdas preparadas y fabicas especialmente para su cuerpo y voz.
-¿Qué otras posibilidades estéticas musicales tiene este nuevo instrumento? por ejemplo para integrar conjuntos de cámara, ensambles de jazz, música contemporánea, neofolclore, etc....
-Todas las posibilidades igual que los otros.
-¿Cuántos intérpretes hay actualmente?
-Hay un par de músicos europeos que ya interpretaron a nivel prueba el instrumento, pero el único solista que está trabjando profundamente la viola profonda es el venezolano Juan Manuel González Hernández.
-¿Cuántos instrumentos hay elaborados?
-Hasta el momento dos.
-¿Quién construye estos instrumentos en el mundo?
-El único constructor es el que me fabricó las dos únicas existentes y radica en la Argentina. Yo no soy constructor, soy compositor y esta necesidad sonora me llevó años a investigar más de ocho años, y es de acuerdo a mis cálculos y medidas que se patentó y que se realizaron las dos primeras violas profondas.
Para su información, le comento que no es el primer instrumento que evolucionó y patentó. Son más de 30 años que llevo, y existen anteriores como por ejemplo la zampoña cromática, la kena cromática, el charango sonko de 13 cuerdas, el piano natural y varias nuevas formas de guitarras. Todos estos anteriores intrumentos me han servido de experiencia para poder aplicar años después los conocimientos para la realización de la viola profonda.
-¿Qué maderas se usan? ¿barnices? ¿hay posibilidad de hacer una especie de viola profonda Stradivari?
-Existen variadas maderas que se pueden utilizar y de principio todas las posibilidades que tiene el violín y en barnices lo mismo. Una viola profonda al estilo Stradivari no es posible, debido que para la adaptación del cuerpo y su relación de de medidas. La V.P tiene su propia estructura básica de medidas y principios acústicos aplicados a su tesitura.
-Hasta llegar al modelo conocido actualmente, ¿cuántos prototipos tuvo que hacer para llegar al tamaño adecuado que se ajustará a sus requerimientos sonoros? ¿cuánto invirtió?

-La verdad en un principio experimenté en cajas sonoras, con las cuales quería primeramente determinar la potencialidad de volumen y tensión de cuerdas.Luego lo hice con dos violas diferentes donde pude determinar la necesidad de tener una caja con más capacidad debido a la necesidad sonora de los bajos. Ya lo hice con otros instrumentos, pues tengo ya unos doce innovados, como las kenas cromáticas, zampoñas cromáticas, guitarrones, guitarra contrabajo, charangos nuevos y otros que algunos estan ya tambien patentados, inclusive un piano nuevo para su toque con afinación natural. Digo todo esto ya que allí y durante muchos años aprendí por la experiencia a calcular la potencialidad de un instrmlento y su aplicación sonora por medio de cuerdas, que me sirvió enormemente para la viola profonda. Es después de los cálculos, por medio del corte de Oro (medida áurea), su proporcionalidad y adaptación al cuerpo del instrumenstista, llegué a la conclusíon de las actuales medidas que en principio parten de la posibilidad física del intérprete y luego recién su adaptación matemática para sus medidas. Debía ser un instrumento tocable, realista que pueda vencer esa barrera que no pudo franquear la viola da gamba, el arpeggioni, la viola pomposa, la viola bastarda, la viola de amor, el cello piccolo o cello de espalda y otras que quedaron postergadas, debido a que su sonoridad y aplicación junto a los otros de la familia del cuarteto clásico no pudieron integrarse, por muchos factores. Pronto los interesados del campo tendrán en nuestra página web (http://www.violaprofonda.com/) una detallada información y tabla comparativa de las diferentes violas y así exactamente ver su diferencia y los pro que trae la viola profonda.Los costos , como compositor independiente, fueron enormes y los he financiado solo con la ayuda de mi familia y mis hijos que radican tambien en Berlín. Sin ninguna ayuda externa y es otro de los factores por los cuales demoró bastante. Solo la fase de adaptación de cuerdas y la fabricación exclusiva para el instrumento me costó mucho. Ya pueden imaginarse aquí en Alemania las fábricas de cuerdas: han tenido que parar a veces su producción para la fabricación de nuevas cuerdas, pues su tensión y los diferentes materiales a probar tomaron tiempo y costos para calibrar sus máquinas para este pedido, aparte de la medición física de las mismas. Ni qué decir lograr hacer construir el prototipo. Con mi familia estamos todavía comprometidos a esto derogues económicos.

-¿Piensa liberar los planos del instrumento para que otros luthieres construyan la viola profonda?

-Todo ahora es cuestión de un poco de tiempo para terminar de recibir algunas resoluciones globales y ver cuál va a ser y dónde la posibilidad de empezar su fabricación. Por el momento estamos en la fase de hacer conocer su color y su indefectible aplicación como tenor para la futura orquesta, es decir, esto está y va a causar una revolución en la misma, ya que primeramente se devolverá a la viola su verdadero lugar de contralto, y la viola profonda establecserse como tenor oficial. Logicamente para nuevas obras y para una nueva propuesta sonora. Una vez pasada esta fase daré las licencias del caso para su fabricación. Y para terminar, digo que negar este sonido sería ser sordo musicalmente. Es inconfundible e incontestable su presencia en su tesitura; y así ya me lo hicieron saber destacados músicos, intérpretes, profesores y entendidos musicólogos, ni que decir el público en general. Especialmente despues del concierto en la sede de la Filarmónica de Berlín.

-Hay quienes consideran que los géneros sinfónicos, para gran orquesta tienen su días contados, ¿está de acuerdo con eso?

-Realmente hay un declinar en la cultura Europea debido y honestamente a que en los últimos 200 años ha aportado enormemente a la industrialización, y lógicamente también en el arte musical. Y me atrevería a decir que están agotados como culturas y son ahora otras las que van a tomar las riendas del latir mundial de la música. En este caso, Latinoamérica se prepara para esta misión, y es la más adecuada por ser el cáliz materno donde se genera una nueva forma de conjugar la multiculturalidad emocional y la diversidad de mezclas que se dan y se dieron en América Latina, como resumen genético y espiritual de los arquetópos del mundo. Ya existen muchas orquestas que siguen siempre repitiendo lo mismo decenas de años, y han creado una ética de museo. A mi criterio, se puede ir al museo una, dos, hasta tres veces al año, pero no todo el año. Creo que los días de compartir la música sinfónica como hasta ahora está llegando a su fin para dar una nueva alternativa a la mayoría, que es el tercer mundo, pulmón cultural de la humanidad. América Latina busca otra más justa y equitativa forma de compartir la vida y un verdaro replanteamiento de la política en todo sus quehaceres.

Mi opinión es que Venezuela, con Gustavo Dudamel y el trabajo de 30 años con las escuelas de allí, han comprobado que se puede llegar al nivel de las orquestas europeas. ¿Y después? ¿Seguiremos repitiendo el modelo? Veo y sé que no es necesario. Debemos ahora nosotros buscar nuevos derroteros para el mundo musical, sin olvidar las bases culturales de cada pueblo y su multiculturalidad.

(En la fotografía superior, el ejecutante venezolano Juan Manuel González interpreta la viola profonda. En la fotografía inferior, el maestro Gerardo Yáñez)

Savall denuncia con "El Reino Olvidado" el genocidio de los cátaros

2010-01-11T10:23:00.001-04:30

Crónica de Javier Alonso (Agencia EFE)

Carcasona (Francia), 11 ene (EFE).- La brutal represión contra los cátaros hace ocho siglos en lo que ahora es el sur de Francia, inspira la denuncia de ese "genocidio espiritual" en la obra "El Reino Olvidado", que el músico Jordi Savall interpreta hoy de nuevo.
Savall calificó así la matanza de miles de personas, enviadas a la hoguera, en el territorio conocido como Occitania, un suceso histórico prácticamente olvidado para el gran público y que recupera en una obra que interpretó el pasado sábado en Carcasona y hoy en Blagnac, cerca de Toulouse (sur de Francia).
"Fue una exterminación brutal de una sociedad que pensaba el cristianismo de otra forma, fue un genocidio espiritual", explicó a EFE Savall (Igualada, 1941) después de un exitoso estreno en territorio francés (Carcasona) de "El Reino Olvidado. La tragedia cátara. La cruzada contra los albigenses".
La de Blagnac es la segunda interpretación en Francia de la obra, que cuenta con la intervención de Montserrat Figueras, el contratenor Pascal Bertin, el tenor Lluís Vilamajó, el barítono Furio Zanasi y los componentes del conjunto vocal La Capella Reial de Catalunya y los instrumentistas de Hesperion XXI.
"Lo que hemos hecho es explicar lo que fue este 'reino olvidado' hoy en día, una cultura muy avanzada para la época de un medioevo oscuro", aseguró Savall sobre esta obra, que tuvo su estreno mundial en Barcelona el 16 de diciembre y que llegará a París (Cité de la Musique) en 2011.
Savall y Figueras quisieron aprovechar que en 2009 se cumplían 800 años de la cruzada contra los cátaros -una corriente herética dentro del cristianismo que encontró la frontal oposición del papado y de reyes de la Corona francesa y catalano-aragonesa- para redescubrir episodios apenas contados.
"En esa epoca la Occitania era un punto de luz, porque tenía un concepto tolerante de la vida y de la cultura", comentó Savall, quien recordó cómo los nobles se hacían representar con una espada en una mano y una viola o un laúd en la otra para demostrar su compromiso con la música.
"Para nosotros también es una ocasión de recordar la capacidad de amnesia que tiene el ser humano, porque lo que pasó se ha repetido en toda la historia", afirmó Savall.
Aquel fue un suceso que se descubre constantemente, la utilización de la excusa de la "cruzada" para someter a poblaciones enteras, como ocurrió con la España de Franco y su "cruzada" contra el comunismo, la de los nazis en Checoslovaquia con la invasión de los Sudetes, o "después con Vietnam y con Irak, a propósito de las armas de destrucción masiva", contó Savall.
Desde el punto de vista de la reconstrucción histórico-musical, "El Reino Olvidado" plantea un reto, y de importancia, porque "las músicas que existen de esta época y que se conservan no son más que 10 por ciento del total de las 2.500 canciones de trovadores".
Se trata de unas 250 melodías y por ello, para construir una historia como la de Savall y Figueras, se ha debido acudir a otras para poner música a textos que están incluidos en la narración de los trágicos sucesos de la Cruzada contra los Albigenses (1209).
Savall explicó que cada interpretación de la obra -editada en forma de disco-libro con tres discos y una duración de cuatro horas- será diferente en cada caso, porque la improvisación resulta clave, lo que ocurrió también durante la grabación.
Y ello tiene que ver con la época en la que se compusieron aquellas canciones, "en la que el cantante y el músico tienen mucha libertad porque la melodía está escrita en un sistema como el del canto gregoriano, donde el ritmo no está fijado de una manera absoluta".
"La palabra es la que da el sentido del ritmo", agregó Savall, quien destacó que "esto es lo que daba a esta música este aspecto moderno (...) Es una música antigua pero que, al mismo tiempo, se ha creado en el momento, lo que le da una frescura y modernidad".
Y con estos dos conciertos en Francia, Savall reconoció que vive un momento emotivo: "Lo es poder hacerlo en el corazón de lo que fue la Occitania (...) y en una región que ha sido cultural y socialmente olvidada también, porque aquí nadie se ha preocupado de decir nada" sobre aquellos trágicos sucesos.
"El Reino Olvidado" reivindica tanto a los cátaros como la lengua occitana -empleada en la obra-, emparentada con el catalán y hablada por unos dos millones de persona, en una situación "muy mala", dijo el músico en relación con su falta de reconocimiento como "lengua esencial". EFE

Con Alirio Díaz, el más emblemático

2010-01-03T15:44:00.003-04:30

El reciente Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz, en su XV edición dio como ganador al italiano Ricardo Calogiuri (en la foto con el maestro), quien compartió el primer lugar con el mexicano Daniel Olmos. En el tercer premio, el venezolano José Luis Lara fue quien se alzó con la presea.
Como la encuesta sobre quién es el guitarrista más emblemático de Venezuela se cerró, y dio como resultado al maestro Díaz, con 55% de aceptación, vale la pena rendirle un pequeño homenaje al primer músico en la historia del país que le dio un tinte universal al país: con su guitarra y el repertorio venezolano por delante, dio a conocer la riqueza musical venezolana por los más exigentes escenarios del mundo. Algo que hoy en día causaría extrañeza, ya que los jóvenes del Sistema de Orquestas liderado por el maestro José Antonio Abreu han colocado al país en el tope de la fama en cuanto a música se refiere. Pero pensemos que en los años 60, 70, 80 y buena parte de los 90, fueron el compositor Antonio Lauro y el maestro Díaz. Así que tiene merecido el lugar que los asiduos a este blog le han adjudicado a Alirio Díaz como el más emblemático de los guitarristas venezolanos.

Eduardo Serrano: "A la música popular, todo mi corazón"

2009-11-14T21:41:00.003-04:30

Por Ana María Hernández G.
05-12-1985

La voz nasal cortaba el ambiente al compás de sus palabras, matizando el diálogo con regulares alzamientos de sus gruesas cejas.
"Me inicié en los estudios musicales a los nueve años de edad, bajo la conducción de José Bustamante, Vicente Emilio Sojo, Gabriel Montero y Pedro Biava, en la que llamaban Academia de Música y Declamación".
Eduardo Serrano. Caraqueño, nacido el 14 de febrero de 1912. Fue violinista, saxofonista y baterista.
-¿Cuál es el género musical que ha cultivado más?
-La música popular venezolana. Además el único que he cultivado. Cuento con más de 250 composiciones, de las cuales el público no alcanza a conocer más del 25%.
Un afiche aquí, otro allá. Una pintura al óleo del año 1969. Austera. Modesta su oficina localizada en el décimo piso del edificio de la Biblioteca Central de la Universidad Central de Venezuela.
-¿Se ha dedicado a la actividad docente?
-Sí, por supuesto. Llevo doce años en esto, dictando anualmente mi curso preparatorio de música. Está dirigido a los alumnos de esta casa de estudios. Por cierto, que el próximo, en enero (de 1986) será el último. Así completaré mis sesenta años dedicado profesionalmente a la música.
-En muchas partes del país no se le conoce. Incluso, en el medio caraqueño se le tiene, digamos, como marginado.
-Eso se llama falta de cultura por parte de esas personas. Lo que sucede es que nuestro pueblo es extremista: o es amante de la música académica, o sino, del rock y lo comercial. Fíjate que de lo popular, nada.
-Sin embargo, maestro, ahora con la reactivación del decreto uno por uno ¿no creee que eso beneficia al creador popular?
Su rostro se tornó grave, tras unos instantes de sonrisas fugaces:
-Estoy en contra de eso, porque es como someter al pueblo. Nos radian el Himno Nacional tres veces por día, y hay muchos por allí que ni saben quién fue el autor. Entonces, habría que implantar luego el dos por uno, el tres por uno, hasta que oigamos más música nacional que extranjera, aunque no la condeno ni la censuro. Quiero decir, que sólo censuro la actitud de quienes conducen los medios de difusión de lo musical.
Unas tosecillas tensaron más el clima.
Entra una dama. Saluda al maestro. Se va.
-Tengo más de veinte años que no compongo nada -confiesa-. Si lo hiciera, sería masoquista. Porque si hago algo es para que la gente lo disfrute y lo deguste.
El autor de Barlovento, Barlovento tierra ardiente y del tambor... se arrellanó en su silla.
-Maestro, ¿cómo es eso de que en Higuerote hay una avenida que lleva su nombre?
Y una amplia sonrisa opacó la tensión.
-Eso fue muy casual. No me acuerdo en qué año. La avenida principal llevaba por nombre Rotival, que corresponde a un famoso arquitecto francés. Como en la región no se le conocía, el Concejo Municipal del Distrito Brión consideró pertinente colocarle el nombre de algún venezolano. Y el elegido fui yo.
-¿A qué lo atribuye?
-Será por Barlovento.
Después de una respuesta tan parca, se le comentó:
-Casi todas sus composiciones, al menos las más conocidas, tienen que ver con lo negro, siendo usted tan catire. ¿Tiene algún sentimiento que lo una a esa región?
-No es nada en especial. Sucede que, musicalmente hablando, el tiempo binario es mejor en sentido rítmico que las piezas en tiempo ternario. Es decir, en realidad, el merengue (binario) es más pegajoso que un vals (ternario); por tanto, la gente lo disfruta más, sin restarle mérito al vals. En resumen, es cuestión simple de gusto por el ritmo.
El maestro Serrano disfruta la conversación. Le gusta hablar de música. Tanto, que podría decirse que en vez de llevar glóbulos en la sangre lleva notitas musicales.
-¿Y su incursión por el cine?
-No creas que actué. Sólo hice la música para varias películas, tales como La balandra Isabel llegó esta tarde, El demonio era un ángel, Amanecer a la vida y otras tres o cuatro. También hice música para cortometrajes científicos. Trabajé un tiempo con Bolívar Films.
Se define modesto, sencillo. Odia el vedetismo. Adora la intimidad familiar, las bellas letras y la buena música.
-A propósito de su jubilación el próximo año, ¿a qué actividad se dedicará?
-Creo que a recopilar y ordenar todas mis obras. Como para dejar constancia de mi paso por este mundo fugaz.
Claro. Y lo más probable es que dentro de algunos cincuenta años, se le harán homenajes y recordatorios póstumos a este digno músico del pueblo venezolano. Más que compositor de Barlovento, Arpa, Choroní, Frente al mar, San Juan to'lo tiene, es el maestro Eduardo Serrano.
"Sólo espero que algún día se acuerden, no de mi, sino de todos los autores y cantantes de nuestra verdadera identidad musical".

Con Billo y Memo Morales

2009-10-28T10:34:00.002-04:30

Esta foto, tomada por mi compañero de trabajo Cheo Pacheo, se hizo el día martes 27 en Monte Sacro, Bello Monte. Allí se realizó el ensayo de la revista musical Billo, que será presentada este fin de semana, como homenaje a Billo Frómeta, en el Teatro Teresa Carreño. Por supuesto, quien me acompaña en la foto es el cantante Memo Morales, el maracucho gitano.
Es emocionante aparecer con este maestro y quiero recordar una anécdota personalísima, íntima, pues. Cuando era niña (no tanto!!), acababa de cumplir 12 años de edad, era la navidad de 1974 y le pedí al Niño Jesús (sí, todavía lo era...) dos cassettes de Billo, el de 1974 y el de 1975. Y, como el Niño Jesús siempre ha sido una nota, me los trajo...
Por aquellos años, los discos de Billo salían de a uno y a veces de a dos por año. Recuerdo que había, por ejemplo, el 74 1/2, y así...
Nada, quería compartir este dato, y lo importante para mi haber sido retratada junto a Memo Morales, cuya voz aprecio desde que era una chiquilla!!!

Exploraciones de Sting

2009-10-25T14:58:00.000-04:30

Sting explora nuevas posibilidades en su próximo disco. Es el mismo Sting que ha transitado estéticas, como la interpretación del laúd y la teorba (que es el instrumento con el que aparece en esta foto).
A continuación un cable de la agencia española EFE, que trae una interesante información sobre este artista.

Madrid, 25 oct (EFE).- Sting se define como "una persona de invierno" porque es, dice, "la estación de la imaginación y de los fantasmas", un momento "lleno de magia" y que parece estar perdiendo ahora su intensidad. Por eso ha explorado este periodo en un nuevo disco, "If on a winter night...", que se publica la próxima semana. "Los inviernos del siglo XXI parecen acabar apenas empiezan, las nevadas son raras y, cuando ocurren, duran poco", se lamenta Sting en las notas de presentación de este nuevo álbum, un trabajo que reúne desde nanas y canciones tradicionales, a poemas del siglo XVI y que tiene inspiraciones en el mundo clásico de Johann Sebastian Bach o Robert Schubert o en el folk de su Newcasttle natal. Con este nuevo disco, que edita el sello Deutsche Grammophon, el ex "The Police" sigue acercándose al mundo clásico, un camino que ya tomara en 2006 con su último disco, "Songs from the Labyrinth"(2006), en el que interpretaba música renacentista del compositor John Dowland (1563-1626) y que también le ha llevado a encarnar recientemente al compositor romántico Schumann en un DVD. Ahora, Sting, de 58 años, ha querido llevar "la magia y el misterio" del invierno, su estación favorita, a esta nueva colección de canciones que ha grabado en una casa situada en una colina de la Toscana italiana, que ha sido su "hogar" y su "retiro" durante la última década y en la que ha vivido implacables inviernos. Allí reunió en febrero pasado, para "celebrar y explorar la música del invierno", a siete "variopintos músicos": Kathryn Tickell y Julian Sutton, dos músicos tradicionales de Newcastle; la harpista escocesa Mary Macmaster; el chelista Vincent Ségal, el trompetista libanés Ibrahim Maalouf, la violinista Daniel Hope y el guitarrista Dominic Miller, a quien define como su "mano derecha e izquierda durante casi dos décadas". "Hay algo del invierno que es fundamental, misterioso, completamente irreemplazable, algo a la vez deprimente y profundamente hermoso, algo esencial para este mito de nosotros mismos, para la historia de la humanidad", explica Sting. Es "como si de alguna forma necesitáramos la oscuridad de los meses de invierno para reponer nuestro espíritu interior, tanto como necesitamos la luz, la energía y la calidez del verano", agrega. Algo que, en su opinión, parece estar en peligro: "el calentamiento global, si es lo que esta reduciendo nuestra anual estación de invierno, está probablemente tomando su peaje en la psique humana, tal y como parece estar alterando el ritmo de las estaciones en el planeta", apunta el cantante y compositor. Por eso, ha querido atrapar en este disco el espíritu de una estación que en su niñez le permitía dibujar con la uña sobre los cristales cubiertos de hielo, le obligaba a vestirse "debajo de las sábanas" y a pasar largas horas de oscuridad junto al calor y los destellos de la estufa de carbón: "allí era libre de imaginar espíritus inquietantes". Canciones tradicionales como "Gabriel's message" o "Cherry tree carol", junto a melodías de Henry Purcell convertidas en temas como "Cold Song" o "Now winter comes slowly"; de Bach en "You only cross my mind" o de Franz Schubert en "Hurdy gurdy man", se unen a temas creados por Sting como "Lullaby for an anxious child" y a cantos populares de Halloween como "Soul Cake". Además de "The burning babe", un poema del siglo XVI del jesuita inglés Robert Southwel, Sting ha musicalizado el poema de Robert Louis Stevenson "Christmas at sea", para abordar un evento "central y definitivo" del invierto, las Navidades, porque, a pesar de su "personal agnosticismo" el simbolismo religioso "ejerce una poderosa influencia sobre mí". "Si tuviera una espiritualidad sería la música, toco y escucho como si realmente tocara mi alma, mi eterna existencia", confiesa Sting, mientras aconseja a quienes escuchen su nuevo disco tratar "calmada y civilizadamente" con los fantasmas del invierno "antes de que la nieva se derrita". EFE

El sonido del arpa

2009-10-14T15:58:00.011-04:30

"El arpa en Venezuela" de Fernando Guerrero Briceño (edición de la Alcaldía de Caracas, 2008).
Hace varios días, concretamente el martes 29 de septiembre, entrevisté al maestro Fernando Guerrero Briceño, arpista e investigador musicológico, además de abogado y consultor jurídico del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela.

Resultó ser una conversación muy interesante debido a los datos que aporta, y si bien es cierto el arpa y la guitarra no se asemejan en cuanto a su forma, comparten muchas cosas. Entre ellas, el halo de misterio en torno al harpista llamado Ludovico, el mismo aludido por Alonso de Mudarra en su Fantasía que "contrahaze a la manera de Ludovico".

A continuación, parte de esa extensa entrevista, que incluyó demostraciones musicales!!!

-Esta arpa llanera viene de la española...
-Esa es una historia interesantísima, hay un constructor en canarias, Pedro Llopis Areny. Él se ha dedicado a reconstruir las antiguas arpas españolas, de las cuales hay unas cuantas fotografías en el libro, y son idéntcas a las arpas criollas, es sorprendente. El arpa viene de España, y Pedro se planteaba esto: ¿dónde está el eslabón perdido de las arpas venezolanas? Porque él encontró en Paraguay una arpita pequeña muy antigua, por la cuestión de los Jesuítas que conservaron esa arpita. Él dice que en Venezuela no se consigue ese famoso eslabón perdido en los llanos, pero esa arpa que está más cerca de Elorza y de San Cristóbal que de los pueblos de Colombia apareció con las propias características de las arpas llaneras antiguas. Porque el arpa llanera que conocemos hoy en día es torrealbera, que es la que se toca hoy en día en todos los llanos, por Juan Vicente Torrealba, que es el formato Banco Largo (el nombre de la hacienda donde se crió Torrealba). Él estandarizó el tamaño del arpa llanera, y esa arpa de topa obedece al tamaño de las arpas anteriores al arpa de Torrealba. El arpa de Torrealba es un arpa grande, y las llaneras son pequeñitas, porque como te dice el libro, los tipos se montaban el arpa en un burro y cargaban con el arpa para el joropo. Esa es la razón por la cual era más chiquita. Un arpa de unas treinta cuerdas. Carlos Orozco, el metralleta, el arpista famosísimo, utiliza un arpa pequeña. Es bien inteligente el tipo, porque cargar con estos parapetos... Él utiliza un arpa como las que seguramente eran las arpas llanera de mucho antes.
-¿Por qué Torrealba estandarizó el arpa llanera?
-Por una razón de estética. Por cierto, ni Torrealba ni Hugo Blanco tienen el Premio Nacional de Música -introduce este comentario para resaltar la importancia de ambos músicos y sus aportes a la cultura nacional-. Somos conocidos más en el exterior por ellos, y no lo tienen. Hay una plaza en Veracruz (México) y otra en Asunción que se llama Torrealba. La cuestion de Torrealba, es que es el hijo de un hacendado. La hacienda Banco Largo limitaba con tres estados, y él se crió en un buen ambiente, aunque nació fortuitamente en Caracas. Se fue al llano y comenzó a tocar arpa tardíamente, primero la guitarra y después el arpa. Como era una persona de otros niveles no le gustaban las arpas que se tocaban en el llano en su tiempo. Él, junto con un constructor de apellido Cabrera, decidieron homogeneizar, estandarizar el tamaño del arpa. Torrealba es un tipo fornido, y adaptó el arpa llanera a su contextura personal; y su arpa es un "arpón", y le agrega unas cuerdas más. Las arpitas tenían unas treinta cuerdas y él le agrega unas seis más. Las arpas criollas se mueven entre 32 y 36 cuerdas. La central, de 34 cuerdas, la torrealbera 36. Esa arpa, con el éxito que tuvo aquí, se volvió estándar y todo el mundo quería tener una torrealbera. Por esa razón se unificaron los tamaños, a tal punto que desde Elorza hasta Caracas las arpas llaneras son torrealberas. Eso ha sido un tributo tremendo.
-¿Persiste el uso de la pequeña?
-Orozoco usa una. Se consigue, sí. Mira esta arpa (muestra una llanera torrealbera): el copete es torrealbero, la morfología del instrumento es de él. Esa misma cabeza la consigues en las españolas. Esa voluta, a lo mejor obedece a alguna razón, las centrales son chatas.
-¿Razones organológicas?
-Sí, y en función de que las arpas sean suaves, con cuerdas largas.

El maestro Guerrero se pone de pie. Todo lo anterior lo venía conversando desde un cómodo chinchorro. Mientras tanto comenta: "vengo de ser el presidente del jurado del Concurso Ludovico -exacto, el mismo que menciono más arriba-, y allí se toca su fantasía, es una de las obras obligatorias (se refiere a la décima de Mudarra)".
Entonces prosigue, ahora detallando aspectos del libro:
"Este libro... (el musicólogo José) Peñín lo ponía a uno a escribir. Comenzó en sus clases. Yo fui de la primera promoción, y cuando nos dice "ahora tienen que escribir de algo que les interese, y de lo que estén haciendo",me pregunto "¿de qué voy a escribir?... de arpa". Y este libro comenzó por la parte de atrás. El Seis por derecho fue mi primer trabajo, no sólo la parte de escritura, sino que hice el arreglo y lo grabé. El material fue creciendo, se fue ampliando y el primer paso fue un encuentro latinoamericano de arpa, realizado en México. Allá lo llevé, luego en el 99 salió la primera edición y se completó".
-¿Qué tiene esta segunda edición que la primera no tenía?
-Siempre me quejé mentalmente de la base histórica. Los guitarristas tienen suerte. Tienen a (Alejandro) Bruzual, el historiador, que se ha fajado con eso. Siempre me quejé de la primera edición y lo he comentando con Juan Francisco Sans (de Artes y de Musicología en la UCV). A uno se le pegan las cosas, y en estos 10 años mucha gente se me iba acercando, y fueron aportando. Conocí a Carmen Manzano, quien tiene toda una biblioteca sobre arpa, y me mandó 10 kilos de libros, una literatura espectacular. Se ha fajado. Aquí está la organología del arpa y de otros instrumentos antiguos. Esto es impresionante. Me topé con ella y la amistad fue inmediata, porque hay una aportación histórica.
-¿A Filipinas también llegó el arpa? ¿por qué fueron unos países tan puntuales?
-Sí, llegó. Acá vino a Perú, Paraguay, México, Venezuela. En los demás países latinoamericanos sí existía pero se efumó. El libro de Marcelita Méndez, por ejemplo, es la historia de la desaparición del arpa en Argentina. En cambio los argentinos tuvieron mucha arpa de pedales, porque en el siglo XIX fueron miles de arpas las que llevaron a la Argentina, pero esa tradición desapareció. El arpa en Venezuela queda en los llanos porque aquello era un reducto, ¿cuándo se viene a integrar el llano a Venezuela? ¿en los años 50 (del siglo XX)?
-¿Y el arpa tuyera?
-Esa tiene otra razón. El arpa llanera es misional, fue fomentada por los monjes capuchinos, los curas que colonizaron y evangelizaron el llano. Una de las características que diferencian el arpa llanera de la central, es que tiene acompañamiento de cuatro. El arpa central (tuyera) no tiene cuatro. El arpa llanera se tocaba con otros instrumentos, se tocaba como instrumento religioso y como instrumento popular. En cambio, el arpa central es colonial; y probablemente deriva de mano esclava; y una de las razones que orienta esa opinión es que el arpa central tiene cuerdas de metal, que era una especie de imitación a los claves; y los claves sí existieron aquí en Venezuela, y hay evidencias; y arpas también. Dentro de los materiales expuestos en el libro y en los trabajos de Mariantonia Palacios (en Artes y en Musicología de la UCV), ella ha hecho un trabajo fantástico. Las dos arpas son diferentes, la música es diferente. Eso por los orígenes del instrumento: uno es misional, más cercano, más afin, con cierta manera de ejecutar la música del sur de España. Y la otra es como barroca, sorprendente. El sonido, incluso la Revuelta en esas partes es casi una suite.
-Hubo un momento en la historia de la música en Venezuela en el que esos sonidos dieron la base para nuestras músicas populares...
-Y adquirir personalidad propia. Incluiso, una suerte. El Corrido, el Romance desapareció en España, ¡pero el Romance está aquí! Pon que se haga en Colombia o en México, pero no lo hacen con arpa. Los paraguayos tocan música de autor, pero el corrido es un romance, y hay que mantener la idea de que Venezuela es una especie de repositorio de técnicas arpísticas: la de tres dedos, que era la que se utilizaba en la España medieval. Esa manera de tocar en tres dedos, un arpista central también la tienen, y así tocaban los españoles del siglo XVI. Una de las inquietudes que yo tengo, es que de pronto se venga un pelotón de esos musicólogos españoles. ¡Déjense de buscar allá. No van a encontrar nada! Cuando quieras ver cómo funcionaba la música española del siglo XVI para arpa, vente para acá, para el llano o para los valles del Tuy, de Aragua. No hay duda, la técnica es medieval.
-Como la forma de acompañar con el cuatro venezolano, la antigua guitarrilla o guitarra renacentista, que era con tres acordes...
-Claro. El contrapunto galante, el golpe Bermudo. Estaba revisando el libro de Cook sobre el cuatro, y tiene todas esas antigüedades, y tú te das cuenta de la suerte de este país.
-Es extraño que una investigación de este tipo sobre el arpa no se haya hecho antes...
-Una de las razones es que la música de arpa es demasiado popular. Sí. Torrealba me lo corroboró, es demasiado popular. Lo que pasa es que si es así, los realmente estudiosos no le prestaron interés. Es una queja que cada vez que puedo lo digo. Era un instrumento demasiado popular para ponerle atención y no lo hicieron, igual a lo que pasó con el cuatro, idéntico. Los escritores no hablan del arpa. Calcaño transcribe que se celebra una fiesta en Blandín con arpa francesa, ¿y el arpa popular? ¿Por qué no la mencionan? En cambio los italianos, los franceses, los americanos, los ingleses que vinieron aquí, los húngaros, todo el mundo se fija en el arpa venezolana, y señalan que acá cantan y tocan una música con un ritmo dificilísimo en arpa. Carpentier lo dice en Los pasos perdidos, pero los venezolanos con el mismo e idéntico desdén que tenemos por la cosa propia, es casi como una vergüenza que tenemos por las cosas nuestras.
Hace un siglo o dos estábamos idénticos.

Guerrero retoma el hilo del rescate que tienen en Europa por el arpa antigua, y las diatribas en torno al uso de las uñas largas o cortas, según el sonido que se produce es más brillante o redondo.
"Ellos tocaban con uña. En Francia tratan de rescatar la música céltica en arpa, los ingleses con la galesa, y los irlandeses. Rescatar el fenómeno del arpa desde el arpa de pedal me parece un error. El arpa de pedal se toca sin uña..."
-Los musicólogos no intentan otra vía...
-Quiero decir esto sin ofensas, pero otro de los problemas es que el arpa está en mano de muejres...
-¿Por qué? A la guitarra le pasa lo contrario, son pocas las mujeres ejecutantes...
-Nunca entendí… Realmente es un fenómeno inverso a la guitarra, y no tengo una explicación para el asunto, siendo el arpa de pedal un instrumento de tanta tensión. Además, cada vez que bajas un pedal son 4 kilos, medido. Tú dirás que es el encanto femenino, pero las manos se extienden mucho, toman mucha fuerza.

(Continuará)

Salterio español supera expectativas en Nueva York y se vende por 27.500 dólares

2009-10-14T10:48:00.000-04:30

Nueva York, 13 oct (EFE).- Un salterio del siglo XVIII, obra del español Salvador Bofill, superó hoy todas las expectativas en una venta de instrumentos de Christie's de Nueva York al adjudicarse por 27.500 dólares, informó hoy la casa de subastas. Ese instrumento de percusión de cuerda, que Christie's había valorado inicialmente entre 4.000 y 6.000 dólares, data de 1760 y pertenecía a la colección privada del coleccionista de Los Ángeles Erich Lachmann. Esta pieza única salió a la venta en una subasta que también incluía una guitarra del artesano español José Ramírez, fabricada en Madrid en 1901, y que obtuvo un precio de martillo de 8.750 dólares, superando con creces los 7.000 dólares en que se preveía vender. Otro de los objetos destacados de la subasta, en la que hubo guitarras, flautas, violoncelos y diversos instrumentos clásicos, fue un violín fabricado por el italiano Ferdinando Gagliano, que finalmente se adjudicó por 170.500 dólares. El precio estimado de esa pieza de 1750 oscilaba entre los 100.000 y los 120.000 dólares. Otra de las sorpresas de la velada fue una guitarra del francés Robert Bouchet, que superó los 40.000 dólares en que se había valorado y alcanzó un precio final de 122.500 dólares. Entre los instrumentos de viento que se adjudicaron destacó una flauta de platino del fabricante estadounidense Verne Powell, valorada entre 30.000 y 50.000 dólares, que obtuvo una puja máxima de 37.500 dólares. La subasta recaudó un total de 2,2 millones de dólares, según la casa de subastas. EFE

(Foto EFE)

Los tratadistas del barroco (I)

2009-10-04T17:32:00.003-04:30

Joan Carles Amat

A partir de este momento, comenzaré otra serie. La primera era sobre los hijos de la guitarrilla o de la guitarra renacentista.
Ahora hablaremos sobre los diferentes tratadistas del barroco, es decir, aquellos que escribieron sobre la guitarra de cinco órdenes, guitarra barroca, o, como se le llamaba en aquellos tiempos, la guitarra española.
Para comenzar, está el músico y médico catalán Joan Carles Amat. Este autor escribió un pequeño libro titulado "Guitarra española y vandola", y en él se refiere a cómo se afina el instrumento, cómo se debe tocar, incluso los acordes o puntos, como se les llamaba en la época... (seguiremos editando...)

Los hijos de la guitarrilla (y VII) El Ukelele o Ukulele

2009-09-17T15:35:00.005-04:30

Finalmente llegamos al último de los hijos de la guitarrilla, el ukulele o ukelele. Este cordófono vendría siendo, mejor, un "nieto" de la guitarra renacentista, ya que su predecesor, el cavaquinho, llegó a las islas de Hawaii a bordo de los barcos brasileños. Otra teoría señala que llegó a esas islas a bordo de los barcos portugueses... hay que agregar que en Portugal también había la afición de tocar la guitarrilla... En todo caso, el cordófono que da origen al ukelele llega hacia el último tercio del siglo XIX, después de 1870, según las fuentes consultadas.

En Hawaii adoptó la forma y afinaciones con las que se conoce. Lo digo en plural porque hay varios tamaños de ukeleles, y según lo grave o agudo de su sonoridad, así tendrá su afinación. Por cierto, la que se le parece a la de la guitarrilla (sol-do-mi-la) es la del llamado ukelele tenor.

Este instrumento goza actualmente de gran popularidad, porque de alguna forma los músicos tanto hawaianos como los norteamericanos (en general) lo han ido incorporando a sus composiciones. Por internet es posible conseguir tablas de acordes, y, sin duda, YouTube nos provee de una fuente inmensa para ver y escuchar a sus intérpretes.

Lo interesante del ukelele es que mayormente es un instrumento que se utiliza como acompañante, de allí lo importante del conocimiento de los acordes. La mano derecha rasguea y de esa forma el instrumento se comporta como ayudante de la rítmica, muchas veces hasta es percusivo. Por supuesto también es posible puntear y lograr notables efectos de melodía y armonías yuxtapuestas. Ya eso es tema de cada intérprete.

El Ukelele en Londres

2009-08-18T12:33:00.001-04:30

Aun me falta publicar el último capítulo de la serie "Los hijos de la guitarrilla", y mientras recabo información para ello, les dejo este cable de EFE:

R.UNIDO-MÚSICA

El ukelele y el público toman el "templo" londinense del Royal Albert Hall

Londres, 18 ago (EFE).- El Royal Albert Hall londinense, que estos días acoge a famosas orquestas de todo el mundo igual que hizo en su día con Frank Sinatra o los Beatles, será hoy escenario de un singular concierto de ukeleles en el que el público mostrará sus dotes con el instrumento hawaiano y participará en el espectáculo.
El concierto forma parte de los "Proms" organizados anualmente por la BBC desde mediados de julio a mediados de septiembre, cita que reúne a algunos de los conjuntos y solistas de música clásica más importantes de varios continentes.
La Orquesta de Ukelele del Reino Unido, nacida en 1985, debuta esta noche en las "Proms", y para ello ha pedido al público que acuda con uno de estos instrumentos bajo el brazo para acompañarla de forma activa durante la actuación.
El concierto de hoy promete ser original, ya que en el programa se mezclan estilos que van desde el rock hasta la música clásica, o lo que es lo mismo, desde The Who y Sex Pistols hasta Beethoven y Wagner.
El ukelele es un instrumento popularizado gracias al archipiélago estadounidense de Hawai, que mantiene un estrecho parecido con la guitarra pero que normalmente tiene menor tamaño y cuya presencia en orquestas de nivel es casi inexistente, lo que dota de un mayor interés si cabe a la actuación de hoy.
Por el momento casi un millar de personas se ha apuntado a la idea de tocar el ukelele esta noche junto a los ocho músicos que conforman la orquesta.
El único requisito era tener una entrada para el concierto y registrarse por internet para poder participar en él. La orquesta también ha preparado siete vídeos en los que, a través de la red, da a los principiantes unas lecciones básicas sobre cómo tocar este instrumento.
El momento de estos aprendices llegará con "La Oda a la Alegría", de Beethoven, que interpretarán conjuntamente los músicos y los espontáneos dotados de ese instrumento.
"Las BBC Proms son una oportunidad genial para hacer la música más accesible. El ukelele es barato y fácil de transportar. Por eso creemos que la participación de la audiencia es una idea fantástica", subrayó el director del conjunto británico, George Hinchcliffe.
Éste aseguró que en los conciertos que ofrecieron en Japón y Suecia tuvieron "a más de 200 personas" tocando el ukelele junto a los músicos de la orquesta, y se mostró convencido de que se superará dicha cifra durante el concierto de esta noche. EFE

Partituras inéditas de Heitor Villa-Lobos

2009-08-18T12:29:00.001-04:30

A continuación, una información proveniente de la agencia cablegráfica española EFE:

BRASIL-MÚSICA

Encuentran unas partituras inéditas de Villa-Lobos en Río de Janeiro

Río de Janeiro, 17 ago (EFE).- Partituras inéditas del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (1887-1959), el más destacado de la historia de la música clásica del país suramericano, fueron encontradas en los archivos de la biblioteca de la Escuela de Música de Río de Janeiro, informaron hoy fuentes de la entidad.
El director de la escuela, André Cardoso, explicó este lunes a periodistas que las partituras corresponden a la orquestación de cuatro melodías del compositor francés Guy Ropartz (1864-1955).
Las partituras, catalogadas por Cardoso como "obras preciosas" y "en perfecto estado de conservación", fueron encontradas por tres becarios encargados de hacer el inventario del área de manuscritos.
Brasil conmemora este año el medio siglo del fallecimiento de su más destacado compositor de música clásica y para muchos el responsable de "acercar" a los principales autores de la historia musical europa con el país suramericano a través de la combinación de melodías eruditas con algunas del folclor brasileño.
La biblioteca existe desde 1848 y forma parte de la estructura de la Universidad Federal de Río de Janeiro (UFRJ). EFE

XV Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz

2009-08-17T18:00:00.002-04:30

De nuevo se llevará a cabo el Concurso Alirio Díaz, esta vez se trata de la 15° edición, toda una institución. Para muchos guitarristas, especialmente los jóvenes, constituye una gran oportunidad en este lado del mundo, para probar sus destrezas y legitimarse ante grandes maestros.

Del 24 al 31 de octubre tendrá lugar el certamen, y he sabido que en ese marco también se dan cita numerosas personas, guitarristas, otros músicos, así como aficionados, y seguramente se darán eventos y otras actividades conexas.

Temporada de festivales

2009-08-13T11:53:00.006-04:30

En estos últimos días ha habido (y hay) varios festivales nacionales de guitarra. De alguna manera es interesante que ocurra, porque desde hace unos años había decaído el movimiento guitarrístico en Venezuela.

Gracias al impulso que han dado los mismos jóvenes intérpretes, amén de agrupaciones en las que la guitarra cobra un rol preponderante (como Kapicúa, con Álvaro Paiva Bimbo en la guitarra), desde hace un tiempo se viene dando un resurgir. Claro, hay festivales como el de Angostura, que tiene once años ininterrumpidos, lo cual quiere decir que ellos han mantenido viva la llama, o el sonido!!!

El Festival de Angostura, como lo reseñé en anteriores posts, tuvo invitados nacionales e internacionales, y sobre eso ya no ahondaré.

Pero la semana pasada, del 3 al 8 de agosto se llevó a cabo el Festival de Guitarra del Estado Miranda. Allí partició un joven trío guitarrístico, el Trío Leopoldo Igarza, integrado por Daniel Ortega, Rafael Hernández y Silvio Mencías. Vale la pena visitar su sitio: http://triodeguitarras.com.

Por otra parte, Nelly Carvajal Producciones junto a la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (Celarg) viene presentando un ciclo de conciertos en homenaje a Antonio Lauro. La primera cita se realizó ayer miércoles 12, con la intervención de Luis Zea, Rafael Ortega (cuatro), Jesús Gerdel (como invitado especial), Luiguí González y Gerardo Hernández. El próximo miércoles 19, a las 8:00 p.m. en el mismo Celarg, tocarán Arnaldo Moncada, Mélida Palacios, Hugo Zuleta, Daniel Acosta (invitado especial) y el Trío Leopoldo Igarza. Por último, el miércoles26 de agosto será el turno para el dúo conformado por Rómulo Lazarde y Dariela García, el cuatrista Sir Augusto Ramírez, Lorenzo Camejo, luego la actuación en conjunto del dúo Sir Augusto Ramírez-Lorenzo Camejo, y, para culminar, el dúo de Gerardo Hernández y Marisabel Sánchez.

Guitarristas de FIGA juntos!!!

2009-08-10T21:12:00.005-04:30

Esta foto nos la tomaron la noche del sábado 1 de agosto, en el hotel La Cumbre, donde tocó el dúo Mandrágora de Brasil. Atrás, de izquierda a derecha: Jorge Brasil y Daniel Sarkis (Mandrágora), Douglas Estévez y Luz María Bobadilla, y a mi lado Marina Parilli.

En el XI Festival Internacional de Guitarra de Angostura

2009-08-10T20:52:00.004-04:30

El pasado sábado 1 de agosto, en el Museo Soto de Ciudad Bolívar, intervine en el XI Festival Internacional de Guitarra de Angostura. Allí estrené el programa de la guitarra barroca, conformado por obras de Santiago de Murcia, Gaspar Sanz, José Marín y la "Marizápalos" del Códice de Zuola. Fueron unos días inolvidables, tanto por la hospitalidad de los anfitriones: los maestros Douglas Estévez y José Luis Lara, organizadores del FIGA; Anabell Valero, la señora Lourdes y el señor Alfredo Inaty del Museo Jesús Soto; como por lo grato de Ciudad Bolívar.

Tuve el privilegio de hospedarme en el apartamento del maestro Soto, en el mismísimo Museo. Si se considera que el Museo fue diseñado arquitectónicamente por Carlos Raúl Villanueva, y estuve rodeada por obras originales de Soto, y, de paso, haciendo música para guitarra (Soto era guitarrista!!!) puedo decir que pasé unos días absolutamente sumergida en ARTE... nada puede compararse al privilegio de estar frente a uno de los penetrables más grandes y hermosos, y acceder a la magia plástica de la obra, ver los volúmenes y hasta al mismísimo río Orinoco fluyendo, y de paso, intuir la sinfonía musical que contiene todas las obras de Soto.

La otra parte fue escuchar los conciertos de los colegas guitarristas: la paraguaya Luz María Bobadilla, la venezolana Marina Parilli y los brasileños del dúo Mandrágora. Luz María se trajo en su guitarra toda la fuerza y energía de la música de su país, incluyendo al gran Mangoré, mientras que Parilli nos deleitó con música latinoamericana, e incluyó sus favoritas: obras del Indio Figueredo, y como ella nos comentó que ama el arpa llanera, pues de sus dedos fluyó la música de su guitarra como si fuera la misma arpa. De verdad fue magistral. Los brasileños por su parte nos brindaron música brasileña, pero con armonías más pop, gracias a sus guitarras electroacústicas, que ofrecen otras posibilidades sonoras, igualmente interesantes. Fue un privilegio tomarnos las fotografías de rigor en grupo... bajo un cielo maravilloso en Ciudad Bolívar.

Costa Rica apuesta a un festival sin fronteras

2009-06-19T16:00:00.001-04:30

Y aquí un cable de la agencia española EFE:

San José, 19 jun (EFE).- Catorce músicos de América Latina actuarán en el II Festival de Guitarras sin Frontera de Costa Rica, que tendrá lugar del 1 al 5 de julio, informaron hoy los organizadores.
El director del festival, David Coto, indicó hoy en conferencia de prensa que en el evento "habrá músicos que están en la elite mundial", como el argentino Carlos Moscardini, "seguramente el mejor guitarrista de folclore" de su país, o el cubano Jorge Luis Zamora, ganador del Gran Premio del concurso internacional de guitarra de Radio France, "uno de los más importantes del mundo".
Además, el evento contará con la presencia de la música clásica de Mario Ulloa, costarricense radicado en Brasil, y de los artistas nacionales Nicolás Alvarado y Alonso Torres (de estilo clásico latinoamericano), el Dúo Antú (latín jazz contemporáneo), Santos y Zurdo (electrofusión), Camilo Poltronieri (rock jazz fusión) y el Cuarteto de Guitarras de Costa Rica (clásico).
"La idea es que no haya fronteras entre los estilos, que se mezcle la música clásica y la moderna, para que venga público de todas las edades", señaló Coto.
Natalia Rodríguez, codirectora de Red Cultura, empresa promotora del festival, informó de que el evento contará con cinco conciertos, en los que intervendrán dos artistas en cada uno.
"El día de la clausura compartirán escenario los catorce músicos del Festival, además de tres artistas costarricenses invitados", detalló Rodríguez.
Agregó que todos los conciertos se realizarán en el Auditorio de la Universidad Véritas, en San José, e irán acompañados de proyecciones de cortometrajes para "fusionar la música con la imagen, al tiempo que se da a conocer los artistas jóvenes costarricenses, independientemente (de) cuál sea su disciplina".
Jorge Luis Zamora se mostró satisfecho de poder participar en este evento musical y anunció que realizará la inauguración, para lo que está "ensayando duramente".
Para Zamora, estos conciertos dan la posibilidad de que los artistas jóvenes se sienten al lado de otros de elite "y aprendan de ellos".
En la edición de 2008 fueron unas 150 personas por concierto y se espera que este año acudan más de 250 por espectáculo, indicaron los organizadores.

XXIX Festival de la Guitarra de Córdoba

2009-06-19T11:54:00.003-04:30

He aquí una información emanada de la agencia alemana DPA:

Berlín, 19 jun (dpa) - El Ayuntamiento de Córdoba, en colaboración con el Instituto Cervantes y la embajada de España, presentaron hoy en Berlín el Festival de la Guitarra de Córdoba, cuya vigésimonovena edición tendrá lugar del 1 al 11 de julio.
"Berlín es una referencia internacional importantísima de la música, por lo que es el sitio perfecto para la presentación del festival", explicó el teniente de alcalde del ayuntamiento de Córdoba, Rafael Blanco.
El evento consistirá en 25 grandes espectáculos sobre cuatro escenarios de la ciudad cordobesa y contará con estrellas de la guitarra como Manolo Sanlúcar, Tomatito, Diego "El cigala", Niño de Pura y Manolo Franco, aparte de David Russell, John Fogerty y The Pretenders, entre otros muchos.
Además de las grandes actuaciones se impartirán 15 cursos del programa formativo, se homenajeará a artistas como los compositores españoles Isaac Albéniz y Joaquin Rodrigo, el bailaor cordobés Mario Maya y el compositor cubano Leo Brouwer. También habrá concursos para guitarristas jóvenes.
Una novedad de esta edición del festival será la exposición "Guitarras", en la que 25 artistas plásticos cordobeses mostrarán obras que tratan de diferente modo la guitarra.
Con el festival musical, considerado uno de los mejores del mundo, Córdoba aspira a unir la imagen de la guitarra a su ciudad. Para eso lleva apostando ya 29 años por la calidad y la diversidad de estilos.
Blanco espera que el gran evento musical sea una carta de presentación para Córdoba, dado que la ciudad española, que ya fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, se postula como candidata a Ciudad Europea 2016.
La presentación en la capital alemana tuvo lugar en la sede del Instituto Cervantes y estuvo acompañada de un pequeño concierto de los guitarristas Paco Serrano, de España, y Wulfin Lieske, austríaco.
dpa cv/ib lr 191157 GMT Jun 09 nnnn

Emboscada musical

2009-04-26T19:02:00.002-04:30

El domingo pasado, hace 8 días, en plena guardia en El Universal, me tendieron una emboscada musical: el fotógrafo Oswer Díaz, quien es el que siempre me fotografía con mis instrumentos antiguos, me dice que fuera al laboratorio de fotografía para probar el sonido de una de sus guitarras. Nada, cuando llego, tenía montado todo un escenario, y yo sin haberme preparado para nada!!!! Ni modo, agarré la guitarra, una electroacústica de cuerdas de metal, y me puse a rasguear y cantar algunas cosillas por ahí. Fue un momento muy rico y especial...

“La guitarra en Venezuela está sufriendo”

2009-04-20T16:10:00.004-04:30

Por Ana María Hernández G.

El guitarrista italiano Flavio Sala acaba de editar un hermoso y emblemático disco: "Mi alma llanera", una compilación con la que rinde un lindo homenaje a la música de nuestro país. Sala fue ganador del Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz, en 2006, certamen en el cual también obtuvo el premio especial como mejor intérprete de música venezolana.
"Mi alma llanera" ya está en los anaqueles mundiales, y en Venezuela estará disponible a partir de mayo.
-¿Cómo surge el disco "Mi alma llanera"?
-Con este disco quiere ser un homenaje personal a Venezuela y a la música venezolana. Aprendí a tocar musica venezolana desde niño, cuando yo tenía apenasnueve o diez años, ya tocaba los valses de Antonio Lauro y otras piezas. Me enamoré de Venezuela sin conocerla, solamente escuchando y tocando su música. Después de ganarme el Primer Premio del Concurso Alirio Díaz sentí la necesidad de dejar a la historia algo de este periodo tan maravilloso vivido en Venezuela, ¡y allí está el disco!
-¿Cómo fue la escogencia del repertorio?
-La música venezolana está llena de ese sentimiento popular que la caracteriza y que no tiene otra música en el mundo. Además suena demasiado bien en la guitarra porque muchas obras nacieron en la guitarra, estuvieron escritas e inspiradas por la guitarra y entonces no hay otro instrumento académico mejor que la guitarra para tocar la música venezolana. Queriendo grabar un disco, me puse a buscar todas las piezas que mejor representen y transmitan ese mismo sentimiento popular para acercarme a la gente.
-¿Cómo ves tu disco al lado del de John Williams ("El diablo suelto")?
-Hay dos cosas: algunas piezas se encuentran en los dos discos (Los Caujaritos, El Marabino, Como llora una estrella, etc...) y la presencia del compositor venezolano Alfonso Montes, el mismo que acompaña con el cuatro a John Williams. Cuando yo le comenté que estaba pensando en grabar un disco enteramente dedicado a la música venezolana, me regaló un maravilloso arreglo de Caballo Viejo del maestro Simón Díaz, creo que la primera versión para guitarra solista, y eso fue un orgullo para mi. Luego, desde el punto de vista musical, que sean los mismos venezolanos que me dejen saber qué piensan de los dos discos :-)
-¿Algún compositor venezolano te ha dedicado alguna obra?
-Ningún compositor venezolano me ha dedicado una obra ni yo lo he pedido en mi vida hasta ahora. Pero, si pudiera comisionar una obra, me encantaría que fuera un concierto para guitarra y orquesta sinfónica, totalmente en estilo popular y virtuosístico, grandioso, como si fuera para guitarra solista, porque eso sonaría demasiado bello.
-¿Cómo ves el movimiento guitarrístico actual en Venezuela?
-Estoy de acuerdo con los maestros Sir Simon Rattle y Claudio Abbado cuando dicen que algo particular está pasando en la música en Venezuela, y no lo hay en otro país del mundo, es verdad. Sin embargo la guitarra en Venezuela, a pesar de los grandes ejemplos como Raúl Borges, Alirio Díaz, Antonio Lauro que todo el mundo conoce, denota una falta de fuertes personalidades que puedan salir del país y competir con los demás y mantener una carrera internacional. Seguro hay mucho talento, pero todavía está debajo de las piedras. Necesita ser descubierto, así como hizo el maestrp José Antonio Abreu (con las orquestas juveniles) y necesita nuevo público. Yo creo que a la guitarra en Venezuela le falta la presencia de muy buenos profesores. El cuatro y los otros instrumentos están mucho mejor. La guitarra está sufriendo.

A mis maestros

2009-01-14T12:54:00.004-04:30

En este comienzo de año 2009, hago un pequeño alto en mis actividades para recordar a los maestros, esas maravillosas personas que dieron buena parte de sí y de quienes he tomado, y aún tomo, para crecer como persona.
(1) La hermana María Teresa, la señorita Crucita Gil, la hermana Rebeca, la hermana Raquel... maestras en el Colegio San José de Tarbes (El Paraíso) y en la música. No solamente lidiaron conmigo en lo que a mi aprendizaje se refiere, sino también me enseñaron los primeros rudimentos en la guitarra. Con ellas aprendí a tocar el instrumento para cantar a Dios durante las misas.
(2) El profesor Laureano Herrera. Cuando yo tenía como 12 o 13 años, mis padres contrataron a Laureano, a quien recuerdo como un personaje especial. Él era profesor de mi primo Alberto Andrade y de mi tía Olga, y luego me entusiasmé y lo contrataron para mi. Nos enseñó a afinar la guitarra y a puntear algunas cosas en el instrumento. Aún yo no sabía leer música, pero ya sabía cómo leer las tablaturas y los tonos, y Laureano empleaba ese sistema para enseñarnos. Aprendimos muchísimas canciones, y sobre todo cómo acompañar con el instrumento.
(3) Luis Alfredo Pérez me dio clases en Musiyama, una de las escuelas de Yamaha, ubicada en el Centro Comercial San Martín. Contaba yo como con 16 años, más o menos. Ya Luis Alfredo me empezó a instruir en la lectura musical, algunas cosas de solfeo, y con ello se me despertó un interés inconmensurable e indetenible por saber más y más sobre la guitarra. Ya para esa época había tenido mis primeros contactos con la música barroca: descubrí a Bach y simultáneamente descubrí que Bach se podía hacer en la guitarra, gracias a un maravilloso disco que mis padres me regalaron, el de Alirio Díaz ejecutando obras de Bach.
Gracias a Pérez, fui como a dos o tres -no recuerdo cuántos fueron- festivales organizados por Yamaha de Venezuela, en el cual participamos estudiantes de todas las escuelas Musiyama de Caracas; tanto en el Teatro Las Palmas como en el Don Bosco de Altamira. En el marco de esos eventos conocí al maestro José Peñín, eminente musicólogo fallecido en agosto de 2008. Una de las frases de Peñín que han marcado mucho de mi quehacer musical es: "la mejor música es la que uno hace".
(4) Lourdes (Lula) Becerra. Luis Alfredo se fue y entró a trabajar Lula, una muchacha que me introdujo más de lleno en la disciplina del estudio de la guitarra. Con ella conocí el método de Julio Sagregas, y el solfeo a través de "Solfeo de los Solfeos" volumen 1-A. Ella me dio clases durante un año más o menos, al cabo de lo cual, dejó la escuela, y me contrataron a mi!!! Fue mi primer trabajo en toda mi vida, corría el año 1981, y trabajé con la señora Lilian Vale y su esposo, durante dos años.
(5) El maestro Aldo Lagrutta. En 1983 dejé los estudios de Estadística en la Universidad Central de Venezuela. Para ese momento decidí que mi verdadera vocación era la música, pero lamentablemente pertenezco a una generación para la cual los padres de uno pegaban el grito en el cielo cuando uno manifestaba que quería ser músico... o artista. Así que me puse a estudiar Comunicación Social en enero de 1984, pero ya en octubre del 83 me había inscrito en la Escuela de Música Pablo Castellanos de Macuto, para cursar Guitarra como Dios manda... bajo la dirección de Aldo. Con él estudié hasta 1987, año cuando él decidió irse del país. Actualmente vive en Alemania y desarrolla una importantísima carrera como concertista, con una técnica estupenda y depurada.
(6) El maestro Leopoldo Igarza, me "adoptó" cuando Aldo se fue. Con él estudié hasta 1989, y luego esporádicamente en el 91, 93, 95, 98... la irregularidad se debe a que me gradué en Comunicación Social, y consecuentemente me puse a trabajar. La vida se complica, y el estudio de la guitarra comenzó a compartirse con otras actividades... eventualmente comencé a dar alguno que otro concierto, en 2001 grabé "Poema Barroco", particié en algunos festivales.
(7) El maestro Bartolomé Díaz es actualmente mi maestro. En diciembre de 2006 decidí adquirir la guitarrilla y en 2007 comencé formalmente a estudiar el instrumento, con el cual hacia el último tercio de ese año mostré el trabajo realizado. Aún sigo con Barto, actualmente trabajo en paralelo la guitarrilla con la guitarra barroca, y mis pretensiones son continuar con esta propuesta...
De verdad, a mis maestros todo mi agradecimiento. Qué Dios les dé salud, oportunidades de éxito y que sigan guiando los pasos de muchos estudiantes. Ojalá toda la gente se decidiera a estudiar guitarra o música... sería este un mundo más feliz y mejor.

Décimo aniversario de la muerte de Joaquín Rodrigo

2009-01-01T13:26:00.001-04:30

Reproduzco a continuación el texto de una información vía cable:

ESPAÑA-MÚSICA (crónica)
Por Almudena González
Madrid, 1 ene (EFE).- El décimo aniversario de la muerte de Joaquín Rodrigo se cumple en 2009, una ocasión para descubrir la extensa obra del autor de "El concierto de Aranjuez", el compositor español más programado en el extranjero y que escribía en braille sus partituras antes de dictarlas al copista, nota a nota.
"En este aniversario, mi deseo sería que se tocaran obras de mi padre que apenas se han interpretado en España; hay muchas casi por estrenar y me gustaría que entraran en repertorio porque serían descubrimientos y otros estudiosos extranjeros están en ello", dijo a Efe Cecilia Rodrigo en la sede de la Fundación Victoria y Joaquín Rodrigo, ubicada en la casa familiar, que conserva intacta.
Entre infinidad de fotografías y recuerdos, parece sentirse la presencia del matrimonio, Victoria y Joaquín, en esta vivienda de Madrid, donde se encuentra, en la misma sala del piano, la máquina braille con la que el compositor, ciego desde los tres años por una epidemia de difteria, escribía sus partituras.
Posteriormente se las dictaba a un copista, nota a nota, instrumento por instrumento, con sus respectivas variaciones. Después, Victoria y Rodrigo corregían al piano la copia, antes de enviarla a la edición, que también revisaban antes de su publicación definitiva.
"¡Formaban un equipo bárbaro!; ella era su verdadero agente", explica Cecilia Rodrigo, quien no oculta la emoción que sintió el 12 de diciembre pasado cuando la Orquesta Nacional de España y la soprano Ainhoa Arteta, dirigidos por Vasily Petrenko, dieron el pistoletazo de salida a este aniversario.
"Fue una interpretación magistral; fue muy bonito, pasé unos momentos muy emocionantes", recuerda la hija del compositor, al que volverá la Orquesta Nacional en mayo para tocar "El concierto de Aranjuez".
Sobre esta obra, Cecilia Rodrigo puntualiza: "'El concierto de Aranjuez' es un fenómeno excepcional. Mi padre solía decir: si yo supiera qué tiene, habría encontrado la piedra filosofal". De hecho, se toca en todo el mundo y recibe "innumerables" peticiones para versionarla: desde Il Divo, a Andrea Boccelli y, la última, desde Rusia.
"Mi padre lo entendió muy tarde pero al final reconoció que las versiones para el pop dan popularidad a la obra", prosigue la hija del autor, quien insiste en resaltar el resto de piezas del compositor, por ejemplo, sus conciertos para piano o sus muchas piezas sinfónicas.
Y, sobre todo, el repertorio vocal, el que más le gustaba y para el que más escribió, recogiendo la tradición literaria española, desde Alfonso X El Sabio a Juan Ramón Jiménez.
"Pocos compositores han gozado de la popularidad en vida, del reconocimiento y del cariño de la gente como mi padre, que recibió todos los premios; sería muy ingrato no decirlo", recalca la responsable de la fundación, aunque lamenta que "en España no se valora lo nuestro", pues en el resto del mundo Joaquín Rodrigo es mucho más programado que en su país natal.
Cecilia Rodrigo explicó que viajará en febrero próximo a Estados Unidos para participar en un homenaje a su padre en la Universidad de El Paso, cinco días dedicados al autor. EFE

Muchas cuerdas, muchos sonidos

2008-12-29T14:14:00.002-04:30

Esta es la primera fotografía de mis tres "niñas": de izquierda a derecha, la guitarra barroca, la vihuela y la guitarrilla. La barroca ha sido mi "tormento" (maravilloso tormento") durante este año. He comentado en varias ocasiones lo que cuesta sacarle un buen sonido al instrumento. Por otra parte, la misma guitarra y sus maderas se han estado ajustando para dar lo mejor de su sonoridad, y ello ha contribuido a que haya habido algunos ajustes. Pero confío en que todo vaya bien y próximamente pueda anunciar un trabajo demostrativo al respecto.
El segundo instrumento es la vihuela, que la recibí el miércoles 3 de diciembre, es decir, ese será el día de su cumpleaños. Ojalá su condición sagitariana le otorgue todas las virtudes que se merece este noble instrumento. Hasta el momento he estado templando y templando la vihuela, cosa que no es nada fácil, primero porque las clavijas se resistían a quedarse en su sitio, para lo cual empleé la resina que se utiliza para engrasar las junturas en las flautas dulces. Con ello logré que las clavijas finalmente encajaran en su sitio y pudieran mantener la afinación. Así, poco a poco la tapa se ha estado ajustando y poco a poco tomando afinación. Sin duda, ver crecer un instrumento desde su nacimiento es tan hermoso como ver crecer un bebé, y sé lo que digo.
Por último, la guitarrilla, la mayor de todas. Cada día suena mejor, cada día la quiero más. Su delicadeza, su ternura, su sencillez me tienen aún muy cautivada y conmovida, y no niego que este espíritu renacentista todavía me mantenga atrapada y me "aleje" un poco del espíritu barroco que debería asumir... espero madurar pronto!
Por los momentos, sólo me queda desear un FELIZ AÑO 2009

Noticias recientes

2008-11-30T11:48:00.002-04:30

Luego de tan larga ausencia, vuelvo a actualizar regularmente el blog.
Tenemos varias cosas: sigo trabajando el repertorio con la guitarra barroca, también con la renacentista, porque el próximo 5 de diciembre vuelvo como invitada a Iudanza-Uneartes, para la coreografía renacentista al compás de la guitarrilla.
En breve tendré entre mis manos la vihuela, y con ella todo un trabajo histórico más completo, sobre los orígenes de la guitarra moderna y por supuesto nuestro cuatro venezolano.

Con los dedos entumecidos

2008-10-21T11:54:00.001-04:30

Luis Garimaldi, el guitarrista que rompió record tocando durante 54 horas, y cuya nota está más abajo, me escribió. Me envió fotografías, una de las cuales la comparto aquí, y corresponde al último acorde que tocó.
A continuación, parte de lo que me escribe en el correo, y que detalla un poco lo que ha hecho y está por hacer.
"Con respecto al récord las cosas están preparándose para enviarlas a Inglaterra, dos películas paralelas, DVD y cinta, con el cronómetro en cada una. La parte legal, los 23 asistentes, enfermeros y testigos, de los cuales se deberá hacer una declaración jurada ante un escribano para certificar su presencia. Los cuadernos (también certificados ante escribano) de temas cronometrados, no se podía repetir en lapsos de 4 horas, y descansos de 5 minutos por cada hora, y pausas no mayor a 30 segundos entre tema y tema. Los dedos después de las 35 horas me quedaron amoratados, las yemas y el dedo de la cejilla, en todo su largo, dejé de sentirlos después como por 3 horas (en el tramo final). El cerebro se me detuvo varias veces (la sensación es como si alguien pasara al lado tuyo y lo percibieras periféricamente), se me durmieron las pantorrilllas y no podía levantarme. Si cerraba los ojos como para sacudir la cabeza y despejarme, me dormía!! Veía doble, no podía fijar la vista. Esas 3 horas fueron críticas, pero al pasar eso ya supe con certeza que iba a llegar!! Solo lo volvería a hacer si tuviera un estímulo más (como dinero, por ejémplo, o un auto full cero Km). Preparé mi cerebro 3 meses antes, de a poco, para controlar el sueño, y ahora me faltará más o menos un mes más para poder volverlo a la normalidad. Lo demás, físicamente muy bien por suerte. Sólo me faltó la fe de muchos, especialmente en el hotel donde lo hice cuando 15 días antes me informaron que el récord no era de 44 horas de un americano de Michigan, sino que se había actualizado por un guitarrista de la India con 53 horas. Eso me partió todos los esquemas, especialmente la parte psicológica. Tuve una semana más o menos para recomponer mi cabeza con la misma decisión de antes: ¡¡¡BATIR EL RECORD!!!".

La guitarra también se piensa

2008-10-12T21:15:00.005-04:30

Esa guitarra que se ve tan hermosa cuesta dominarla. Es interesante porque su modo de tocarla, su ser, su personalidad no tiene absolutamente nada que ver ni con la guitarra posterior -la de seis cuerdas-, ni con la anterior -la renacentista de cuatro órdenes-. Ella es única, es voluble, maravillosa. Como la potranca zaina. Ese arduo trabajo, que ahora sí está dando frutos, porque ahora se escucha genial, ha sido el motivo de mi ausencia por este medio. De verdad que enfrentarme a la guitarra barroca ha sido uno de los más grandes retos que me ha tocado en mi accidentada vida musical.
Ahora bien, la satisfacción es inmensa, no tiene precio. La barroca tiene su guataca particular. Me refiero a que no es lo mismo seguir intuitivamente la música, no es posible seguirle el juego a los dedos en su infinita inteligencia y autonomía con esta guitarra, de la misma forma como suele hacerse con la guitarra moderna. Uno se ha entrenado para hacer secuencias lógicas de digitaciones con la moderna, que en la barroca no tienen ningún sentido. Esto podrá verse y escucharse con las obras de Gaspar Sanz, ampliamente conocidas en sus versiones para guitarra moderna. Una vez que se han estudiado las obras de Sanz en el instrumento original, es decir, la guitarra barroca, en la moderna no pueden volver a tener el mismo estatus, de obra original, sino de versión. Tiene que ver con la afinación de una y de otra. A pesar de que son los mismos sonidos, la doble cuerda de la barroca introduce un elemento que es difícil que la moderna haga: la campanella (ya me he referido a ella otras veces).
Con la barroca me ha ocurrido algo que no me pasó con la moderna cuando hacía el repertorio barroco: el instrumento da la exacta medida de cómo era la época, de cuál era el espíritu del barroco, del juego de apariencias, de sobreentendidos, de poses, totalmente barroco. Lo barroco suena en la guitarra moderna y trata de ser, pero no es. No llega a serlo. Personalmente pienso que mejor dejar a la guitarra moderna el repertorio de 1840 para acá, para que se luzca en todo su esplendor. Y si por casualidad de la vida desea hacer repertorio anterior, mejor que se negocie, se converse, se advierta que son versiones. Nunca la realidad de la música de la época, que solamente pueden hacerlo los instrumentos réplica o de la época.

Festival de Guitarra en Costa Rica

2008-09-24T16:57:00.002-04:30

Me encantan los festivales guitarrísticos donde se congregan las diversas tendencias y estilos. Por eso comparto esta nota:

SAN JOSE, 24 Set 2008 (AFP) - Guitarristas de Brasil, Paraguay, Estados Unidos, España, Cuba y Francia, entre otros, acuden a partir de este miércoles a Costa Rica para participar en el XV Festival Internacional de Guitarra, que también contará con orquestas de México y Nicaragua. Los guitarristas cubanos José Angel Navarro y José Luis Zamora serán los encargados de inaugurar este miércoles el festival, que se prolongará hasta el domingo en el céntrico y centenario Teatro Nacional, una de las joyas arquitectónicas del país y que coproduce el evento cultural.
"Tenemos grandes expectativas, que haya llenazos, que la gente nos apoye como en todas las ediciones anteriores", dijo a AFP el vocero del Teatro Nacional, Mariano González. "Vienen grandes guitarristas de Cuba, Brasil, España, Paraguay, Estados Unidos, México, Francia, que nos deleitarán con todo tipo de ritmo", afirmó. Brasil estará representado por Carlos Barbosa Lima, quien actuará el 25 de setiembre en un dúo sudamericano que completa la paraguaya Berta Rojas. Ese mismo día el turno corresponderá al estadounidense Mike Stern, quien en 2001 hizo una presentación magistral en el país y ahora vuelve a exponer ritmos como jazz, funk, blues y rock.
"Mike Stern es un ícono, uno de los más conocidos guitarristas del ritmo jazz", aseguró a AFP Luis Zumbado, fundador hace 25 años del festival que, en un principio, se realizaba cada dos años. "El brasileño Barbosa Lima es un maestro de renombre mundial, pero todos son excelentes, todos los que vienen", puntualizó Zumbado. Además, la orquesta de guitarra del Instituto Tecnológico de Monterrey compartirá el escenario con la orquesta de guitarra de Nicaragua para tocar diversos ritmos latinos, indicó González. Francia y España, con Remi Jousselme y Rafael Andújar, respectivamente, fueron escogidos para representar a Europa.
Jousselme dará posiblemente el concierto más clásico del festival, mientras que Andújar echará mano de sus amplios conocimientos del flamenco. El acto de clausura estará a cargo del invitado especial del festival, el mexicano Iván Trinidad Sánchez, quien actuará con varios guitarristas costarricenses, indicó Zumbado, fundador de la orquesta de guitarra de la Universidad de Costa Rica.

Cómo resistir 54 horas tocando guitarra

2008-09-22T16:54:00.002-04:30

Vean qué fina esta nota!!! Eso sí es tocar guitarra con ganas. ¿Cómo le habrán quedado los dedos?

Montevideo, 22 sep (EFE).- Un músico argentino que vive en Uruguay desde hace más de 20 años entrará en el Libro Guinness de los récords luego de tocar durante más de 54 horas la guitarra en un hotel de la localidad turística de Punta del Este. El músico Luis Garimaldi batió en la tarde del domingo el récord de permanencia tocando la guitarra, según el comunicado enviado hoy a la prensa y en el que se detalla que dedicó 54 horas y cinco minutos a esa labor, que comenzó el viernes pasado. Garimaldi superó en una hora y dos minutos el récord de duración tocando la guitarra que ostentaba hasta ahora un músico indio.
Los temas musicales no duraban más de dos minutos y Garimaldi reanudaba los rasgados y punteados tras unos segundos en los que recibía los aplausos de los testigos de la hazaña, realizada en el hotel Mantra Resort de la ciudad balneario uruguaya. Garimaldi descansó cinco minutos cada hora para acudir al baño o ingerir algún alimento, pero prefirió acumular esos preciados instantes y tocar de seguido varias horas para descansar de vez en cuando 15 minutos. (EFE)

Noticias recientes

2008-09-12T12:56:00.002-04:30

He estado ausente un tiempo del blog. Primero por razones vacacionales y luego por motivo a un viaje de trabajo por Austria, Suiza y Alemania... ya informaré y compartiré algunas vivencias...

Sanz y Marín

2008-07-31T09:05:00.003-04:30

Finalmente estoy de lleno trabajando con la guitarra barroca. Es una guitarra veleidosa, fascinante. Para mi no ha sido nada fácil comprenderla: su afinación no se parece a nada de lo que haya tocado, por aquello de que lo que debería ser su orden más grave (el quinto) es más agudo que el cuarto. En este instrumento se suscitan y se encuentran unas armonías muy particulares, sonidos que permanecen en el espacio, y sobre todo, algo que ya había apuntado en otro post anterior: las campanellas.

Estoy montando repertorio de Gaspar Sanz y de José Marín. Del primero encontramos unas simples líneas, que al ser interpretadas demandan riqueza, juegos, ornamentaciones. Del segundo se requiere habilidad para montar, por una parte, lo cantado y, por la otra, lo instrumental. El resultado es sencillamente fabuloso. Creo que será un espectáculo muy hermoso.

El músico Eugenio Montejo

2008-07-12T15:06:00.004-04:30

Me sorprendió tanto como a muchas personas el fallecimiento del poeta Eugenio Montejo. A más de un mes de su partida es cuando puedo escribir estas líneas. Tuve notificación de que estaba mal de salud en la mañana del jueves 5 de junio, justo cuando di el recital de guitarrilla en la Casa de la Historia de Venezuela.
El parte me lo dio la poeta Jacqueline Goldberg, quien tampoco creía lo de su padecimiento.
Una de las cosas que lamento es no haberlo tenido entre el público de mis recitales. No por vanidad, sino porque en varias ocasiones el poeta y yo conversamos sobre música.
Montejo tenía una inquietud: quería conocer sobre la música del siglo XIX de Venezuela. Sabía que no hay mucha editada, aunque sí se figuraba que por allí viven los manuscritos. Quería muchísimo tener grabaciones de la música venezolana del pasado (siglos XIX, XVIII... lo que hubiera); especialmente para compartila -me confesó- con gente amiga suya del extranjero. Quería mostrar nuestro pasado musical. Le sugerí los títulos publicados por la Fundación Vicente Emilio Sojo y por la Orquesta Filarmónica Nacional, así como también las grabaciones de la Camerata de Caracas (aunque para aquellos momentos aún no tenían -como la tienen en la actualidad- la grabación de la obra de Caro de Boesi, porque es novísima).
Me hubiera gustado mucho recibir su impresión, porque concuerdo con él (sé que aun en el Cielo de los Poetas no ha cambiado de opinión) en que la música y la poesía van tan unidas, tan ligadas, que no se sabe dónde está el límite entre la una y la otra.

Despedida en el Ateneo de El Hatillo

2008-06-24T17:12:00.004-04:30

El Ateneo de El Hatillo me recibió el pasado 21 de junio, y con el solsticio de verano, y luego de 20 presentaciones de Juana Francisca y la guitarrilla (entre octubre de 2007 y junio de 2008), he decidido guardarla por un tiempillo para dedicarme a los tonos de José Marín y las pasacalles de Gaspar Sanz, pues ya es hora y tiempo de insuflarle vida al proyecto de la guitarra barroca.
Esto no quiere decir, para nada, que no vuelva a presentarme con mi traje del siglo XVI. Lo que quiero decir es que la gente no verá nada novedoso a lo antes presentado. Dos textos, "Juana Francisca la trovadoresa" y "Juana Francisca y el Quijote de Baruta", así como el programa para el recital "en seco" quedan allí, a disposición de quienes deseen escuchar y ver. Lo que digo es que lo NUEVO se lo dedicaré a la barroca, que requiere energías y mucha disciplina para domar ese hermoso instrumento.

La vihuela viene en camino

2008-06-19T16:54:00.004-04:30

Una bellísima vihuela modelo francés se está gestando en el útero-taller de Claudio Lazcano del Castillo. Seis órdenes dobles y afinación en sol. No veo la hora de hincarle los dientes a la música de Luys de Milán y sus secuaces renacentistas. Me da a la impresión de que Juana Francisca cambiará de instrumento en el espectáculo. Veremos.
Por otra parte, debo adelantar que ya estoy poniéndole mucho corazón al recital con la guitarra barroca. El repertorio que estoy estudiando es Gaspar Sanz y José Marín, principalmente, aunque no se descarta que le inserte algo de Santiago de Murcia.

Performance y Recital

2008-06-10T14:45:00.002-04:30

Recientemente, la Trovadoresa tuvo dos conciertos: el de la Quinta Anauco, el pasado sábado 31 de mayo, y el que acabo de hacer el jueves 5 de junio en la Casa de Estudio de la Historia de Venezuela "Lorenzo A. Mendoza Quintero". Fue un mediodía especial, porque no actué bajo el personaje de Juana Francisca, sino vestida de "civil". Me presentó el curador de la exposición "El cuatro y su evolución histórica", Rafael Casanova; y luego agrupé las piezas para guitarrilla en bloques, y entre cada bloque fui explicando y relatando pormenores del instrumento. Lo más hermoso fue constatar cómo la gente se conmovió con esa música tan bella y en un lugar tan acogedor y cálido.

En la Quinta de Anauco

2008-06-02T10:45:00.004-04:30

Una de mis mayores ilusiones con este instrumento era llegar a la Quinta de Anauco, como efectivamente ocurrió, el pasado sábado 31 de mayo. El ambiente es tan maravilloso, que estoy segura de que el público se transportó a las épocas pasadas, porque, efectivamente, a mí me pasó.
En la secuencia fotográfica se muestran algunos aspectos del concierto, y en la última imagen estamos Nicolás Volpe, notable luthier, mi maestro Bartolomé Díaz y su servidora.
La invitación ahora es para el día sábado 21 de junio, a las 5:30 p.m. en el Ateneo de El Hatillo.

Jordi Savall: "La música aporta la paz"

2008-05-16T18:31:00.000-04:30

Entrevista a Jordi Savall
Por Luis Miguel Pascual

París, 16 may (EFE).- El músico catalán Jordi Savall, embajador de la Unión Europea para el diálogo intercultural, dirigirá en agosto próximo seis conciertos en la abadía medieval francesa de Fontfroide en la que se asociarán músicos de diferente origen para demostrar que "la música aporta la paz".
"La música y el amor son los últimos reductos que nos quedan para aportar la paz. La música nos puede unir", asegura el músico en una entrevista con la Agencia Efe.
Con este propósito, Savall ha diseñado un repertorio particular que será desgranado en una serie de seis conciertos entre el 1 y el 5 de agosto próximos en la abadía medieval de Fontfroide, cerca de Narbona, en el sureste de Francia.
Los músicos que habitualmente acompañan a Savall compartirán escenario con intérpretes de Israel, Turquía, Grecia y el mundo árabe en una "fiesta de la amistad" que persigue "tender puentes entre lo antiguo y lo nuevo, entre occidente y oriente".
"Durante siete siglos el lenguaje musical estuvo basado en los mismos esquemas (...) La música tiene una raíz común", afirma el músico, que ha dedicado buena parte de su vida a rescatar melodías e instrumentos antiguos.
El "divorcio" surgió con la irrupción en Occidente de la polifonía, una revolución instrumental que llevó a Europa creerse superior y a menospreciar las músicas de otras tradiciones.
Esa posición "colonial y prepotente" está en el origen de buena parte de los conflictos actuales, comenta Savall, empeñado en hacer dialogar músicas para mostrar que hay formas diferentes de concebir el mundo.
"La calidad de una música no se mide por el número de participantes en un concierto o por la complejidad de la partitura sino por la capacidad de emocionarnos", señala.
El intérprete que rescató del olvido la viola de gamba sostiene que "el principal problema del mundo actual es la amnesia" y que "si no se puede recordar no se puede construir".
Y para recordar nada mejor que la música, "el arte de la memoria por excelencia", el lenguaje que "se aprende de niño en forma de canción de cuna" y que sirve "para dialogar con Dios y con los seres perdidos".
Además de recordar, la música "obliga a compartir en armonía", afirma Savall, mientras tararea una melodía que, asegura, existe en las tradiciones ibérica, árabe, griega, turca y hebrea y que pondrá el broche de oro a la serie de conciertos de Fontfroide.
"Cada uno la cantará en su lengua y, al final, todos juntos. Esto es lo que hay que buscar, no imponerse, sino armonizar, compartir sin que nadie deje de ser lo que es", afirma.
A esa raíz común, la música añade la "capacidad de emocionar", lo que le convierte en un vehículo que "llega al corazón" de las personas y, por tanto, en un buen instrumento de diálogo entre culturas.
"Los antiguos conocían el poder de la música y la usaban como una medicina. En la actualidad hemos olvidado ese poder", asegura.
Savall cree que "el mundo es injusto", pero se considera un "optimista con reservas" y conserva la esperanza de poder cambiarlo a través de la música, como lo ha hecho en Venezuela el Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de José Antonio Abreu, que ha permitido "evitar que muchos niños caigan en la droga".
Pero también dando testimonio a través de sus conciertos que tocan la fibra más sensible de los espectadores.
En sus innumerables viajes Savall encuentra siempre "gente con sed de belleza, de compartir" y se aferra a esa necesidad para tratar de aportar soluciones.
"La belleza es salvar al mundo y esa es la única vía que nos queda por explorar", dice.

¿Cuándo comencé con la guitarra?

2008-05-14T16:52:00.006-04:30

Sucumbimos a la fiebre "Facebook", y por supuesto, a hurgar en nuestros recuerdos, memorias, archivos, fotografías, todo para reencontrarnos en esta vorágine loca... Conseguí esta foto, de cuando yo tenía apenas 10 años, en la navidad de 1972. Estudiaba cuarto grado de primaria en el Colegio San José de Tarbes (El Paraíso, Caracas). La coloco en esta página, porque me dio por recordar que justamente en el año escolar 1972-73, en algún momento, decidí que quería ser guitarrista. Y fueron justamente las monjas del colegio quienes me iniciaron en la ejecución del instrumento: la cuestión era acompañar los cantos en las misas, pero en esos ya lejanos tiempos mis deditos comenzaron a formar sus callitos. Me da mucha pena no tener ni siquiera una foto con mi guitarra roja Paramount, la primerita que tuve y que me compró mi papá en el Centro de Caracas. Tenía cuerdas de metal y unos puntos blancos grandotes en el mástil. A los pocos meses le cambié a cuerdas de nylon, y era imposible afinarla, ¡porque no sabía ni tenía idea de cómo se hacía! Fueron años bellísimos...

Juana Francisca y El Quijote de Baruta

2008-05-09T11:49:00.004-04:30

Esta fotografía la hizo la escritora Marissa Arroyal, y amablemente me la envió con un lindo comentario sobre la presentación que realicé el pasado miércoles 23 de abril en la sala José Ignacio Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao, en el marco del VIII Encuentro Internacional de Escritoras.
Sirva lo anterior para anunciar que el próximo sábado 31 de mayo, a las 3:00 p.m., entrada libre, estaré en la Quinta de Anauco, avenida Panteón de San Bernardino, frente al Hospital de Clínicas Caracas. Allí estrenaré, siguiendo de la mano de Juana Francisca la trovadoresa, el performance "El Quijote de Baruta". Juana Francisca, la señora de principios del siglo XVII, les estará contando sobre esta historia ¿verdad o mito?, al compás de la música renacentista original para guitarrilla. No se lo pierdan.

Con el maestro Orlando Poleo

2008-05-07T14:46:00.002-04:30

Estas fotos, hechas por mi compañero de trabajo Cheo Pacheo, fotógrafo de El Universal, son todo un lujo para mí. Es nada más y nada menos que uno de los mejores percusionistas que tiene Venezuela: Orlando Poleo; quien vive desde principios de los años 90 en Francia. Allá desarrolla su carrera musical, y está en el país para presentar su cuarto disco, "Cúrate", grabado con el sello Cacao Música. Poleo estará el jueves 8, viernes 9 y sábado 10 de mayo, desde las 10:00 p.m. en el Juan Sebastián Bar de El Rosal (Caracas). Los que deambulen por esta ciudad, ex de los techos rojos, pueden acercarse y ver con sus propios ojos, cómo es que este titán de la música hace poesía con sus manos...

Embeleso por Sanz

2008-04-30T16:07:00.005-04:30

Gaspar Sanz me tiene embelesada. Por los momentos, he aquí su "laberinto" de posiciones o acordes básicos para la guitarra barroca, y más arriba un CD de Hopkinson (Hoppy) Smith, donde registra su interpretación con la guitarra barroca.

La música de Sanz es como estar ebria pero consciente, y el caso con este autor es que una vez que se conoce la afinación de la guitarra barroca, y se escucha en el instrumento original, su música no vuelve a ser la misma. Curiosamente, esto no pasa (o pasa menos) con los otros instrumentos "de época", como con la vihuela, la guitarrilla o el laúd; con los cuales las transcripciones se ajustan un poco mejor; o suelen satisfacer mejor el espíritu "original".

La guitarra barroca es veleidosa, es dionisíaca, adictiva -dice mi maestro Bartolomé Díaz-, alocada, despeinada, posesiva, poseída, maravillosa, graciosa, erótica... es muy femenina y delirante, me despierta pasiones oscuras, me incita a hacer travesuras, rasgo sus cuerdas y me provoca comer uvas y aceitunas y abrir la nevera como en "Nueve semanas y media"; suenan sus cuerdas y se escuchan carcajadas...

Bueno, todo eso es imposible de traducir en una guitarra moderna. La verdad es que ya Sanz no es lo mismo en una guitarra moderna, aunque sea con Narciso Yépez y su guitarra de diez cuerdas. Las campanelas y los intervalos sonando hasta el infinito son imposibles de reproducir en la moderna. Ahí es donde está la clave del asunto. Las dichosas campanelas. Cuando se tratan de hacer en la moderna, no se entiende muy bien, porque por más que sea, el encordado de la guitarra actual tiene un orden cartesiano, de agudo a grave y viceversa. La barroca no. Ella va de agudo a grave a agudo, y la quinta cuerda al aire es equísona a la tercera pisada en el segundo traste, exactamente. Luego, se puede hacer sonar un intervalo de segunda, con la quinta al aire y la tercera al aire, y dejar suspendido en el espacio esa loca campanela. Y así por el estilo. Escúchese con cuidado, con sumo cuidado, cualquiera de las piezas de Sanz, en su guitarra original, y morderá la almohada de placer!!!!

Recientes presentaciones

2008-04-23T22:23:00.005-04:30

Daré cuenta a continuación de los recientes conciertos realizados con el espectáculo "Juana Francisca, la Trovadoresa".

El pasado 7 de marzo estuve en la Universidad Católica Santa Rosa, en ocasión del Día Internacional de la Mujer; como ya lo reseñé en un anterior "post".

Luego, el jueves 27 de marzo estuve en el Conjunto de Auditorios de la Universidad Simón Bolívar. Fue un concierto muy grato, y allí tuve que hacer una pequeña variación del performance, porque cuando entré al escenario, me olvidé la guitarrilla allí. Entonces, resolví entrar cantando en seco y comentando, mientras bajaba las escaleras hasta el escenario. Me gustó mucho tocar en ese lugar, sobre todo por la cantidad de estudiantes que fueron. Además, tuve entre el público a la compositora Adina Izarra, al editor y poeta Edgar Vidaurre, junto a su hijo estudiante de guitarra; igualmente, Jakelin Liz, excelente cantante e intérprete, quien me obsequió un hermosísimo disco de música latinoamericana que hizo junto a su hija; un lujo que ya reseñaremos aquí en el blog. Me agradó muchísimo haber estado en Sartenejas, entre otras razones porque está en el Municipio Baruta, del cual mi hija Ana Margarita es nativa. Ese lugar trajo a mi memoria una historia que estoy cocinando en mi mente para hacer un segundo espectáculo con Juana Francisca y otro repertorio para la guitarrilla... pero ya os hablaré de ello cuando lo tenga listo. Aún está en cocción.

Después toqué el jueves siguiente, 3 de abril, en el Auditorio del Liceo Andrés Bello, ubicado en la avenida México, cerca del Parque Carabobo (Caracas). La ocasión fue propicia para dar la bienvenida a los estudiantes del Colegio Universitario Francisco de Miranda. Me encantó el auditorio, sobre todo porque recordé unas anécdotas que mi mamá -ex estudiante de ese liceo-me contó: resulta que mi madre, por allá en los años 50 fue alumna del profesor Fredy Reyna, nada más y nada menos que el maestro que investigó con el cuatro acompañante hasta llevarlo a los "extremos" del cuatro solista, algo que para su época fue realmente novedoso. Claro, no podríamos asegurar a pies juntillas si tal cosa se había hecho antes o no, ya se investigará; no obstante, a Reyna hay que darle el crédito de proponer una nueva mirada al cuatro venezolano. Lo que hizo fue afinar el cuatro criollo a la manera renacentista, como la guitarrilla. También he comentado esto en un "post" anterior. A lo que quiero referirme es que mientras toqué en ese venerable auditorio, no pude evitar pensó en las veces que el maestro Reyna debió presentarse allí. No sé si así fue o no, lo cierto es que el maestro Reyna me inspiró esa noche, y para mi fue una experiencia inolvidable, haber estado frente a esos muchachos, muchos de los cuales jamás habían visto un instrumento como la guitarrilla, disfrutando de esta música extraordinaria; también (y tan bien) tocada por Reyna. La primera imagen de esta entrada es una ilustración alusiva, la invitación al concierto.

Luego vino mi participación en el III Festival Internacional de Guitarra de Choroní. Otra experiencia extraordinaria. Inicialmente, mi participación iba a ser en la noche del sábado 5 de abril; pero luego se cambió para la mañana del domingo 6. Lo primero es que fue mi primera vez a esa población costera del estado Aragua. Luego de una carretera estrecha, llena de curvas y unos cuantos baches, y tres horas de recorrido, llegamos a Choroní: describir el pueblo no tiene palabras. No sé cómo hacerlo, porque "hermoso", "hermosísimo", "mágico", "maravilloso" son palabras que no le dan a los talones -si los tuviera- a la población. Esa combinación de bosque tropical, con río que baja de la montaña y bautiza delicadamente el aroma, la vista, el tacto, el alma y desemboca en un mar ancho, brioso, azulísimo; de gente tan amable que no se puede creer, de paz y sosiego... no sigo, quedo corta, cortísima. No hay otra opción sino ir y experimentar.

Ese sábado llegamos a mediodía, e inmediatamente fuimos a la playa. El plural se refiere a todos los participantes y organizadores del festival: Luis Quintero, su esposa Flor Oquendo, los guitarristas Ciro Carbone, Roberto Fabbri y su novia, Tom Kerstens, Pablo de la Cruz, Bruno Pedros, Marina Parilli, y quien suscribe, que me convertí en tiburona, ballena, sardina...

En la noche vino el concierto estelar con los cuatro guitarristas. Si siguen la secuencia de arriba hacia abajo, verán que luego del programa de Choroní hay una secuencia fotográfica: primero Luis Quintero presentó a los solistas, luego vino Ciro Carbone, siguió Roberto Fabbri, Pablo de la Cruz y, por último, Tom Kerstens. Cuatro estilos diferentes, extraordinarios, impecables. Sin duda a la altura. De ese concierto, que se realizó en el Hotel Hacienda El Portete, nos trasladamos hasta el hostal Piapoco, que fue donde pernoctamos. Allí, luego de disfrutar de una cena maravillosa, el guitarrista flamenco Bruno Pedros se unió al nieto del maestro Fredy Reyna quien toca el cajón, y juntos se lanzaron con un velada inolvidable, donde también participó una chica maravillosa bailando flamenco. (En este momento omito los nombres, porque no los tengo a mano, pero en cuanto los precise corrijo el blog).

Al día siguiente me tocó abrir el concierto, en el mismo Piapoco. Luego me siguió la maestra Parilli, y por último el ensamble de Luis Quintero.

De ese día, salto para el concierto más reciente, ocurrido ayer en la noche. En el marco del VIII Encuentro Internacional de Escritoras, la presidenta del evento, la poeta venezolana Astrid Lander, me invitó a tocar, y el concierto se realizó en la Sala Cabrujas de la Fundación Cultural Chacao. La sala posee un extraordinaria acústica, y mi público, integrado en su totalidad por escritores y poetas, me comentaron sobre lo fino del espectáculo. Me gustó mucho tocar para ellos, y al final me premiaron con una bella rosa y panecillos elaborados con la receta de Emily Dickinson.

Ahora me queda precisar mi actuación en la Quinta de Anauco, y el concierto del 5 de junio en la Casa de la Historia. Salud!!!

El celoso estremeño

2008-04-16T12:24:00.004-04:30

Vengo de clases con Bartolomé Díaz, donde estoy profundizando con la guitarra barroca. El maestro me puso una tarea: leer "El celoso estremeño": en esa "Novela Ejemplar" de Miguel de Cervantes y Saavedra hay un episodio sobre una lección de guitarra. Quiero compartir con todos ustedes su lectura, porque parte de ese espíritu dionisíaco, profundo y profundamente barroco, visceral es el que imbuye a nuestra guitarra barroca. Pronto os comentaré sobre lo que se está preparando al respecto. Mientras tanto, disfrutad de la lectura!!!

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Novela del Celoso estremeño (extracto)

Por Miguel de Cervantes y Saavedra

(En la primera parte de la novela se narra cómo el anciano Carrizales, casado con la bella Leonora, siendo celoso la encerró en una casa con todas las comodidades. Loaysa, un " virote (mozo soltero, que a los recién casados llaman mantones)" quería saber qué ocultaba Carrizales y por qué. Así que se ganó la confianza del negro Luis, prometiéndole que le enseñaría a tocar la guitarra)

(...) Yo respondió Loaysa soy un pobre estropeado de una pierna, que gano mi vida pidiendo por Dios a la buena gente; y, juntamente con esto, enseño a tañer a algunos morenos y a otra gente pobre; y ya tengo tres negros, esclavos de tres veinticuatros, a quien he enseñado de modo que pueden cantar y tañer en cualquier baile y en cualquier taberna, y me lo han pagado muy rebién.
Harto mejor os lo pagara yo dijo Luis a tener lugar de tomar lición; pero no es posible, a causa que mi amo, en saliendo por la mañana, cierra la puerta de la calle, y cuando vuelve hace lo mismo, dejándome emparedado entre dos puertas.
¡Por Dios!, Luis replicó Loaysa, que ya sabía el nombre del negro, que si vos diésedes traza a que yo entrase algunas noches a daros lición, en menos de quince días os sacaría tan diestro en la guitarra, que pudiésedes tañer sin vergüenza alguna en cualquiera esquina; porque os hago saber que tengo grandísima gracia en el enseñar, y más, que he oído decir que vos tenéis muy buena habilidad; y, a lo que siento y puedo juzgar por el órgano de la voz, que es atiplada, debéis de cantar muy bien.
No canto mal respondió el negro; pero, ¿qué aprovecha?, pues no sé tonada alguna, si no es la de La Estrella de Venus y la de Por un verde prado, y aquélla que ahora se usa que dice:
A los hierros de una reja
la turbada mano asida...
Todas ésas son aire dijo Loaysa para las que yo os podría enseñar, porque sé todas las del moro Abindarráez, con las de su dama Jarifa, y todas las que se cantan de la historia del gran sofí Tomunibeyo, con las de la zarabanda a lo divino, que son tales, que hacen pasmar a los mismos portugueses; y esto enseño con tales modos y con tanta facilidad que, aunque no os deis priesa a aprender, apenas habréis comido tres o cuatro moyos de sal, cuando ya os veáis músico corriente y moliente en todo género de guitarra.
A esto suspiró el negro y dijo:
¿Qué aprovecha todo eso, si no sé cómo meteros en casa?
Buen remedio dijo Loaysa: procurad vos tomar las llaves a vuestro amo, y yo os daré un pedazo de cera, donde las imprimiréis de manera que queden señaladas las guardas en la cera; que, por la afición que os he tomado, yo haré que un cerrajero amigo mío haga las llaves, y así podré entrar dentro de noche y enseñaros mejor que al Preste Juan de las Indias, porque veo ser gran lástima que se pierda una tal voz como la vuestra, faltándole el arrimo de la guitarra; que quiero que sepáis, hermano Luis, que la mejor voz del mundo pierde de sus quilates cuando no se acompaña con el instrumento, ora sea de guitarra o clavicímbano, de órganos o de arpa; pero el que más a vuestra voz le conviene es el instrumento de la guitarra, por ser el más mañero y menos costoso de los instrumentos.
Bien me parece eso replicó el negro; pero no puede ser, pues jamás entran las llaves en mi poder, ni mi amo las suelta de la mano de día, y de noche duermen debajo de su almohada.
Pues haced otra cosa, Luis dijo Loaysa, si es que tenéis gana de ser músico consumado; que si no la tenéis, no hay para qué cansarme en aconsejaros.
¡Y cómo si tengo gana! replicó Luis. Y tanta, que ninguna cosa dejaré de hacer, como sea posible salir con ella, a trueco de salir con ser músico.
Pues ansí es dijo el virote, yo os daré por entre estas puertas, haciendo vos lugar quitando alguna tierra del quicio; digo que os daré unas tenazas y un martillo, con que podáis de noche quitar los clavos de la cerradura de loba con mucha facilidad, y con la misma volveremos a poner la chapa, de modo que no se eche de ver que ha sido desclavada; y, estando yo dentro, encerrado con vos en vuestro pajar, o adonde dormís, me daré tal priesa a lo que tengo de hacer, que vos veáis aun más de lo que os he dicho, con aprovechamiento de mi persona y aumento de vuestra suficiencia. Y de lo que hubiéremos de comer no tengáis cuidado, que yo llevaré matalotaje para entrambos y para más de ocho días; que discípulos tengo yo y amigos que no me dejarán mal pasar.
De la comida replicó el negro no habrá de qué temer, que, con la ración que me da mi amo y con los relieves que me dan las esclavas, sobrará comida para otros dos. Venga ese martillo y tenazas que decís, que yo haré por junto a este quicio lugar por donde quepa, y le volveré a cubrir y tapar con barro; que, puesto que dé algunos golpes en quitar la chapa, mi amo duerme tan lejos desta puerta, que será milagro, o gran desgracia nuestra, si los oye.
Pues, a la mano de Dios dijo Loaysa: que de aquí a dos días tendréis, Luis, todo lo necesario para poner en ejecución nuestro virtuoso propósito; y advertid en no comer cosas flemosas, porque no hacen ningún provecho, sino mucho daño a la voz.
Ninguna cosa me enronquece tanto respondió el negro como el vino, pero no me lo quitaré yo por todas cuantas voces tiene el suelo.
No digo tal dijo Loaysa, ni Dios tal permita. Bebed, hijo Luis, bebed, y buen provecho os haga, que el vino que se bebe con medida jamás fue causa de daño alguno.
Con medida lo bebo replicó el negro: aquí tengo un jarro que cabe una azumbre justa y cabal; éste me llenan las esclavas, sin que mi amo lo sepa, y el despensero, a solapo, me trae una botilla, que también cabe justas dos azumbres, con que se suplen las faltas del jarro.
Digo dijo Loaysa que tal sea mi vida como eso me parece, porque la seca garganta ni gruñe ni canta.
Andad con Dios dijo el negro; pero mirad que no dejéis de venir a cantar aquí las noches que tardáredes en traer lo que habéis de hacer para entrar acá dentro, que ya me comen los dedos por verlos puestos en la guitarra.
Y ¡cómo si vendré! replicó Loaysa. Y aun con tonadicas nuevas.
Eso pido dijo Luis; y ahora no me dejéis de cantar algo, porque me vaya a acostar con gusto; y, en lo de la paga, entienda el señor pobre que le he de pagar mejor que un rico.
No reparo en eso dijo Loaysa; que, según yo os enseñaré, así me pagaréis, y por ahora escuchad esta tonadilla, que cuando esté dentro veréis milagros.
Sea en buen hora respondió el negro.
Y, acabado este largo coloquio, cantó Loaysa un romancito agudo, con que dejó al negro tan contento y satisfecho, que ya no veía la hora de abrir la puerta.
Apenas se quitó Loaysa de la puerta, cuando, con más ligereza que el traer de sus muletas prometía, se fue a dar cuenta a sus consejeros de su buen comienzo, adivino del buen fin que por él esperaba. Hallólos y contó lo que con el negro dejaba concertado, y otro día hallaron los instrumentos, tales que rompían cualquier clavo como si fuera de palo.
No se descuidó el virote de volver a dar música al negro, ni menos tuvo descuido el negro en hacer el agujero por donde cupiese lo que su maestro le diese, cubriéndolo de manera que, a no ser mirado con malicia y sospechosamente, no se podía caer en el agujero.
La segunda noche le dio los instrumentos Loaysa, y Luis probó sus fuerzas; y, casi sin poner alguna, se halló rompidos los clavos y con la chapa de la cerradura en las manos: abrió la puerta y recogió dentro a su Orfeo y maestro; y, cuando le vio con sus dos muletas, y tan andrajoso y tan fajada su pierna, quedó admirado. No llevaba Loaysa el parche en el ojo, por no ser necesario, y, así como entró, abrazó a su buen discípulo y le besó en el rostro, y luego le puso una gran bota de vino en las manos, y una caja de conserva y otras cosas dulces, de que llevaba unas alforjas bien proveídas. Y, dejando las muletas, como si no tuviera mal alguno, comenzó a hacer cabriolas, de lo cual se admiró más el negro, a quien Loaysa dijo:
Sabed, hermano Luis, que mi cojera y estropeamiento no nace de enfermedad, sino de industria, con la cual gano de comer pidiendo por amor de Dios, y ayudándome della y de mi música paso la mejor vida del mundo, en el cual todos aquellos que no fueren industriosos y tracistas morirán de hambre; y esto lo veréis en el discurso de nuestra amistad.
Ello dirá respondió el negro; pero demos orden de volver esta chapa a su lugar, de modo que no se eche de ver su mudanza.
En buen hora dijo Loaysa.
Y, sacando clavos de sus alforjas, asentaron la cerradura de suerte que estaba tan bien como de antes, de lo cual quedó contentísimo el negro; y, subiéndose Loaysa al aposento que en el pajar tenía el negro, se acomodó lo mejor que pudo.
Encendió luego Luis un torzal de cera y, sin más aguardar, sacó su guitarra Loaysa; y, tocándola baja y suavemente, suspendió al pobre negro de manera que estaba fuera de sí escuchándole. Habiendo tocado un poco, sacó de nuevo colación y diola a su discípulo; y, aunque con dulce, bebió con tan buen talante de la bota, que le dejó más fuera de sentido que la música. Pasado esto, ordenó que luego tomase lición Luis, y, como el pobre negro tenía cuatro dedos de vino sobre los sesos, no acertaba traste; y, con todo eso, le hizo creer Loaysa que ya sabía por lo menos dos tonadas; y era lo bueno que el negro se lo creía, y en toda la noche no hizo otra cosa que tañer con la guitarra destemplada y sin las cuerdas necesarias.
Durmieron lo poco que de la noche les quedaba, y, a obra de las seis de la mañana, bajó Carrizales y abrió la puerta de en medio, y también la de la calle, y estuvo esperando al despensero, el cual vino de allí a un poco, y, dando por el torno la comida se volvió a ir, y llamó al negro, que bajase a tomar cebada para la mula y su ración; y, en tomándola, se fue el viejo Carrizales, dejando cerradas ambas puertas, sin echar de ver lo que en la de la calle se había hecho, de que no poco se alegraron maestro y discípulo.
Apenas salió el amo de casa, cuando el negro arrebató la guitarra y comenzó a tocar de tal manera que todas las criadas le oyeron, y por el torno le preguntaron:
¿Qué es esto, Luis? ¿De cuándo acá tienes tú guitarra, o quién te la ha dado?
¿Quién me la ha dado? respondió Luis. El mejor músico que hay en el mundo, y el que me ha de enseñar en menos de seis días más de seis mil sones.
Y ¿dónde está ese músico? preguntó la dueña.
No está muy lejos de aquí respondió el negro; y si no fuera por vergüenza y por el temor que tengo a mi señor, quizá os le enseñara luego, y a fe que os holgásedes de verle.
Y ¿adónde puede él estar que nosotras le podamos ver replicó la dueña, si en esta casa jamás entró otro hombre que nuestro dueño?
Ahora bien dijo el negro, no os quiero decir nada hasta que veáis lo que yo sé y él me ha enseñado en el breve tiempo que he dicho.
Por cierto dijo la dueña que, si no es algún demonio el que te ha de enseñar, que yo no sé quién te pueda sacar músico con tanta brevedad.
Andad dijo el negro, que lo oiréis y lo veréis algún día.
No puede ser eso dijo otra doncella, porque no tenemos ventanas a la calle para poder ver ni oír a nadie.
Bien está dijo el negro; que para todo hay remedio si no es para escusar la muerte; y más si vosotras sabéis o queréis callar.
¡Y cómo que callaremos, hermano Luis! dijo una de las esclavas. Callaremos más que si fuésemos mudas; porque te prometo, amigo, que me muero por oír una buena voz, que después que aquí nos emparedaron, ni aun el canto de los pájaros habemos oído.
Todas estas pláticas estaba escuchando Loaysa con grandísimo contento, pareciéndole que todas se encaminaban a la consecución de su gusto, y que la buena suerte había tomado la mano en guiarlas a la medida de su voluntad. (...)

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Día de la Mujer en la UCSAR

2008-04-02T17:24:00.004-04:30

Es el anfiteatro de la Universidad Católica Santa Rosa (UCSAR), y allí se reunió una buena cantidad de estudiantes el pasado viernes 7 de marzo de este año, en ocasión del Día Internacional de la Mujer... así que el Decano de Desarrollo Pastoral, Social y Estudiantil, profesor Henry Rodríguez tomó una muy buena cantidad de imágenes, y escogí esta, porque recoge un poco el espíritu de la ocasión: ambiente estudiantil, mis alumnos de Comunicación Social, uno de ellos cámara en mano haciendo tomas, en fin, todo propicio para que Juana Francisca diera rienda suelta a su arte.

Ese concierto fue tipo didáctico, es decir, hice una reducción del espectáculo, y entre parte y parte fui explicando pormenores relacionados con la guitarrilla. Por eso estoy de pie, sin mayores aditamentos escénicos, solo con mi traje del siglo XVI.

Mi impresión es que los chicos disfrutaron el momento. Y los profesores también. De esa presentación me surgió otra: mañana jueves a las 7:00 p.m. estaré en el auditorio del Liceo Andrés Bello, en ocasión de la bienvenida a los estudiantes en su nuevo semestre, del Colegio Universitario Francisco de Miranda. Ya les relataré más...

Con la barroca

2008-03-23T23:59:00.002-04:30

Finalmente con la guitarra barroca, según el trabajo fotográfico de Oswer Díaz Mireles. Ya estamos metiéndole el pecho al repertorio del Gentilhombre Gaspar Sanz, y su hermosísima Instrucción sobre la Guitarra Española. La guitarra y yo nos vamos ajustando, ella a tomar su temple y acondicionamiento, el estiramiento de las maderas, su identidad tímbrica, y yo acostumbrándome a algo totalmente nuevo en lo que a interpretación se refiere. Lo que más me cuesta es cambiar de técnicas, de la renacentista a la barroca, pero, como todo, es cuestión de costumbre.Pronto armaré un repertorio completo y, seguramente, un espectáculo.

Mientras tanto: este jueves 27 de marzo, a las 12:30 p.m., estaré en el Conjunto de Auditorios de la Universidad Simón Bolívar, ubicada en Sartenejas. Juana Francisca la Trovadoresa tañerá su guitarrilla y el repertorio español y francés del siglo XVI, que sin duda se escuchaba en la Tierra de Gracia...

Temporada 2008

2008-03-14T18:43:00.002-04:30

Es un hecho, ya comenzó la temporada 2008 de "Juana Francisca, la trovadoresa". Elementos nuevos (la guitarra colgada, gracias al botón que le agregó el luthier); un texto adicional tan hermoso como sorprendente, y más piezas, constituyen el "plus" para este año.
Comencé la temporada el pasado viernes 7 de marzo, en el anfiteatro de la Universidad Católica Santa Rosa, donde imparto clases de periodismo. Fue un concierto didáctico, donde no presenté el performance en su totalidad, sino algunas partes; y expliqué al público, compuesto en su mayoría por estudiantes, algunos aspectos de la guitarrilla, su circunstancias y ejemplos de su repertorio. Ese concierto se realizó en el marco del Homenaje al Día Internacional de la Mujer, que se celebra los días 8 de marzo.
Ahora bien, próximamente la trovadoresa coge camino, y el próximo jueves 27 de marzo, al mediodía estaré en el Conjunto de Auditorios de la Universidad Simón Bolívar (Sartenejas). Si hacen clic al título, podrán ver la nota de prensa que me han dedicado y que agradezco enormemente.
Luego el jueves 3 de abril, a las 7:00 p.m., estaré dando la bienvenida a los alumnos del Colegio Universitario Francisco de Miranda, en el auditorio del Liceo Andrés Bello. Aún no sé si el concierto es abierto a todo público.
Para el miércoles 23 de abril, a las 6:30 p.m., participaré en el Encuentro Internacional de Escritoras, en el Centro Cultural Chacao. Cuando estemos más cerca de la fecha precisaré el lugar. Creo que será más bien en la sede de la Fundación Cultural Chacao, sala Cabrujas, pero debo confirmar.
Espero que me asignen un sábado por la tarde en la Quinta de Anauco, San Bernardino.
Para mayo organizaré un concierto, aún no sé de salas, pero prometo que algo habrá, sobre todo por el Día de la Madre.
El 5 de junio, a las 12:30 p.m. me recibirá el auditorio de la Casa de Estudio de la Historia de Venezuela, ubicado en el bulevar Panteón, en el marco de la exposición sobre LA EVOLUCIÓN HISTÓRICA DEL CUATRO.

La barroca en mis manos

2008-03-12T16:32:00.004-04:30

En la foto hay un montón de guitarras barrocas, COMO LA MÍA, que ya la estoy amansando entre los dedos. Suena fantástica, tiene un sonido brillante, pastoso, delicioso y delicado, y ya me estoy estudiando las obras del gentilhombre Gaspar Sanz, cuya tablatura es al revés de lo que estoy acostumbrada con la francesa y Le Roy de la guitarrilla.
Cuando tenga fotos de la copia de Jean Voboam 1690 realizada por Claudio Lazcano del Castillo, os la presentaré formalmente.
La imaginación comenzó a trabajar a millón para poner a futuro a una descendiente de Juana Francisca, la trovadoresa, en el siglo XVIII interpretando la música original para esta guitarra barroca en escena. Sobre ello, ya informaremos...

El cuatro venezolano, evolución histórica

2008-03-01T11:31:00.005-04:30

Desde el pasado 21 de febrero, los espacios de la Casa de Estudio de la Historia de Venezuela "Lorenzo A. Mendoza Quintero" (Veroes a Jesuíta, bulevar Panteón, Caracas) ofrecen una notable muestra de cuatros y parentela, en más de treinta ejemplares. Si hacen clic en el título de esta nota, podrán ir a la que se publica hoy en el diario El Universal.
Se trata de una exposición con el cual se recorre históricamente la evolución del cuatro, tal como lo indica el título de la muestra. La curaduría y criterio de la exposición la realiza el médico y músico Rafael Casanova, a partir de instrumentos suyos y de colecciones privadas.
Hay varios aspectos interesantes inherentes a esta exposición: en primer lugar, el visitante lo primero que ve es lo más visible -obviamente-, los instrumentos que abarcan desde ejemplares antiquísimos, más de dos mil años antes de Cristo, hasta cuatros de muy avanzada y reciente factura. Por esa cronología pasa nuestra querida guitarrilla, acaso la madre directa de nuestro instrumento nacional, tal como lo hemos reseñado en esta web con anterioridad.
También se observan unos ejemplares antiguos del cuatro, en donde se percibe cómo fue modificando la forma de la guitarrilla (foto del catálogo, en la extrema izquierda), acentuando más la cintura de ésta. En la fotografía, es el instrumento a la extrema derecha, nombrado "Octavo", acaso por presentar ocho cuerdas, aunque en realidad son ocho órdenes. Según Casanova, este ejemplar es de autor desconocido, está fechado en El Tocuyo (estado Lara) y data aproximadamente de 1860.
Desde allí, hay muchos modelos, desde los larenses hasta los orientales. Y hay algo interesantísimo, y es que para Casanova no hay diferencia sustancial entre el cuatro larense y el oriental. Es el mismo instrumento. Sin embargo, en Lara hay otros ejemplares, que han permanecido hasta la actualidad, como el quinto, el quinto y medio, el seis, el mismo octavo, y ¡pare usted de contar! Lo más interesante es que Casanova registra más de setenta afinaciones del cuatro en Venezuela, o sea, hay que ver cómo nuestra guitarrilla parió hijos e hijos en esta Tierra de Gracia.
Otro aspecto interesante es que el visitante de la muestra puede escuchar cómo suenan los instrumentos, gracias a unos audífonos colocados cerca de las vidrieras; así como ver la literatura que se le ha dedicado tanto a los instrumentos antiguos como al cuatro, y que va desde los famosos cuadernillos de Oscar Delepiani, pasando por tratados y hasta la biografía del maestro Fredy Reyna, del guitarrista e investigador Alejandro Bruzual.

Una visión del cuatro

A continuación, parte de la entrevista hecha a Rafael Casanova, el pasado miércoles 27 de febrero en la Casa de la Historia.
-¿Qué diferencia tiene el cuatro oriental con el larense?
-Es el mismo instrumento, de repente se modifican un poco las maderas. Pero la forma de tocar es lo más interesante, los ritmos; pero el instrumento como tal es similar, a peser de haberse gestado en sitios tan diferentes.
-¿Cuántos instrumentos hay aquí?
-Más de treinta. Esta es una muestra representativa de los cuatros que hay actualmente en Venezuela. No obstante, se ha desarrollado mucho la luthería, hay muchos luthieres, contando con constructores excelentes en prácticamente todos los estados de Venezuela.
-¿Usted ejecuta todos estos instrumentos?
-Sí. Yo fui autodidacta desde los cuatro años de edad. Mi abuelito materno, Luis Alberto Duarte, fue quien me enseñó los primeros pasos en la música. A él le gustaba tocar el violín. Después crecí tocando el cuatro, y más o menos a los 17 años de edad, tomé el primer curso de cuatro solista con el maestro Fredy Reyna. Ya teniendo unos 22 años de edad, suplanté al maestro en los cursos que él daba en la Dirección de Cultura de la Universidad Central de Venezuela. Ya para ese entonces estudiaba medicina, el maetro estuvo un tiempo en Europa. Allá conocí a la fallecida Modesta Bor, al profesor Eduardo Serrano. Me enseñó mucho enseñar el instrumento. Después he estado como cuatrista solista, en la Universidad tenía al grupo "Los de aquí". También toco otros instrumentos, como el arpa, la bandola, la guitarra, la guitarra renacentista, la guitarra barroca, etc; todos los instrumentos de cuerda pulsada, el charango, cavaquinho, banjo, cuatro puertorriqueño, tres cubano, timple canario, el ukelele hawaiano, la guitarra jarocha mexicana; y desde hace 18 años pertenezco a "Armonías de Venezuela" que ya tenemos cuatro producciones propias y dos producciones conjuntas con cantantes; en total seis producciones; y una séptima que es nuestro primer DVD, que grabamos con los integrantes de Hexacorde. Por supuesto, siempre estoy tratando de apoyar todas estas exposiciones, y siempre que me lo han pedido así lo he hecho. Cheo Hurtado, quien va a cerrar el ciclo de conciertos que tenemos en junio, quería que se continara esta exposición en el Museo Jesús Soto, porque va a mudar "La siembra del cuatro" a Ciudad Bolívar.
En relación a esos conciertos, van a ser todos lo jueves hasta el 19 de junio, con variados cuatristas de Venezuela, a las 12:30 p.m. con entrada gratuita. Los miércoles van a haber charlas y exposiciones a las 10:30 a.m., dirigidas a un público joven, porque alrededor hay muchos colegios, primarias y secundarias, y se aprovecha y se invita a esos muchachos, para que vean la charla, hagan sus preguntas y aprovechen y vean el museo. Esta es una de las funciones, la DOCENTE, habrá charlas de Enio Escauriza, Sir Augusto Ramírez, Henry Leal, Cheo Hurtado y mi persona.
-¿La construcción del cuatro no había variado en cuatrocientos y tantos años sino hasta el modelo Casanova propuesto por usted?
-Sí, exactamente. En 1970-71, el luthier Ramón Blanco venía de México, aunque él es de origen español, y ya venía con conocimientos de alta luthería, de maderas nobes y de técnicas refinadas. Cuando empieza a hacer los primeros cuatros, vemos la diferencia, entre los nuestros y estos. Los constructores se acercaron al taller de Ramón y mejoraron sustancialmente la luthería. Yo digo que la luthería venezolana de cuerdas pulsadas, sin el arpa, es antes y después de Ramón Blanco.
-¿De los hijos de la guitarrilla hay alguno que haya alcanzado los niveles de avanza tal como lo alcanzó el cuatro?
-Sí, con el charango hay conciertos fabulosos, es un instrumento concertista. Igual el ukelele, el banjo, el cavaquinho que se tocan con orquestas sinfónicas, y a nivel mundial.

Hablemos de guitarras

2008-02-29T17:14:00.003-04:30

Hace pocas semanas atrás nos encontramos mi amigo Aquiles Báez y yo en la Casa de la Diversidad Cultural (Los Rosales). Le comentaba sobre el segundo disco que grabé, "Canciones de la Luna", el cual todavía no lo he sacado. En realidad preferí colocarlo en la gaveta, que madure, que algunos lo escuchen y me digan sus opiniones, y sobre eso trabajarlo mejor o directamente editarlo. Lo que pasa es que ahora no es como cuando edité "Poema barroco": las cosas son más difíciles para quienes producimos por cuenta propia, y arriesgar dinero no es tan fácil. Tampoco la plata sobra... En ese disco, la única pieza instrumental es "La Casa Azul", de Aquiles, y de verdad me gusta muchísimo. La toco con mucho cariño.
Me gustaría comentar que esa pieza la conocí de manos del propio Aquiles, por allá en 1987, a raíz de unas clases magistrales que recibimos con el maestro uruguayo (ya fallecido) Abel Carlevaro. Recuerdo que el propio Aquiles se presentó con sus propias obras, y ya nos parecían arriesgadas, insólitas. Nos suministró una fotocopia de su original, y personalmente me dediqué a estudiarla, digitarla y, claro, mi forma de interpretarla tiene más de lo clásico que de la forma como el propio Aquiles la interpreta.
Me gustaría invitarlos a que visiten de vez en cuando la página de Aquiles Báez, sin duda uno de los mejores músicos que tenemos en la actualidad. A la derecha de este comentario, podrán ver una serie de vínculos, y uno de ellos los llevará directamente a su sitio en internet.

Con la guitarra de nuevo!!!

2008-02-17T11:16:00.006-04:30

Algo me tomó por sorpresa. Por razones de tiempo, tuve que dejar de dedicarme intensamente a la guitarra moderna (ahora tengo que hacer tales distinciones!!!). Como la barroca aún no está concluida y la guitarrilla también está donde el luthier para algunos ajustes; los dedos me picaban, estaban deseosos de agarrar cuerdas, y desempolvé la guitarra.

Esta también es hechura de Claudio Lazcano, data de 1998 y fue la primera modelo Milenium que construyó, siguiendo el diseño de Thomas Humphrey.

A pesar de haber estado unos ocho meses sin tocarla, suena espléndida, y los dedos recordaron el repertorio. Claro, ha sido lento, con un poco de torpeza, porque el mástil de esta guitarra es más ancho que el de la guitarrilla, y las cuerdas son más duras. Pero hay una memoria muscular que permite recordar tanto el repertorio, la secuencia de los dedos en determinadas obras, y hasta la dinámica, agógica y otras consideraciones estéticas.

Volver a tocar la guitarra me hace pensar en montar repertorio para ella, y ver hasta qué punto la mano se puede ajustar a los distintos mástiles. Al tener entre las manos guitarras para diferentes estilos, puedo dedicar a la moderna, y en especial a esta modelo Milenium, obras contemporáneas, siglo XX y XXI. Sin duda, haber estudiado y profundizado en el repertorio antiguo me hace pensar y separar distintivamente una cosa de la otra.

Esto implica otra reflexión, y es que a lo mejor un violinista, con su mismo instrumento, puede abordar varios siglos. Lo mismo el flautista, el clarinetista, el pianista. Es posible que así sea. Incluso, voy más allá, con la guitarra moderna modelo Antonio Torres Jurado -que es a la que llamamos guitarra clásica o simplemente guitarra- se puede viajar a través del tiempo y lograr distinciones tímbricas realmente dignas del repertorio que se toca. El caso es que una vez que los dedos tocan un instrumento antiguo, se activa una especie de veneno (soy consciente que uso esta palabra con frecuencia), el alma, el espíritu se conecta con una energía inédita, y se produce una especie de entonamiento o afinación que hace que la sensibilidad quiera hacer la música con el instrumento específico.

Ahondo más: con la moderna me puse a hacer "dedos" con el repertorio de Adrian Le Roy, el mismo que hace sonar Juana Francisca en los espectáculos, y no se oye mal. De hecho, toqué exactamente la tablatura, con las cuerdas 4, 3, 2 y 1 (Re, Sol, Si, Mi) de la guitarra; y la cosa no suena mal... Pero... hay algo que es inherente a la sonoridad de la guitarrilla, algo inasible, difícil de medir, tasar, cuantificar, calificar. ¿Capricho? ¿Excentricidad? Quién sabe. Algunos guitarristas se sienten cómodos con su la guitarra moderna para todo. Uno de ellos fue Narciso Yépez, quien incluso llegó a hacer arreglos de una cantiga de Alfonso X El Sabio para la guitarra. Y no suena nada mal, pero, personalmente, yo no lo haría. Tal vez haría una intabulación de las cantigas para la guitarrilla, el instrumento que considero más "cercano" -del siglo XVI al IX-.

Mientras tanto, voy a reencontrarme con la guitarra para hacer escalas y ejercicios, hacer dedos y manos.

La guitarra barroca

2008-02-11T17:08:00.000-04:30

Como ya tengo un cierto envenenamiento en la sangre producto de la impaciencia por la llegada de mi guitarra barroca, quiero transmitir y envenenarlos con el siguiente texto que traduje, para que vayan viendo de qué se trata esta maravilla sonora. De nuevo, al hacer clic en el título podrán ver la fuente original de donde extraigo el texto en inglés.

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La guitarra barroca

El aspecto de la guitarra de cinco órdenes en el siglo XVIII español produjo un sentimiento de horror despreciable. La guitarra y su música eran el “punk rock” de su época. La nueva guitarra era despreciada a menudo y no gozaba del prestigio de la vihuela o el laúd. Peor, fue asociada a los villanos o a cualquier muchacho que pudiera rasguear una guitarra, a las baladas populares, tabernas, a la criminalidad, la sensualidad y, particularmente, el bailar, todo lo cual era visto por las autoridades de la Iglesia como el camino seguro a la perdición. ¡La ejecución pública de una zarabanda en una guitarra fue castigada con azotes y cárcel!
Finalmente recibió la atención de muchos grandes compositores del momento, como Gaspar Sanz (1640-1710), cuyos esfuerzos lograron sacar a la guitarra de las tabernas y de los establos, hasta llevarla a las cortes reales de Europa, en donde la música rivalizaría con la del laúd y de la vihuela.
Algunos compositores barrocos de la guitarra favorecieron un sistema de encordado sin los bajos (bordones), produciendo una afinación donde las cuerdas más bajas suenan más altas que la tercera. Esto facilita la ejecución más limpia de ornamentaciones y, particularmente, del efecto conocido como campanellas (o pequeñas campanas), donde las notas adyacentes suenan en diversas secuencias, creando el efecto de unas campanas de iglesia que tocan rápidamente. Es imposible producir este efecto sobre una guitarra clásica moderna. Otra ventaja es la claridad de ciertos pasos. Las notas sobre el cuarto y quinto órdenes pueden estar en el mismo rango de afinación que los de las secuencias más altas, pero con un distinto color, lo cual ayuda en la selección de las imitaciones, por ejemplo en Marionas. Si los órdenes más bajos fueran templados en octavas, la música sonaría desincronizada, con algunas notas de paso dobladas una octava más abajo, y otras no.
Es importante tocar la música de las ediciones facsimilares más bien que desde las tablaturas modernos o, peor, la notación musical moderna. Las publicaciones originales no son muy difíciles de aprender y ponen al ejecutante en contacto directo con las intenciones del compositor, especialmente el rasgueado y punteado. Las transcripciones tampoco consideran la nueva afinación y no indican en qué secuencias el compositor quisiera que el ejecutante pulse para alcanzar la abundancia en los colores de los tonos y la expresión característica de este instrumento. La música de Gaspar Sanz, por ejemplo, ofrece los campanellas y otros pasajes rápidos junto con toda la gama de glisandos, ligados y demás ornamentos en la mano izquierda. Su música es una exhibición del virtuosismo, una calidad del deslumbramiento que se pierde cuando está transcrita a la notación moderna, y se entierra bajo la sombra del sonido majestuoso de la guitarra clásica moderna. Construí esta guitarra barroca en diciembre de 2006.

(Autor: Larry D. Brown Lute, medieval and renaissance recorders, hurdy-gurdy)

Conciertos para 2008

2008-02-09T16:46:00.000-04:30

Aprovecho la imagen que me tomaron en el Teatro Luis Peraza de Los Chaguaramos para anunciar lo que ya tengo para este año. En realidad no mucho, hasta el momento.

Para el jueves 27 de marzo, a las 12:30 p.m. (mediodía), estaré en la Universidad Simón Bolívar, en Sartenejas.
Aun estoy cuadrando otros lugares y fechas, y mientras eso ocurre, probablemente para marzo en adelante, la guitarrilla está donde el luthier donde recibe algunos ajustes y mantenimiento.
En lo que al espectáculo se refiere, le estoy puliendo algunas cosas desde el punto de vista interpretativo y musical, y estoy incorporando algunos elementos adicionales en lo que a la producción se refiere. Esperemos que sea de agrado de todos.
SEGUIREMOS INFORMANDO...

Los hijos de la guitarrilla (VI) el timple canario

2008-02-09T14:32:00.002-04:30

El timple canario

A propósito de este hermoso instrumento, nos hemos topado con algunas consideraciones y detalles. Por supuesto, hay hipótesis, teorías, y lo que tratamos de ofrecer aquí en esta serie es un panorama general, sin las pretensiones de la exaustividad ni lo erudito: sabemos que faltan pruebas etnomusicológicas, organológicas, arqueológicas en algunos casos para poder afirmar tajantemente que estos instrumentos SON en efecto, los hijos de la guitarrilla. Ahora bien, ¿por qué no empeñamos? porque hay una mancomunidad de rasgueo, punteo, fraseo, acordes, afinación, y hasta en el resultado sonoro musical que se deriva. Esta es la base por la cual afirmamos que los instrumentos de esta serie se derivan de la guitarra renacentista. Veamos.
Endechas, isas, coplas hermosas que reciben del battente instrumento su soporte e inspiración. El timple es uno de los que más se parecen al instrumento madre, por la forma alargada de la caja de resonancia y la tapa posterior algo abombada. Este efecto de abombamiento lo tiene la guitarrilla como parte de la característica que le permite expandir mejor su sonido. Otra característica que comparte casi que exactamente que la madre guitarrilla es la afinación. La del instrumento renacentista es SOL-DO-MI-LA (de grave a agudo), mientras que el timple afina SOL-DO-MI-LA-(RE), el RE último es optativo si el timple tiene cuatro o cinco cuerdas. ¿Alguna duda adicional sobre el parentesco?
Para saber más de este hermoso instrumento, y de cómo -al igual que su hermano el Cuatro Venezolano- ha trascendido las fronteras estéticas de su propio país, pueden ver lo que hace el timplista Ramos: www.joseantonioramos.com.

Principia Musicae

2008-01-29T12:27:00.000-04:30

Déjame poseerte con mis tímpanos. Abro mi entendimiento para conjurar tu esencia, fundirme en tus vibraciones. No me importan tus formas ni tus ritmos. No me importa si a veces tus ondas pasan de la suave sinusoide a los repentinos picos irregulares. No me importa si te haces ruido, igual eres sonido puro, emanación del Sonido Sagrado, eco del mantram pronunciado por Dios, en cuyo aliento se respiraba el placer de la vida, matizada en energías sutiles, coloreadas con la brillante Luz Mística.

Cuando tus cualidades van al extremo, cuando tus armonías se mezclan en marañas incomprensibles, difíciles de discernir, cuando el estrépito parece ser tu medida, escucho el Silencio en perspectiva. Escucho la ausencia destacada en un vacío olvidado por ti. Por eso recurro al escape de mi racionalidad lógica, sostén de mi cordura creída y confirmada.

Si escapo a este extremo, conjuro la magia y convierto al mundo en angulares cuadraturas de causas y efectos, matemáticamente predecibles. Pero, a veces esto también se torna insoportable.

Así, la balanza se inclina una vez más al lado contrario. Yo me alegro: nuevamente existe la posibilidad de pronunciar la Palabra Móvil, eco del Sonido Sagrado, Eterno Om, Emanación Acústica.

Con mis oídos comprendo cómo el mundo se inclina indistintamente hacia ambos lados de la balanza. Pero mucho mejor encuentro el fiel de este instrumento, ubicado en todo su centro como un tercer pilar: allí están contenidas las características de los sonidos de mis locuras y mis desvaríos, el Silencio Absoluto, el eco del Sonido Sagrado y toda la música posible, imaginada, creada, cantada y ejecutada por todos los hombres y mujeres de la faz de la Tierra. Allí también, en ese fiel, están contenidos todos los razonamientos, elaborados con todas las lógicas capaces de mantener la verdad, reafirmarse con el Absoluto y tener la certeza de la existencia de Dios.

Déjame penetrar por la vacuidad permitida por las ondulaciones, déjame encontrar tu silencio cubierto entre tanta fatuidad. Déjame reconciliarme con el eco de ese Sonido Sagrado, incapaz de volver a ser emitido pero mantenido en la memoria de tus vibraciones inacabadas. Esta es la razón y la intuición. Estas cosas sostienen el eterno principio de la música, su misterio, esencia y temporalidad de lo eterno. Una vez más, déjame ser tu diapasón para vibrar contigo y afinar mi espíritu con el tuyo en la Perfecta Armonía.

(Este texto se publicó en El Universal el miércoles 20 de enero de 1999, página 3-13. Lo publico porque, modestia aparte, me parece un texto hermoso. Un comentario que quiero hacer es que en la redacción del texto no utilcé el "QUE", tal como lo hacía -valgan las inmensas y oceánicas distancias- nuestro poeta cumanés José Antonio Ramos Sucre)

Un Museo de Jerusalén bucea en la música secreta de la Antigüedad

2008-01-25T14:53:00.000-04:30

Crónica de Alberto Masegosa (Agencia EFE)

Jerusalén, 25 ene (EFE).- El Museo de los Pueblos de la Biblia de Jerusalén bucea este año a través de una exposición sin precedentes en la música de la Antigüedad, que permanece como uno de los secretos mejor guardados de la Historia.
La exhibición reúne 137 artefactos, instrumentos e iconos sobre la música en culturas como la mesopotámica, egipcia, judía, fenicia, griega y romana, y también en universos sonoros que fueron engullidos por la noche de los tiempos.
Bajo el título de "El sonido de la música antigua", la muestra presenta en una primera colección varios objetos naturales, desde caracolas marinas a huesos de animales, que el hombre empleó para articular un lenguaje musical antes de la era escrita.
Asimismo incluye un largo rosario de piedras pulidas, localizado en el monte Carmel, en el norte de Israel, de hace once mil años y que las mujeres se ataban a la cintura para que sonara con el movimiento de la pelvis en danzas rituales.
Una flauta y unos címbalos excavados en Meggido, en la misma región y que datan de hace seis mil años, son los principales vestigios que la exposición incluye sobre el Neolítico.
Tampoco faltan copias de liras del pueblo judío durante el Antiguo Testamento -como las que se supone que utilizaba para seducir el Rey David, que de acuerdo con el mito era músico aparte de soberano-, y de arpas de la Grecia Clásica y la Roma Imperial.
El plato fuerte de la exhibición es, no obstante, un panel con una tablilla que demuestra la inclusión de notas musicales en la escritura cuneiforme, que se practicaba hace cuatro mil años en Sumeria, el actual Irak, y es la más antigua del planeta.
Se trata de un himno en cuyo texto el escriba marcó con su cuña las pausas y los intervalos en que el narrador debía guardar silencio para dejar paso a que los músicos tocaran instrumentos de cuerda según una escala de siete notas.
La tablilla es una de las tres de la misma época que los expertos consideran las primeras partituras, en la medida en que no vuelven a aparecer rastros de música codificada hasta el siglo XI, en la Europa de principios de la Alta Edad Media.
El panel se acompaña con un programa informático que permite al visitante interpretar la composición en un ordenador.
Según la comisaria del museo, Joan Goodnick, nadie puede estar seguro, sin embargo, de que la versión en tecnología digital sea fiel a la original, ya que se desconoce el tipo de instrumentos de cuerda con que se ejecutaba la pieza.
"Además, no sabemos si hay algo que se nos escapa, si la partitura está completa, si identificamos de manera correcta las notas", explicó Goodnick a Efe.
La interpretación informatizada reproduce un sonido limpio, claro, nítido, desnudo y concreto, semejante al de compositores de la vanguardia contemporánea como John Cage y Brian Eno, algo que no sorprende al musicólogo Moshé Piamenta.
Asesor de Goodnick en la organización de la exhibición -que abrió el pasado día 7 y cerrará el próximo 31 de diciembre-, Piamenta argumenta que "las técnicas han evolucionado, pero los sentimientos humanos son muy parecidos a los de hace milenios".
"El principal cambio se produjo cuando surgió la oportunidad de grabar la música, que de alguna manera la frivolizó. Hasta entonces la ejecución musical coincidía en el espacio y en el tiempo, lo que le otorgaba algo de sacramental", añade.
Piamenta opina que ese aspecto sagrado se refleja en que las músicas diferían en la Antigüedad según el escenario.
"Había música que sólo se interpretaba en el templo, música solo para la corte real, música solo para las fiestas. En la actualidad se puede escuchar cualquier tipo de música, en cualquier tipo de soporte, en cualquier tipo de marco, pero eso es todo", afirma.
En palabras de Goodnick, "los antiguos pensaban que la música ponía orden en el caos interno y externo, que daba sentido y hacía más comprensible la vida, y ahora eso es igual".

30 años de la Camerata de Caracas

2008-01-24T11:35:00.000-04:30

Treinta años de la Camerata de Caracas. Ayer fue la rueda de prensa, en la propia sede de la fundación que congrega a las agrupaciones que conforma la CC; donde Isabel Palacios, directora fundadora, comentó a la prensa sobre los logros, programación y demás... Si desean ir a la página web de la Fundación Camerata de Caracas, pueden hacer clic en el vínculo, ubicado a la derecha de esta nota, en la sección correspondiente.

Como la nota informativa la publiqué hoy en El Universal (hacer clic en el título), me dedicaré a recordar aspectos sobre mi paso por las enseñanzas de Isabel Palacios.

En primer lugar, no puedo negar que la persona que me inoculó el "veneno" adictivo por la música antigua fue ella. Entre finales de 1982, 1983 y hasta el montaje de la ópera "Don Giovanni" de Mozart en noviembre y diciembre de 1984; tuve el inmenso privilegio de recibir las enseñanzas que ella, y los profesores que la rodearon, se dedicaron a construir para mostrarnos ese sentir y esa estética. En ese entonces, trabajaba ella como directora del Museo del Teclado en Parque Central; y luego seguí en el Taller Permanente de la Ópera de Caracas hasta cuando las clases se mudaron a una casa alquilada en Los Rosales, cerca de la actual sede. No continué porque tuve que dedicarme a los estudios de la carrera y a un incipiente matrimonio que finalmente no terminó de cuajar. Pero esa es otra historia.

Fernando Silva-Morván nos hablaba de Historia de la Cultura, con tal facilidad y pedagogía, que esa forma de transmitir conocimientos se me pegó definitivamente. Todavía conservo como tesoros los libros que nos recomendó, entre ellos "El ascenso del hombre" de Bronowski y las "Metamorfosis" de Ovidio (no las de Kafka). Sin entrar a endiosar el libro de Bronowsky, la idea era la integración del conocimiento. Y ese era el empeño de Fernando, no había concepto, conversación, dato, acorde, situación que no fuera capaz de relacionar con otro. Yo, que venía de sabérmelas todas más una (como buena adolescente), tuve que rendirme a mi absoluta ignorancia, que aún me acompaña aunque con muy ligeros y fugaces barnices de cultura (y no es falsa modestia, es totalmente cierto). Porque, esa gente sí sabe.

Gustavo Tambascio, tan delgado como culto, cultísimo. Nunca he visto alguien como él. Sobre todo porque con Tambascio comprobé que en el mundo sí hay gente que habla del pasado lejano como si lo hubiera visto y vivido. Sí, exactamente como la leyenda del Conde Saint-Germain de los metafísicos. No olvidaré jamás el trabajo que emprendimos con la "Dafne" de Marco Da Gagliano en su cátedra de Historia de la Ópera, y su manera de indicarnos aspectos fundamentales de esa y otras óperas, como si él hubiera sido el transcriptor de Da Gagliano o de Monteverdi. Más aún, era capaz de hacernos bailar igual que las ninfas de los frescos barrocos, y corregir movimientos de la misma manera en la que lo hubiera hecho con los modelos de Rubens. Con él también trabajamos el libro de Ovidio, y yo empecé a creerme la ninfa del Guaire, pero en secreto.

Lucy Ferrero en la técnica vocal no logró extraer de mi ese arte inalcanzable y maravilloso que es el canto; no porque ella no fuera capaz, sino por mi escaso talento en ese arte. Sin embargo, conservo enseñanzas sobre ritmos y respiraciones que me permiten lograr un mínimo desempeño en las cosas que hago. Igual recordamos a los demás profesores de Técnica Vocal: William Alvarado, Francisco Salazar, Aida Navarro, Siew Tuan Loh, Gisella Hollander, Isabel Palacios... Igual con Madalit Lamazares, pianista repertorista, quien junto a José Vaisman eran los encargados de revivir las partes pianísticas de las arias antiguas de los siglos XVII y XVIII...

Si de idiomas hablamos, la propia Isabel se encargaba del francés, Rosa Savoini del italiano y Gisella Hollander de alemán. Sobre todo la pronunciación y el entendimiento de los textos era lo esencial.

No puedo dejar de mencionar a Mónica -no recuerdo su apellido- y a Eduardo Gil, responsables de inculcarnos todo lo concerniente a la expresión corporal y a la actuación. Gil nos llevó de la mano de Eugene Ionesco y "La cantante calva", y en esa obra representé a la criada.

Por detrás, en las clases, en las instrucciones, en los talleres preparatorios para "Dafne" y para "Don Giovanni", en las enseñanzas sobre cómo preparar coralistas, en cómo ser intérprete, persona, sensible; en cómo aprender a aprender (hasta instarnos a meternos de oyentes en las clases de López Pedraza en la Escuela de Letras de la UCV); en todo eso y más, la guía de Isabel Palacios.

Yo entré allí por osada: supe por la prensa de las audiciones, y me preparé "Playa Grande" y "Flor de loto", me llevé mi cuatro, y con el desparpajo y desfachatez que lamentablemente me caracteriza, canté acompañándome en medio de varios aspirantes que habían preparado arias mozartianas y arias antiguas.

Hacía tiempo que no urgaba en estos recuerdos. Lo cierto es que siento por todos estos profesores, los que nombre y los que no recuerdo; por mis ex-compañeros, muchos de ellos actuales luminarias de la música en varias vertientes; siento por ese Taller de Ópera -supongo que el germen de la actual Memoria de Apariencias- un inmenso respeto y amor, agradecimiento infinito.

¡Felicidades en estos 30 Años!

Programación para 2008

Tanto las fotos que ilustran esta nota como lo que sigue, se extrajeron del CD-ROM que acompañó la rueda de prensa. Tomad nota:

Enero 25 / 27
SELVA MORALE E SPIRITUALE / Monteverdi
Camerata Barroca de Caracas/ Collegium Musicum Fernando Silva-Morvan

Febrero 17 al 20
FESTIVAL D’AMBRONAY / Francia
Camerata Renacentista de Caracas

Marzo 28 / 29 / 30
PASION SEGUN SAN MARCOS / Keiser
Camerata Barroca de Caracas/ Collegium Musicum Fernando Silva-Morvan

Abril 19 / 20
MONUMENTA I : LA MUSICA COLONIAL VENEZOLANA
Camerata Barroca de Caracas/ Collegium Musicum Fernando Silva-Morvan

Mayo - Junio 30 / 31 / 1º
TONO LLANO Y FAMILIAR
Música de la casa a la capilla en el barroco Latinoamericano
Camerata Renacentista de Caracas
Camerata Barroca de Caracas/ Collegium Musicum Fernando Silva-Morvan

Junio 16 al 23
FESTIVAL AMERICA-ESPAÑA / Madrid
Camerata Renacentista de Caracas

Julio 18 / 19 / 20 / 25 26 / 27
ORFEO FAVOLA IN MUSICA/ Monteverdi
Memoria de Apariencias
Camerata Renacentista de Caracas
Camerata Barroca de Caracas/ Collegium Musicum Fernando Silva-Morvan

Agosto 24 al 31
COREA- CHINA -JAPON
Camerata Barroca de Caracas

Septiembre 26 / 27 / 28
EL FUEGO Y LA ROSA
Música de caballeros y peregrinos en la Edad Media
Camerata Renacentista de Caracas
Voces de la Camerata Barroca de Caracas

Octubre 31
¡ME LLAMO MOZART!
Camerata Barroca de Caracas/ Collegium Musicum Fernando Silva-Morvan

Noviembre 14 / 15 / 16
TIEMPO DE VIAJES
Música del renacimiento europeo
Camerata Renacentista de Caracas

Diciembre 6 / 7 / 13 / 14
MESIAS / Handel
Camerata Barroca de Caracas/ Collegium Musicum Fernando Silva-Morvan

Festival "Resonanzen 2008"

2008-01-19T15:52:00.000-04:30

Viena, 19 ene (EFE).- Don Quijote de la Mancha es la figura central del festival de música antigua de Viena "Resonanzen" (Resonancias) que comienza hoy bajo el lema de "Fantasía, visiones y locura" con la participación de músicos como Jordi Savall y el Grupo Mudéjar de Begoña Olavide.
La Konzerthaus de Viena ofrece, entre el 19 y el 27 de enero, diez conciertos que serán transmitidos, en parte en directo, por la Radio austríaca ORF y se venderán posteriormente en formato CD.
El festival se ha propuesto, según se desprende de su programa, investigar de forma musical el amplio espacio de la imaginación, entre la ocurrencia creativa y la pérdida de la realidad aniquiladora.
Savall y su Capella Reial de Catalunya, que obtuvieron el Premio de la Feria Mundial de la Música MIDEM al mejor disco de música antigua con su producción "Don Quijote de la Mancha. Romances y músicas", interpretan obras, entre otros, del andaluz Cristóbal de Morales, el vihuelista valenciano Luys Milán y el músico de Cámara de Carlos V Antonio de Cabezón, todo del siglo XVI.
Jordi Savall, favorito del público vienés desde hace años, ha recogido los romances, canciones y madrigales a los que se hace referencia en la novela de quien era a la vez "caballero de la triste figura" e "ingenioso hidalgo", para una panorámica literario-musical de la época.
El Grupo Mudéjar quiere evocar el ambiente musical de la Edad Media y el Renacimiento utilizando los instrumentos reconstruidos en base a la pintura y escultura de entonces, gracias a unas minuciosas pesquisas sobre las técnicas de interpretación perdidas.
"Mudéjar", en su concierto, invita bajo el título "Trovadores Hispanos" a un paseo por el siglo XIII, cuando músicos cristianos, judíos y árabes ensalzaban el amor puro, sin límites.
Otros músicos que contribuyen a las numerosas facetas del programa son Les Cornets Noirs, de Alemania, el conjunto Concerto Italiano bajo la dirección de Rinaldo Alessandrini así como Paolo Pandolfo con su viola da gamba, además celebran su debut en este festival los grupos Echo du Danube y The Sound of Fury.

En breve, la guitarra barroca

2008-01-18T12:38:00.000-04:30

Bartolomé toca el laud
Melchor la guitarrilla
estoy mejor de salud
¡qué buena la manzanilla!

Ruego por mi Madre
y lo dejo en mi boca
que antes de Carnavales
tú toques la barroca.

ClaDIOS.

Estas estrofas me las envió Claudio Lazcano del Castillo (en la foto de Oswer Díaz Mireles), donde muestra el instrumento que -según sus propias palabras- está a punto de concluir, y, según promete en sus versos, estará en mis manos antes de Carnaval, es decir, antes del 4 o 5 de febrero. (¡Yupiiii!)

Me pareció tan ingeniosa la forma como me comunica su próxima culminación, que quise colocarlo y compartilo con ustedes. Y lo de "ClaDios" no es un error. Es así. Salud!

Los hijos de la guitarrilla (V) O Cavaquinho

2008-01-17T10:20:00.000-04:30

El cavaquinho, cavaco pequeño, nos remonta prácticamente a la historia común entre España y Portugal. Ante todo, desde el punto de vista etimológico, la palabra "cavaco" en portugués significa "palique", que en castellano es "charla o conversación continuada"; y esto nos recuerda un poco la forma como el cavaquinho actúa como parte instrumental en la música brasileña.

Pero antes de venirnos a Brasil, examinemos un poco la idea propuesta, de la comunidad cultural hispanolusa. En un tiempo fueron un solo "país" o región, o territorio. Descendientes de los iberos, aquellos habitantes compartieron una sola "bandera" (disculpe el uso de comillas en estos dos últimos términos, pero siento que uso palabras demasiado modernas para una realidad remota).

De acuerdo con lo hallado, el cavaquinho es un instrumento netamente portugués, en forma de guitarra; es decir, de ocho, con la cintura estrecha; pero de tamaño menor. Las fuentes consultadas revelan que proviene de una familia de pequeños instrumentos de cuerda que tuvieron un importante desarrollo desde el siglo XVI, y que tenían un sonido agudo. También se le emparenta con el timple canario y el cuatro venezolano; y de aquí es donde podemos hilar la descendencia con nuestra guitarrilla. Podríamos suponer que la guitarrilla, presente en las cortes y casas portuguesas, se fue con el equipaje a Brasil, al igual que el cavaquinho. Al llegar a América, alcanzó mucha popularidad. Tanto así, que hasta los músicos se extrañan de que sea portugués y no netamente brasileño, tal como nadie duda acerca de la venezolanidad del cuatro.

"El cavaquinho tiene cuatro cuerdas metálicas afinadas normalmente en Re Si Sol Re, de primera a última cuerda ó Re Si Sol Sol. La tapa armónica de la caja de resonancia no suele estar barnizada. El cavaquiño se utiliza en los grupos tradicionales de la mitad norte de Portugal, y normalmente se utiliza rasgándolo con los dedos para acompañar la voz" (www.tamborileros.com).

COMIENCA LA MUSICA PARA GUITARRA

2008-01-12T21:09:00.000-04:30

Cuando Miguel de Fuenllana, en su Orphenica Lyra, hacia el sexto libro cambia la tablatura de seis líneas a cuatro, anuncia solemnemente: "Comienca la música para guitarra", y arranca con un "Crucifixus a tres", y la letra D, de "difícil"... luego siguen ocho obras más para guitarrilla.

Todo esto para contar por qué el guitarrista italiano Massimo Lonardi escogió esa frase para el título de su disco, donde por supuesto incluye obras de Fuenllana, así como de Mudarra, Arcadelt, Le Roy, Morlaye, Gorlier, Brayssing y Barberiis. Una extraordinaria selección de obras, donde Lonardi demuestra su musicalidad y destreza, su sensibilidad y arte al servicio del renacimiento.

La parte dura del asunto es que este disco no está disponible en el país, y sólo se consigue a través de internet, concretamente en Amazon.com. Haciendo clic en el título, se puede ir directamente a la página en esa tienda virtual donde se puede adquirir; y les doy esa información porque de verdad el disco vale la pena.

La barroca en el futuro!

2008-01-11T14:07:00.000-04:30

Creo que falta poco para tener entre mis manos este magnífico instrumento que se muestra en la imagen. En la foto se puede ver la guitarra aún en construcción: le faltan el puente, las cuerdas, los trastes, las clavijas, lijarla, barnizarla, ponerle la roseta (que es tan bella, profunda y maravillosa que allí o habitan las hadas o emula un mall). Esta guitarra barroca también está hecha por Claudio Lazcano del Castillo, y es copia de una guitarra francesa del siglo XVII.
Por ahí tengo las intenciones de que la Juana Francisca aparezca en escena con las dos guitarras, o una se quede en escena mientras ejecuto la otra. Ya veremos, probaremos y reseñaremos. Salud!

Concurso Internacional de Guitarra

2008-01-09T22:01:00.000-04:30

Flavio Sala me envió hoy esta información, que expongo aquí para los interesados. Se trata de la primera edición del Concurso Internacional de Guitarra Clásica "PREMIO ACCADEMIA SANTORO", en "HOMENAJE A JOAQUIN RODRIGO". Por eso pongo la foto de uno de mis compositores favoritos, Rodrigo: haciendo clic en el título pueden ir a su página web y empaparse más de este fabuloso creador, quien es mucho más que el autor del Concierto de Aranjuez... sólo que esta hermosa obra es la que lo ha hecho tan reconocido.

Para saber más sobre las bases y premios del concurso, se puede hacer clic en el siguiente vínculo, donde está toda la información en español: http://www.accademiasantoro.org

¡Suerte!

Una obra de Adrian Le Roy

2008-01-07T11:56:00.000-04:30

Quiero ilustrar con esta obra la forma como se interpreta la guitarrilla. Se trata de un preludio, contenido en el tercer libro de Adrian Le Roy, según la edición de 1551.
Como se puede ver, la escritura está hecha en tablatura antigua, en la que se utilizaban letras en lugar de números. Hay cuatro líneas, las cuales se leen de abajo hacia arriba: 4a., 3a., 2a. y 1a. cuerdas (órdenes) respectivamente. Quiere decir, entonces, que la línea superior corresponde a la primera cuerda u orden y la última de abajo la cuarta.
Cada letra simboliza el traste o división en el mástil del instrumento: la letra "a" es la cuerda al aire, la "b" el primer traste, "c" el segundo, y así sucesivamente, d (aparece con el palito volteado hacia la izquierda. No es un error, sino para que no tropiece con la línea de arriba ni se confunda con la "b"), e, f, g, h, i, k, l y m (a veces). Normalmente la guitarrilla tiene 10 trastes. La "j" no se emplea por su similitud con la "i".
Varias letras superpuestas indican un acorde.
Luego vienen las indicaciones de duración. Al principio hay un "C" atravesada verticalmente con un palito. Se trata de la indicación de compasillo, a dos tiempos, tal como ocurre con la notación musical actual. Sobre las letras hay algunos símbolos. Se trata de plicas similares a las que tienen las figuras de notas, para la notación estándar de la música. En este caso, las que tienen un solo corchete indican cada uno de los dos tiempos del compasillo. Las de dos corchetes dividen las anteriores, las de tres a las de dos, y así sucesivamente.
Algunas letras tienen unos puntitos. Eso significa que esas notas deben pulsarse con el índice de la mano derecha. Las que no tienen deben tocarse con el pulgar. Si son acordes, pues se usan los otros dedos de la mano derecha, y a veces (depende del humor renacentista) se rasguean.
Lo que más me fascina en esta partitura es la enorme letra P que precede la escritura musical. A mi se me antoja a algo entre tarot con esoterismo; y he procurado darle ese toque misterioso a la interpretación que hago de esta pieza: veo en el hombre que se aproxima al perro al arcano de El Loco, con su vara y sus ropas extrañas. El loco es el abismo, la razón sostenida con la fe, el conocimiento que se sabe cierto pero no hay manera de comprobarlo científicamente; pero, pese a ello, se sabe de su certeza y, quizás, hasta de su veracidad. En el cuarto sistema, tercer compas, me lanzo a ese abismo, luego de haber hecho una exposición algo ostentosa y sobria. Me lanzo al abismo de escalas que suben y bajan, con los ojos cerrados, sintiendo la brisa fresca en mi rostro, porque sé que en algún punto (último sistema en todos sus compases) llego a otra cima verde que me espera.

Versiones de Hopkinson Smith

2008-01-05T13:38:00.000-04:30

Smith es un maestro, no cabe duda. Es uno de mis maestros virtuales: soy hija de la tecnología, de la televisión, de la música grabada, de la computación; y por supuesto también aprendí a aprender a través de lo que leo, lo que veo, lo que oigo sin que me lo dirijan directamente a través de un maestro presencial. Uno de estos maestros es Hopkinson Smith, y tengo varios de sus CDs. En este, Alonso Mudarra. Tres libros de música en cifras para vihuela, el intérprete ofrece, por supuesto, todo lo que tiene que ver con el repertorio vihuelístico, ampliamente heredado por los guitarristas modernos. En lo que a la guitarrilla respecta, Smith dedica las cinco últimas piezas a nuestro instrumento. Abandona la vihuela y toma su guitarra de cuatro órdenes construida en Londres por Stephen Murphy y toca cinco de las nueve obras que Mudarra dedicó a la guitarrilla: Una pavana, Fantasía del quarto tono, Romanesca o Guárdame las vacas, Fantasía del primer tono y Fantasía del quinto tono.

Confieso que se aprecia un leve "choque" durante la audición del CD, porque primero se viene escuchando un timbre instrumental, el propio de la vihuela, que es más grave; y repentinamente cambia al timbre más agudo de la guitarrilla. Por supuesto, el oído lo acepta y se continúa apreciando el resto de la selección musical.

Aunque no lo crean, este CD lo conseguí en Caracas, cuando Don Disco de Chacaíto solía estar muy bien surtido. Claro, ahora estamos en otra época, la economía, la política, etc, etc... y paradójicamente, este tipo de materiales no es tan frecuente de conseguir. De manera que la única forma es haciendo uso del cupo de Cadivi... (sin comentarios).

Haciendo clic en el título se puede ir a la página personal de Smith, donde hay muchísima información, así como downloads de su música.

Los hijos de la guitarrilla (IV) La Jarana

2008-01-02T11:52:00.001-04:30

Ante todo, FELIZ AÑO NUEVO 2008. Espero que la hayan pasado súper.

Seguimos con la serie sobre los hijos de la guitarrilla. En la parte derecha del blog podrán ver las tres anteriores entregas sobre estos instrumentos: la primera dedicada al tiple colombiano, la segunda al charango sureño y la tercera a nuestro cuatro criollo y venezolanísimo; haciendo clic a LOS HIJOS DE LA GUITARRILLA.

Nos vamos ahora al Virreinato de la Nueva España, mejor conocido como México. En las tierras de Veracruz, en el Golfo de México, nuestra guitarrilla encontró asiento. Y he aquí algo curioso y maravilloso, como todo lo que implica América Latina: la jarana es un instrumento musical en Veracruz y es género musical en Yucatán; y éste último es tan, pero tan similar al joropo venezolano y colombiano, que parecería que nuestras fronteras se diluyen. Para cualquier persona de estos tiempos le parecerá una tontería, claro, teniendo internet, Google, TV por cable y demás instantáneas comunicativas... pero pensemos que estas músicas se vienen gestando desde el siglo XVI, y evolucionando con el tiempo, cuando ni siquiera había el menor interés entre los músicos por compartir estos saberes y evoluciones: hasta entrado (largo, diría yo) el siglo XX, no hubo interés entre los músicos populares por entablar relación entre ellos.

El instrumento

La jarana veracruzana consta de ocho cuerdas acomodadas en cinco órdenes. En su elaboración, tanto la tapa de fondo como los aros se hacen de cedro rojo o ciprés, el mástil o brazo también es de cedro rojo, y el diapasón de granadillo; mientras que la tapa es de tacote. Al igual que la guitarra battente, es un instrumento rítmico que junto con el arpa y el requinto jarocho generan los sonidos inigualables de la música jarocha.

También está la jarana huasteca, una pequeña guitarra de rasgueo de cinco cuerdas. Armoniza las melodías llevadas por el violín y también acompaña la huapanguera, la voz y el zapateo del bailador, proporcionando un registro alto. Su forma, tamaño y afinación le dan características propias que la hacen diferente a otros tipos conocidos en México. De los instrumentos que componen al trío huasteco, la jarana es el último que se incorporó a enriquecer el acompañamiento y la armonización.

Lo que podemos ver respecto a la jarana, es que en su confección y uso hay dos hipótesis, igualmente válidas para nuestro cuatro, en especial el que se desarrolló en el occidente venezolano: la filiación directa de la guitarrilla; y aquella según la cual estos dos instrumentos recibieron influencia igualmente de la guitarra barroca, que consta de cinco órdenes, tal como ocurre con la actual jarana y en algunas versiones del cuatro barquisimetano. Para los venezolanos está claro que el cuatro no es igual en toda Venezuela. Incluso su nombre es totalmente moderno, pues hasta más allá de 1950 aún se le conocía como guitarrita, guitarrica o guitarrilla.

Retornando a la jarana, su afinación, Sol-Do-Mi-La-Sol, demuestra la filiación con la guitarrilla, que se afina Sol-Do-Mi-La, obviamente sin el último Sol.

Estas y otras complejidades aún siguen siendo objeto de estudio de la etnomusicología latinoamericana. En todo caso, lo que queremos es dar un panorama general de nuestros instrumentos y picarle la curiosidad a los menos avezados.

Para más información, sugiero hacer clic en el título de esta entrada, para acceder a una ponencia de Andrés Barahona Londoño, en el marco del XXV Encuentro de Jaraneros de Tlacotalpan, Veracruz (Febrero 2004).

FELIZ AÑO NUEVO 2008!!!

2007-12-31T11:28:00.001-04:30

Para despedir de la mejor forma lo que ha sido este año 2007, lleno de contradicciones, pleitos, encuentros, desencuentros, fortuna, éxitos... los dejo con una iniciativa de mi pequeña hija Ana Margarita. Ella ha asumido para ella el espectáculo de Juana Francisca, y en las imágines podrán ver cómo ella "ordenó" nuestra casa para montar el escenario, tomar una kalimba, vestirse con cuanta toalla o cobija consiguió, incluso arrimó el pedestal de madera que suelo utilizar como atril, puso su pizarrita y no contenta con ello, pues hizo sus propias anotaciones musicales al estilo antiguo. Bueno, confieso que a mi se me cae la baba del gusto, y para mi es la representación clara del futuro, de la esperanza, de que todo puede ser mejor.
Auguro a todos los blogófilos, a los que me suelen visitar a esta página, a todos y todas muchos éxitos, y que sus buenos deseos se conviertan en realidad.

¡¡¡¡¡FELIZ AÑO NUEVO 2008!!!!!

Música y comidas!!!

2007-12-30T11:19:00.000-04:30

En esta época del año, ya para culminarlo, me gustaría comentar varias recetas que combinan muy, pero que muy bien con la música renacentista. Imagino que la vieja Juana Francisca coloca su guitarrilla en el salón de su casa, se dirige al fogón y comienza a dirigir a las sirvientas. Ella misma se pone su delantal y pica vegetales, despluma la gallina, adereza. Aromas del pasado en el presente, he aquí tres sabores para combinar con el repertorio del pasado. Eso sí, hay adaptaciones para el presente, y también, confieso, hay comidas que trasgreden lo estrictamente cronológico. Ignoro el cuándo y el dónde exacto, pero supongo que cosas como estas solían comerse.
Algo que quería acotar, antes de proseguir con las listas de los ingredientes, es que leí en Esta Tierra de Gracia de Isaac J. Pardo, que en el siglo XVI ya se conocía la arepa y el casabe, pero como alimentos propios de los indios, no de los españoles. A mi se me ocurre que Juana Francisca sí conocía de esos sabores, ella, tan atrevida y osada como sus sirvientes; y mientras el resto de los colonizadores solía proferir con desdén "esas gentuzas de arepa y casabe", nuestra trovadoresa remojaba casabe en guisos de olivas y alcaparras, y acompañaba carnes secas de cacería con un buen pedazo de arepa.

SOPA DE HALLACA

La compositora Josefina Punceles de Benedetti me facilitó esta receta, y ella atestigua que la misma ha pasado de generación en generación, quién sabe desde cuando en su propia familia. Nada impide pensar que desde tiempos lejanísimos se aprecian estos aromas y sabores. Se las copio tal cual ella me la suministró... con sus modernizaciones!!!

Aquí va para 12 personas:

1 gallina (o dos pollos)
6 cubitos de gallina
4 ajoporros para el caldo
2 ajoporros cortados en rueditas
4 zanahorias grandes
1/4 Kgr. de cebolla
1 rueda o trozo de papelón de 4 dedos de largo
1 Kgr. de tomates pelados sin pepa pero con su jugo
1 pote pequeño de puré de tomate
1 frasco (260 gr.) de encurtidos en mostaza
1 frasco pequeño de aceitunas
1 frasco pequeño de alcaparras
1 botella de jerez
50 gr. de almendras peladas
unas gotas de vinagre

La víspera:
Montar la gallina con 4 litros de agua, cubitos, ajoporros y zanahorias.
Hervir por una hora; voltear la gallina y hervir otra hora.
Bajar del fuego y dejar tapado hasta el día siguiente.

El mismo día:
Sacar la gallina y cortar en trozos medianos.
Sofreir la cebolla y los 2 ajoporros
Colar el caldo y añadir la gallina, papelón, el sofrito, tomates y una cucharada de sal.
Hervir.
Añadir los encurtidos picados, la zanahoria del consomé en rueditas, puré de tomate, aceitunas, alcaparras, almendras, jerez y unas gotas de vinagre.

TORTA DE PAN

Esta receta me la dio una colega periodista y excompañera de trabajo en El Universal, María Yolanda García. De vez en cuando, en esas tardes de guardias, llegaba Mayola a la redacción con la suculenta torta. No sé si era o no de la época colonial, pero es tan, pero tan sabrosa, que combina de maravilla con Adrian Le Roy y Alonso de Mudarra... que se los digo. Me gusta imaginarme a la Juana Francisca chupándose los dedos con esta receta.

Ingredientes:
De dos a tres canillas de pan. Si el pan está viejo, ponerlo en agua y luego escurrirlo. Si es nuevo, se coloca directamente en un litro de leche.
1 lata de leche condensada
2 tazas de azúcar negra
4 huevos
4 cucharadas de harina de trigo
200 grs. de queso blanco rallado
Un chorrito de whisky o ron
Pasitas

Preparación:
Remojar el pan con la leche y el azúcar. Batir cuatro amarillas de huevo y agregarle el licor y el queso.
Batir a punto de nieve las claras.
Cernir la harina sobre la mezcla y batir de manera envolvente.
Colocar la mitad de la preparación en un molde enharinado y echar la mitad de la leche condensada, pasitas.
Colocar la otra mitad y el resto de la leche condensada y las pasitas.
Hornear por dos horas a 250 grados

CHOCOLATE CALIENTE

Esta preparación es la clásica, pero ahora con el riquísimo y supremo cacao barloventeño de Venezuela, el mejor del mundo. No lo digo por chauvinismo, sino porque es la mera verdad. Váyase por la vía hacia el Oriente, y antes de El Guapo o por sus cercanías, encontrará una serie de empresas familiares dedicadas a cultivar, cosechar y procesar el exquisito cacao. Ellos los expenden en unas especies de barras, cada una de las cuales puede dar unas 20 tazas de chocolate. Eso sí, es importante espesarlo con maicena, y ponerle un puntito de sal; y azucararlo al gusto.
Hace un tiempo hubo una exposición del cacao en el Parque del Este, y conversé con Pedro Rosas Martínez, director de Chocolates Choco Chaca, y me dio su dirección, por si alguien desea llegar por lo seguro: Calle Real de Panaquire, frente a las canchas deportivas de Panaquire, estado Miranda. Barlovento, Venezuela. Teléfono (0414) 2308204 y email: chocochaca@mipunto.com.
Igualmente, el historiador de arte Carlos Duarte publicó hace unos años un libro sobre la historia de la degustación del cacao, y allí registra una bellísimas copas hechas con la nuez del coco. Se toma esta nuez y se corta a lo largo, como para confeccionar un vaso. Se pela y se pule. Las fotografías de Duarte muestran colecciones de la época colonial, engastados en plata y hasta con los monogramas de las familias. En algún momento mandará a hacer algo así para compartir con los asistentes al performance de Juana Francisca. Sin duda, de las tres recetas, esta es la más genuina y auténtica, proveniente desde las primeras épocas de nuestra nacionalidad como venezolanos y latinoamericanos, una maravillosa herencia de los ancestros primigenios, con el ingenio europeo.

¡¡¡¡¡¡¡Buen apetito y FELIZ AÑO NUEVO 2008!!!!!!!!!!!!

Mi guitarrilla

2007-12-26T23:22:00.001-04:30

Mi guitarrilla es la extensión de mi alma. Sus cuerdas llevan lo que siento, transmiten y retransmiten mis sensaciones, a través de la hermosa música escrita para ella. Sencillamente yo me sintonizo con esa música, y sus notas lo que hacen es maximizar mis propias percepciones.
Esta bella guitarrilla está afinada en sol-do-mi-la, de la más grave a la más aguda de sus cuerdas, y el LA está entonado en la frecuencia de 440 hertz por segundo. Tiene diez trastes, y usa cuerdas Nygut hechas por la fábrica Acquila.
Sus clavijas son de curarire, una durísima madera venezolana, su tapa es de pino abeto alemán, y el fondo y los aros son de ciprés. La raya superficial es de palisandro, el mástil es de arce y la tastillera es de ébano; y fue construida por Claudio Lazcano del Castillo en 2004.
Tengo que darle el mayor de los créditos a este noble instrumento, pues gracias a él, Juana Francisca, la trovadoresa se dio a conocer durante este año.

En Radio Fe y Alegría

2007-12-21T16:53:00.000-04:30

Esta fotos las tomó mi colega periodista Gustavo Urbina, en una entrevista que me hizo en Radio Fe y Alegría, para su programa "Vientos de Cambio", que se transmite por la señal 1390 AM los días sábado a partir de las 11:00 a.m. Esta entrevista se llevó a cabo el 8 de diciembre.

Interpreté algunas obras de Le Roy y hablé sobre el espectáculo "Juana Francisca, la trovadoresa", para enamorar a los oyentes.

¡Gracias Gustavo!

Último concierto de 2007

2007-12-20T21:27:00.000-04:30

En estas fotografías tomadas por mi compañero de trabajo Eduardo Fuentes, se testimonia el concierto que ofrecí el pasado miércoles 19 de diciembre, en el Patio Negro del edificio de El Universal, en horas del mediodía. Al principio hubo como diez personas, pero a medida que avanzaba la música y ésta iba invadiendo el recinto, se aglomeró tal cantidad de personas, que estimo había no menos de cincuenta. Fue interesantísimo, porque se estableció un contraste entre la paz y quietud que transmite la música renacentista, frente a los repentinos cornetazos de los autobuses en la avenida Urdaneta, o los típicos ruidos de oficina que se sucedían adentro, ya que allí en ese sitio es donde la gente coloca sus avisos económicos, obituarios, desplegados, etc.

Otro dato interesante es la emoción que produce esta música. Igualmente, cuando de pronto levantaba la vista, observé ojos humedecidos. Luego, una vez que me cambié de ropa y proseguí mis labores periodísticas, recibí varios correos electrónicos de mis compañeros de trabajo, así como manifestaciones directas, con lo cual me señalaron especialmente esa emoción y paz, esa especie de hiato necesario en el trajín que supone el oficio del periodismo.

APROVECHO ESTA OCASIÓN PARA DESEARLES MUCHA PAZ Y ARMONÍA EN ESTAS NAVIDADES.

QUE EL ESPÍRITU DE LA NAVIDAD LOS COLME DE BENDICIONES,

QUE EL NIÑO JESÚS NAZCA EN SUS CORAZONES, PUES "AUNQUE NAZCA MIL VECES EN BELÉN, SI NO NACE EN TU CORAZÓN AL MENOS UNA VEZ, DE NADA TE VALDRÁ", COMO DECÍA ANGEL SILESIO;

QUE SAN NICOLÁS, SANTA CLAUS, PAPA NOEL, O COMO QUIERAN LLAMARLO, ENTRE A SUS HOGARES CON LA PLENITUD DE SU BONDAD Y LA GENEROSIDAD CONTENIDA EN SU RISA MARAVILLOSA Y SU SACO REPLETO DE DONES.

¡ F E L I Z N A V I D A D !

El Patio Negro de El Universal

2007-12-19T12:15:00.000-04:30

Dentro de unos minutos, a la 1:30 p.m., me presento en el Patio Negro de El Universal, concierto con el cual cerraré mi ciclo de presentaciones por este año 2007.

En el Teatro Luis Peraza

2007-12-15T23:37:00.001-04:30

Bien, aquí les muestro una secuencia de fotografías, nuevamente tomadas por Leo, mi foto-esposo, en plena actuación de mi performance "Juana Francisca, la trovadoresa". El bis fue ofrecido por mi hija Ana Margarita, quien ha demostrado un talento extraordinario (habla la voz de una madre objetivísima...) con el cual de alguna forma ambas le mostramos al público presente que la guitarrilla o guitarra renacentista es madre del cuatro, porque lo que Ana Margarita cantó fue nada más y nada menos que "El burrito de Belén" (creo que es así como se llama el lindo aguinaldo...)

Por último, tuvimos una mini sesión de fotos, en la primera ven a Oswer Díaz, mi fotógrafo oficial, pues es quien ha lidiado conmigo y mis guitarras en los últimos seis años. Anoche fue a mi presentación sabatina y me llevó una hermosa sorpresa: mi ex compañera de trabajo en El Universal, Yasmín Monsalve, quien desde hace más de tres años vive en Sao Paulo (Brasil) está en Caracas para pasar las fiestas decembrinas, y de paso me honró con su presencia.

Debo decir que el Luis Peraza es una sala excelente, no sé si porque está debajo de la Iglesia San Pedro, es decir, es el mero sótano del templo, lo cual le confiere un halo místico y mágico. Es una sala con una "vibra" muy positiva, muy linda. Lástima que el público no haya sido numeroso, como en mis anteriores presentaciones, lo cual tampoco le resta méritos. Suponemos que las circunstancias actuales lo determinan: inseguridad, tiempos post-electorales, época de compras decembrinas. Seguimos igual con gran entusiasmo, porque las personas que van amablemente comentan con agrado el trabajo que hacemos, con muchísimo gusto.

A Julio Timaure

2007-12-12T13:10:00.000-04:30

Julio Timaure, excepcional artista, actor y cantante acaba de fallecer. Apenas treinta y siete años de edad tenía, y a mi parecer era todo un maestro del canto, especializado en la interpretación de repertorios antiguos. En esta imagen lo vemos actuando como Orfeo, en la ópera homónima de Claudio Monteverdi, que en mayo de este año montó la Camerata de Caracas, bajo la dirección de la maestra Isabel Palacios.

Y así como destacó allí, también hizo lo propio como integrante del trío E-ón junto a mi maestro Bartolomé Díaz y el bajista Oscar Fanega. A Julio le correspondió darle voz a un proyecto que es de avanzada, de la más reciente vanguardia, donde la fusión de los sonidos electrónicos y lo tradicional encuentran un punto de equilibrio justo, perfecto, sano y bello.

Me hubiera encantado conocer más de Julio, haber aprendido de su estilo e interpretación... por lo cual su partida me duele y me sorprende. Dedico mis dos últimas presentaciones en el Teatro Luis Peraza, este fin de semana, a la memoria de este extraordinario músico y artista integral.

Crítica de Einar Goyo Ponte

2007-12-09T00:02:00.000-04:00

He aquí una foto tomada por el crítico y periodista Einar Goyo Ponte. Sobre título podrán hacer click para que accedan a su blog y leer lo que él escribió de mí, de donde tomé prestada la foto, durante mi presentación en el Festival de la Colonia Tovar. Pueden aprovechar y apuntar su dirección para que visiten frecuentemente su sitio, donde publica sus impresiones acerca del acontecer musical.

¡Muchas gracias Einar, por tu comentario!

Cita con Dios en la Ucsar

2007-12-06T15:11:00.000-04:00

Vengo de la Universidad Católica Santa Rosa (Ucsar), donde acabo de presentarme en la capilla mayor (la que se ve al fondo en la fotografía). Fue una cita con Dios, y no exagero. De verdad, como lo he mencionado en anteriores oportunidades, la guitarrilla es ella y su circunstancia, y por ende, la resonancia de las iglesias le viene tan bien, que hay que hacer un esfuerzo supremo para no detener la ejecución ante el asombro que provoca escuchar el instrumento resonando por todo el espacio, y con la certeza absoluta de que los meros oídos de Dios están escuchando. Lo bueno de la sensación es que Dios escucha sin juzgar, por lo que tocar en una iglesia lejos de intimidar provoca mucha paz, serenidad, quietud, sosiego, fortaleza interna, alegría.

Entiendo perfectamente ahora a Johann Sebastian Bach y a todos los que han sido maestros de capilla en su vida, porque tener a Dios como audiencia le cambia a uno la perspectiva de las cosas: no es lo mismo escuchar misa, escuchar música en una iglesia, incluso, voy más allá. No es lo mismo cantar en una iglesia que hacer música instrumental. Explico. Cuando se canta, el cuerpo mismo es el instrumento, por lo tanto no hay manera de percibir totalmente el "feedback", la respuesta, que cuando el instrumento está fuera de uno y se es el ejecutante. La sensación es totalmente diferente. He cantado infinidad de veces en iglesias y capillas, sobre todo en bodas; y hay que ver que ya es casi un éxtasis místico, pero lo vivido durante el mediodía de hoy supera todo. No sé si adicionalmente hay un componente previo espiritual, o de actitud previa. No lo sé.

Puedo confesar que antes de comenzar el concierto estuve completamente sola en la capilla. Acomodé todos mis implementos, verifiqué la afinación de la guitarrilla, me cambié de ropa, me maquillé, y como vi que todo estaba listo, pero aún faltaba un tiempo para comenzar, me arrodillé en un reclinatorio y recé... me senté luego en un banco y me quedé como quien escucha el silencio. No puedo decir nada más, porque la sensación es de completud.

Al concierto asistieron algunos profesores y alumnos de la Ucsar, incluso algunos de los míos. No fue mucha concurrencia, calculo que por falta de suficiente promoción o porque muchos alumnos y docentes estaban en actividades, sobre todo evaluativas. Pero sí vi, desde mi sitio, de espaldas a Cristo y de frente a la asamblea, ojos humedecidos. En un momento del performance me asaltó el pensamiento de que debía parecer una imagen de Santa Cecilia, y que bien teniendo alguien una cámara fotográfica hubiera podido captar hasta el halo. Vamos, no me siento santa ni mucho menos, fue, como dije antes, una sensación. Lo gracioso es que después, cuando todo culminó, nos quedamos hablando unos pocos, y hasta el profano tema de la Volta salió a relucir... en plena casa de Dios.

Concierto y clase en el Iudem

2007-12-05T11:19:00.000-04:00

"Juana Francisca" fue ayer al Instituto Universitario de Estudios Musicales. Ante un público conformado mayormente por alumnos guitarristas y cuatristas, además de profesores de la talla de Federico Ruiz, Luis Zea, Pedro Andrés Pérez, Gonzalo Micó, Elys Salamanca, Parmana Armoogan, entre otros; presenté el performance, con mucha satisfacción por mi parte... Como siempre, y en aras de la objetividad periodística que nunca me abandona, solamente puedo hablar desde mi perspectiva de quien ejecuta, pues no puedo ponerme ni en el rol del público ni mucho menos de crítica musical. Eso es harina de otro costal y, en este caso, no me corresponde hacerlo. Sólo puedo atestiguar que el público presente me demostró ampliamente su cariño y aceptación, incluso testimonios como "me transporté", "sentí que no estaba en este sitio, sino en un lugar y tiempo remotos", y los agradecimientos. Acabo de recibir un correo-e de mi anfitriona, la periodista Isabel Blanco, quien me escribe: "Hoy continúan los comentarios positivos sobre tu presentación".

Preguntas, preguntas

Luego del recital, respondí preguntas ante la audiencia, y por aquello de que mi velocidad mental es limitada, ahora es cuando se me ocurren respuestas más concretas, sólidas o coherentes. Por ejemplo, ¿cómo hago para hacer todo lo que hago, en qué tiempo? Me quedé en blanco, pero sí, ciertamente hay una actividad mental que me parece importantísima: la música no es solamente un acto técnico, meramente de ejecución y movimiento mecánico de dedos. La música hay que sentirla en el alma, hay que meditarla, pensarla, y buena parte de lo que se traduce en los dedos en forma de movimientos musculares sobre un instrumento, tiene que pasar por la mente, ser meditada, "masticada". Esto no es algo que se me ocurrió a mi, sino que de tanto entrevistar a músicos y ejecutantes, llegué a esa conclusión.

Lo otro es que hay que meterse en el tiempo y circunstancia de la música: si lo que se ejecuta es música del pasado, pues hay que indagar sobre aquello. Por ejemplo, en estos momentos, estoy leyendo "Esta Tierra de Gracia" de Isaac J. Pardo, donde se cuenta de una forma amenísima y didáctica sobre las vicisitudes de la conquista y colonización. Tengo en cola: "Cubagua" de Enrique Bernardo Núñez, "El viaje inefable" de José Sánchez Lecuna, y un libro que compré en la Academia Nacional de la Historia sobre algunos aspectos de la vida colonial venezolana. De modo que nada es gratuito. Hay otro montón de cosas que podría alegar sobre lo que hago en escena, pero que no es más que el producto de la investigación. Y ya que estoy dando crédito a mis lecturas, por supuesto el excelente y pionero libro de Alberto Calzavara, "Historia de la música en Venezuela", editado por Pampero, y que merecería otra reedición para las nuevas generaciones.

Si fuera millonaria, o me gano el Kino este fin de semana y decido dedicarme de lleno a la guitarra, sin duda seguiría con esta propuesta estética que me he planteado: hacer recitales en su contexto y con el instrumento que caracteriza su época. Así que Fernando Sor y Napoleón Coste, dos autores que me matan por lo bello e importante de sus composiciones, serían abordados con la guitarra romántica que les corresponde. Y si hiciera a mis favoritos venezolanos contemporáneos, lo haría en el contexto del siglo XXI, vestida de blue jean, franela y abordando el tema político que nos rodea, porque ¿qué más? es lo que hay hoy en día... y hablaría de divorcios, y los hombres, los chamos que están de un avanzado, las lolas y la silicona... Sin duda que un recital así lo imagino en una plaza pública, con el ruido urbano y el caos citadino de fondo, como parte de la situación. Eso sí, estoy convencidísima de que nunca volvería a presentar un concierto al estilo siglo XIX (que los hice, los respeto, los veo y admiro; aunque la música que tocase fuera de ese periodo): con la distancia ceremonial de quien confía en lo que está en el programa, toca, aplausos, saludos, toca, aplausos, saludos... bises, al camerino y punto final. Tú, público, allá... yo, artista, por acá... aunque tocara a Francisco Tárrega, con la guitarra Antonio Torres Jurado. A que me pongo un traje decimonónico, un moño y me lanzo con un performance de ese tipo.

Nada, estoy escribiendo mucho para el tiempo que nos conocemos... Nos vemos éste y el próximo fin de semana en el TET, y luego comento más.

Con el TET como sede!!!

2007-12-02T16:34:00.000-04:00

No puedo estar menos que feliz por la oportunidad que me da el Taller Experimental de Teatro al ofrecerme su sala sede, el Teatro Luis Peraza, ubicado en Los Chaguaramos al lado de la Iglesia San Pedro, para mostrar por cuatro funciones más, mi performance "Juana Francisca, la trovadoresa"

Las funciones serán el próximo fin de semana: sábado 8 (a las 7:00 p.m.) y domingo 9 (a las 6:00 p.m.) y el otro fin arriba, sábado 15 (a las 7:00 p.m.) y domingo 16 (a las 6:00 p.m.), de nuevo.

Las entradas tienen un costo de Bs. 15 mil (Bs.F. 15) para público en general; y para estudiantes y personas de la tercera edad, en Bs. 10 mil (Bs.F. 10).

Adelanto que ya está en planificación el CD con el repertorio de la guitarrilla o guitarra renacentista, debido a que me lo han solicitado mucho al cabo de los conciertos ya realizados. En principio había planeado sacar primero el video con el espectáculo; pero en vista de que es menos engorroso y costoso el disco musical, pues espero comenzar a grabar en estudio a partir de enero o febrero de 2008.

Esto último implica también una nueva concepción en el repertorio y programa, pues uno de mis anhelos es poner a disposición de los oídos el repertorio español existente para guitarrilla; que curiosamente no es tan extenso como se piensa: apenas unas 16 piezas, de Alonso de Mudarra y de Miguel de Fuenllana. Equilibraremos, entonces, el repertorio español con el francés, ampliamente representado por Adrian Le Roy.

Por lo pronto, seguiremos comentando las novedades. Un abrazo grande, grande como el Ávila.

Próximas presentaciones

2007-11-25T10:29:00.000-04:00

La imagen de la guitarrista de Vermeer (¿inspiración para mi? obvio) y de la portada de los libros de Gorlier ilustrarán lo que sigue, y que se trata de los anuncios de mis próximas presentaciones, en virtud de lo que me expone alguien un comentario en este blog.
Si todo va bien, el próximo martes 4 de diciembre, a las 2:00 p.m. tendré una presentación y clase magistral en el Instituto Universitario de Estudios Musicales (Iudem) en Sartenejas. Espero que acudan muchos estudiantes, sobre todo de guitarra, porque eso será muy enriquecedor para ambas partes.
Luego ofreceré el espectáculo en la capilla de la Universidad Católica Santa Rosa (Ucsar), sitio donde doy clases en la Escuela de Comunicación Social. Eso será el jueves 6 de diciembre a las 11:00 a.m.
Sé que tengo pendientes dos fechas, aún no fijadas. Una para los Domingos Culturales de CANTV, en Santa Rosa, cerca de la estación Colegio de Ingenieros; y otra para mis estimados compañeros de trabajo del diario El Universal, en la avenida Urdaneta. Esta última, al igual que la presentación para la Ucsar, fueron dos conciertos que yo misma pedí: tanto mis alumnos como mis compañeros de trabajo tienen añales oyéndome hablar de que toco guitarra y tal y tal, pero nunca me han visto. Algunos han ido a los conciertos, pero no la mayoría... así que la montaña va a Mahoma.
Luego, creo que para culminar las presentaciones en diciembre y en 2007; el fin de semana del 15 y 16 de diciembre tocaré en el Teatro Luis Peraza de Los Chaguaramos, al lado de la Iglesia San Pedro. Aún espero confirmación de las horas exactas.
Nos vemos, pues...

El cálido frío de la Colonia Tovar

2007-11-24T20:31:00.001-04:00

Sé que el título de este post es un contrasentido, pero el frío que está haciendo en la Colonia Tovar se tornó en algo cálido y maravilloso.

Esta es mi impresión sobre la participación que tuve en el XX Festival Internacional de Música de Cámara de la Colonia Tovar; en el cual me correspondió el honor de abrir el evento ayer viernes, a las 6:30 p.m.

Como mi fotógrafo oficial de los conciertos, es decir, mi esposo Leo, no pudo acompañarme, tuve que apelar a la cámara de mi celular para captar algunas impre(ci)siones... primero, la sala donde me correspondió tocar, el auditorio del Kaffe Muhle, antes de que se iniciara el concierto. Bueno, se trata de un espacio estupendo, y más aún con el resultado que tuvo el instrumento: se aclimató perfectamente, no se desafinó, ni su sonido se distorsionó ni nada por el estilo. Por el contrario, sonó de maravilla... y lo puedo decir con todo y los nervios y la adrenalina y la sensación de no percibir bien lo que se hace mientras se toca música (al menos, es lo que a mi me pasa).

Me parece que tuve un público aproximado de 120 personas, porque lo que se aprecia es más o menos la misma cantidad que me escuchó a mi. Los músicos que aparecen en el fondo son integrantes del ensamble austríaco que también intervino en el Festival. Músicos maravillosos, por demás, por la calidad interpretativa. Me parece que el público pudo acceder a una oferta de lujo con ellos. Sin ninguna duda.

La última fotografía la tomé esta mañana antes de venirme a Caracas. Una vista de la Colonia Tovar, para que no olvidemos que tenemos esa bellísima joya enclavada en las montañas de Aragua, con un clima fresco, helado por las noches, pero gratísimo a juzgar por la calidad de las personas que allí habitan. Un verdadero privilegio.

De mi participación en el Festival, puedo agregar que fue gratísimo, sí sentí los dedos helados (soy extremadamente sensible al frío), y hubo momentos en los cuales tuve la sensación de que los dedos no me respondían, por lo que me vi obligada a bajar un poco el tempo de la música. Por fortuna ese recurso ayudó a la interpretación de las obras, y a medida que fue transcurriendo el espectáculo, los dedos se iban calentando más y más. Con todo, sentí que el público disfrutó del espectáculo: toqué dos bises, firmé autógrafos, recibí muchas felicitaciones, abrazos y parabienes; me retraté con todos los que quisieron, incluso de la emisora Victoria 103.9 FM hicieron un pase en vivo justo después del concierto, y pude hacer algunos comentarios sobre el Festival y lo que yo misma acababa de presentar. Las personas del público me estuvieron manifestando sus simpatías incluso hasta esta mañana, cuando tomaba mi desayuno.

Me anoto una nueva experiencia muy positiva, con la sensación de que dejo sembrado algo en el corazón de quienes me ven, en especial qué hacía ese instrumento que luego dio origen a nuestro cuatro venezolano. Este aspecto como que gusta mucho...

Agrego, para culminar, que haciendo clic en el título, podrán ver un video que apareció en YouTube... gracias a JDugarte, quien hace posible que lo podamos apreciar!!!

http://www.youtube.com/watch?v=zQEY8VRNA6A